Best of 2017: nos 20 meilleures expositions à travers les États-Unis

Cette année, nos émissions préférées aux États-Unis étaient particulièrement excentriques. Il n’y a pas beaucoup de noms de blockbusters sur cette liste; au lieu de cela, la plupart de ces expositions explorent pensivement un thème, ou présentent un artiste négligé du passé. Les différents musées, galeries et espaces présentés ici s’étendent de la région de la baie à Boston (nous avons des listes séparées pour Brooklyn, New York et Los Angeles)., Dans nos meilleures sélections, nous avons choisi de mettre en évidence trois projets et séries à plus long terme qui nous ont impressionnés par la profondeur de leur recherche et l’ambition de leur portée. Avec autant de spectacles qui vont et viennent, il est rafraîchissant de voir des organisations et des musées s’engager sur une seule idée ou thème pendant de longues périodes.,

la route la moins fréquentée au John Michael Kohler Arts Center

tout au long de 2017

Le John Michael Kohler Arts Center (JMKAC) a célébré son 50e anniversaire avec une rotation d’un an de sa collection d’environnements artistiques, de la maison ornée de paillettes de Loy Bowlin (alias Le « Cowboy en strass”) aux sculptures Beaucoup de ces œuvres sont des environnements artistiques complets, comme la « machine de guérison” d’Emery Blagdon reconstruite à partir du Nebraska rural avec des mobiles de fil de sauvetage et d’aluminium destinés à exploiter l’énergie de la Terre., Donc, voir autant de gens en vue dans les galeries à la fois était quelque chose de spécial, et a célébré comment JMKAC a été un chef de file dans la reconnaissance de la valeur de la sauvegarde des environnements d’artistes, et de les considérer dans la plus grande histoire de l’art américain. – Allison Meier

2. Perspective.,4: Le Lotus malgré le Marais à la Nouvelle–Orléans

18 novembre 2017-15 février 2018

la quatrième itération de cette exposition à l’échelle de la ville comprend les œuvres de 73 artistes, sont principalement basés aux États-Unis, dans les Caraïbes, en Amérique latine et en Europe. Organisé par le conservateur Trevor Schoomaker, Prospect 4 est réparti dans 17 lieux, y compris des musées d’art et de jazz à un magasin d’antiquités et des panneaux d’affichage, et est accompagné de plus de 100 expositions satellites., Alors que les œuvres d’art spécifiques au site, telles que le poétique « Vessel” de Radcliffe Bailey, éparpillées à travers Crescent park sont un point culminant particulier, il n’y a aucune œuvre de la Triennale qui vole le spectacle-du moins pas encore: toujours à venir est « Kataswof Karavan” de Kara Walker, qui sera présenté en première au cours de la semaine – Alpesh Patel

3. À L’Horizon: L’Art Contemporain Cubain du Jorge M., Collection Pérez au Pérez Art Museum Miami

9 juin 2019-8 avril 2018

Internal Landscapes, la première itération du multipart On the Horizon, se concentre sur un motif lourd de la cosmologie historique et esthétique cubaine, l’horizon, et plus précisément sa relation avec le corps., Le commissariat est intelligemment expansif; le spectacle englobe les nombreux registres de la diaspora et de l’exil qui encadrent l’expérience cubaine, avec des œuvres exposées par des artistes nés à Miami, des artistes nés sur l’île et vivant là-bas comme Yoan Capote, ceux basés ailleurs comme New York, et canoniques cubains, Géants basés à Miami comme José La relation profondément complexe à l’eau et à l’horizon est engagée de manière complexe, évocatrice et jamais réductrice., —Laila Pedro

discours/actes à L’Institute of Contemporary Art, Université de Pennsylvanie

13 septembre–23 décembre

qu’est-ce que la poésie noire expérimentale a à voir avec l’art contemporain? Tout, et ce spectacle, organisé par Meg Onli, a fait l’affaire facilement., Parfois consciemment opaque, d’autres fois extrêmement accessible, Onli a su créer un spectacle qui permettait de voir les œuvres selon leurs propres termes, tout en découpant un espace qui affirmait la centralité de la parole et des mots dans le travail de ces artistes. En outre, les installations murales poétiques de Kameelah Janan Rasheed étaient émotionnellement captivantes pour la façon dont elles semblaient imiter les modèles souvent ésotériques du langage et de la pensée. – Hrag Vartanian

5., Une femme dangereuse: Subversion et surréalisme dans L’Art D’Honoré Sharrer au Columbus Museum of Art (CMA)

10 février–21 mai

surréaliste américain Honoré Sharrer éclipsée par la tendance dominante de l’Expressionnisme abstrait, elle est contrainte de déménager au Canada au milieu des années 1950 en raison de ses convictions communistes., A Dangerous Woman: Subversion and Surrealism in the Art of Honoré Sharrer at the Columbus Museum of Art (CMA) est la première enquête depuis le milieu du 20e siècle sur les œuvres de l’artiste, dont beaucoup sont prêtées par sa succession, et met en valeur une puissance largement non renommée de plusieurs styles, y compris des représentations Rockwell-esque de la vie quotidienne On doit à CMA le mérite d’avoir mis sur pied une exposition remarquable sur un artiste fascinant digne d’une réflexion plus approfondie. – Sarah Rose forte

6., Walker Evans au Musée D’Art Moderne de San Francisco (SFMOMA)

30 septembre 2017–4 février 2018

l’idée que le vernaculaire — le populaire, L’utile, L’inabouti — puisse avoir une place dans le domaine des Beaux-Arts semblait sûrement une contradiction avant Walker Evans., Mais la rétrospective massive à SFMOMA révèle que ce phénomène typiquement américain n’est pas du tout contradictoire. Vous ne verrez jamais Evans arranger la lumière de la sorte, ou se disputer la composition pour un effet dramatique. Ces dispositifs semblent carrément gimmicky après avoir pris dans le corps simple, sans chichis, mais vif et révélateur de l’œuvre qui pourrait servir de lexique visuel pour les vérités peu glorieuses, parfois dévastatrices du siècle américain. Ses portraits, par exemple, semblent presque exaspérants sans art: sans pose, quel que soit l’éclairage, la composition., Pourtant, chaque sujet offrait son propre matériau riche pour déduire non seulement les circonstances, mais la vie émotionnelle découlant de cette circonstance: la mâchoire serrée et les yeux méfiants d’un homme bien habillé dans le métro, le mineur plissant les yeux, ou peut-être clignant des yeux, derrière les joues noircies. À la fin de cette année en particulier, lorsