Art Movement: Pop Art (Français)

 » Les artistes Pop ont fait des images que tout le monde marchant sur Broadway pouvait reconnaître en une fraction de seconde – Bandes dessinées, tables de pique – nique, pantalons pour hommes, Célébrités, rideaux de douche, réfrigérateurs, bouteilles de coke-toutes les grandes choses modernes que, »–Andy Warhol

• dates clés: 1955-1965
• régions clés: Grande-Bretagne et États-Unis
• mots clés: Culture populaire, médias de masse, consumérisme
• artistes clés: Andy Warhol, Roy Lochtenstein, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Richard Hamilton, David Hockney

qu’est-ce que le pop art?,

le conservateur britannique Lawrence Alloway a inventé le terme Pop Art en 1955 pour décrire une nouvelle forme d’art « Populaire” – un mouvement caractérisé par l’imagerie du consumérisme, de la reproduction de masse, des médias et de la culture populaire dont son nom dérive.

en 1957, L’artiste Pop anglais Richard Hamilton a énuméré les « caractéristiques du Pop Art” dans une lettre aux architectes Peter et Alison Smithson., La liste se lisait comme suit:

les artistes du Pop Art se sont inspirés de la publicité, des magazines pulp, des panneaux d’affichage, des films, de la télévision, des bandes dessinées et des vitrines pour leurs œuvres humoristiques, spirituelles et ironiques, qui peuvent être considérées comme une célébration et une critique de la culture populaire.

avec le Pop Art, l’art reflétait l’époque de la production de masse et du divertissement rapide et banal. Les objets du quotidien comme les boîtes de soupe Campbell et les célébrités de la culture pop comme Marilyn Monroe ont été transformés en art et sont devenus des icônes du mouvement., Mais comment le Pop Art a-t-il émergé, qui en étaient les acteurs clés et quelles étaient leurs visées artistiques?

Principaux Artistes Pop

Célèbres œuvres du Pop Art

Andy Warhol Marilyn Diptych, 1962

La technique utilisée pour cette peinture a été la sérigraphie. L’œuvre contient 50 images de Marilyn Monroe, dont la moitié est peinte en couleur, l’autre moitié en noir et blanc. Le travail a été achevé dans les semaines qui ont suivi la mort de l’actrice.

Whaam de Roy Lichtenstein!, 1963

Roy Lichtenstein est Whaam! est une grande peinture à deux toiles composée comme une bande dessinée d’une explosion de fusée dans le ciel. Lichtenstein était intéressé à dépeindre des situations très chargées de cette manière particulièrement détachée et calculée.

Keith Haring Radieux de Bébé, 1982

dans le New York des années 1980, Keith Haring a transformé le métro en studio. À la craie, il a gravé ses dessins emblématiques sur les murs. L’un d’eux était son bébé radieux, qui était pour lui l’une des expériences humaines les plus pures et les plus positives. Il est devenu un idiome visuel récurrent de Haring au fil des ans et est maintenant considéré comme l’étiquette de signature de l’artiste.

Qu’est-ce qui rend les maisons D’Aujourd’hui si différentes, si attrayantes?,, 1956

le collage de Richard Hamilton présente un espace de salon rempli d’objets et d’idées qui, selon Hamilton, s’entassaient dans la conscience d’après-guerre. Attirer l’attention du spectateur est la figure d’un body-builder tenant une sucette géante avec le mot  » POP  » griffonné dessus., Il n’est donc pas surprenant que ce collage soit souvent considéré comme le premier exemple de Pop art.

L’amour de Robert Indiana, 1967.

né Robert Clark dans L’Indiana, Robert Indiana a pris le nom de son état natal lorsqu’il a déménagé à New York en 1954. Ce type de fascination D’inspiration Pop pour le pouvoir des mots ordinaires n’a jamais été aussi clair que dans ses œuvres D’amour., L’amour d’Indiana est l’une des images les plus connues du Pop art. Il a été conçu à l’origine comme une carte de Noël pour le Musée d’Art moderne en 1965. Depuis, L’amour a pris la forme d’estampes, de peintures, de sculptures, de bannières, de bagues, de tapisseries et de timbres.

la réception des critiques par rapport au public

le Pop Art était en partie une réaction contre le statu quo. Dans L’Amérique des années 1950, le style principal était L’Expressionnisme abstrait, un style de peinture non figuratif arcane., Bien qu’admiré par les critiques et les visiteurs expérimentés du musée, L’Expressionnisme abstrait ne « connectait” ni avec le grand public, ni avec de nombreux artistes.

au contraire, L’imagerie plus figurative et terre-à-terre du Pop Art a séduit le public et bien qu’il ait souvent été méprisé par les critiques pour sa focalisation sur les sourcils bas, le Pop Art est devenu l’un des styles d’art les plus populaires.

Le Pop Art aux États-Unis

aux États-Unis, les artistes s’inspiraient de ce qu’ils voyaient et vivaient directement de la culture qui les entourait., Réaction très claire à L’Expressionnisme abstrait, Le Pop Art représentait un retour à l’art figuratif. Les bords durs, les formes claires et les sujets reconnaissables régnaient maintenant, contrastant avec le relâchement et l’abstraction des expressionnistes abstraits. En contraste frappant avec L’Expressionnisme abstrait, l’utilisation de sujets impersonnels et banals au lieu de se concentrer sur des sentiments personnels profonds et le symbolisme.,

New York était la plaque tournante principale du Pop Art américain, et les artistes aux commandes étaient Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jasper Johns, Ed Ruscha et Claes Oldenburg. Chacun de ces artistes a puisé dans l’imagerie populaire et joué avec le monde commercial des biens de consommation. La plupart de ces artistes ont commencé leur carrière dans l’art commercial. Andy Warhol était illustrateur de magazines et graphiste, Ed Ruscha était graphiste et James Rosenquist a commencé comme peintre de panneaux d’affichage., Leurs antécédents dans le monde de l’art commercial leur ont fourni un excellent vocabulaire visuel de la culture de masse. De plus, ils ont appris des techniques pour sauter sans effort entre le grand art et la culture populaire et fusionner ces deux mondes.

Andy Warhol a créé son centre artistique dans The Factory, son grand studio de New York qui avait trois emplacements différents entre 1962 et 1984. Là, il a travaillé sur ses tirages sérigraphiques emblématiques qui sont devenus quelques-unes des images les plus célèbres du Pop art., Marilyn Monroe, Elvis Presley et Elizabeth Taylor sont quelques-uns des visages de célébrités que Warhol a présenté. Avec ses célèbres peintures de boîtes de soupe Campbell, de bouteilles de Coca-Cola et de boîtes Brillo, Warhol a placé les objets ordinaires du quotidien dans le domaine de l’esthétisme et de l’art. À partir de 1965, il concentre l’essentiel de son attention sur la réalisation de films expérimentaux critiquant la moralité étouffante de la société américaine.

le Pop Art au Royaume-Uni

le Pop Art est apparu au Royaume-Uni avec le groupe indépendant des années 1950 (IG). Ils se sont réunis pour la première fois à l’hiver 1952-1953 et ont été responsables de la formulation de nombreuses idées du Pop Art britannique. Les artistes clés du groupe indépendant comprenaient Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Sir Eduardo Paolozzi et William Turnbull. Les critiques Lawrence Alloway et Rayner Banham, et les architectes Colin St John Wilson, Alison et Peter Smithson faisaient également partie du groupe.,

le groupe indépendant a organisé les expositions révolutionnaires parallèles de L’Art et de la vie en 1953, et This is Tomorrow en 1956. Dans ces expositions, les artistes ont souligné leur intérêt pour la culture populaire et commerciale. Au lieu de l’aversion générale pour cette « faible culture » qui était courante chez les intellectuels, ils l’ont explorée et consommée avec ferveur. Le mouvement en Grande-Bretagne a été grandement inspiré par la culture populaire américaine, vue de loin. Il a exploré ce que l’imagerie populaire américaine représentait et comment elle manipulait la vie et les modes de vie des gens.,

collectionner le Pop Art

le Pop Art a réussi à atteindre le grand public d’une manière que peu de mouvements d’art moderne ont fait – ou ont fait depuis – et les collectionneurs d’art aiment aussi. Par exemple, le tableau « faux départ” (1959) de Jasper Johns vendu en 2006, pour 80 millions de dollars: la 9e œuvre d’art la plus chère de l’histoire à cette époque. L’œuvre « Green Car Crash » (1963) (polymère synthétique, encre de sérigraphie et acrylique sur lin) D’Andy Warhol vendue chez Christie’s, New York, en 2007, pour 71$.,7 millions, ce qui en fait la 14e œuvre d’art la plus chère jamais vendue à cette époque. Pas mal pour une œuvre d’art à sourcils bas.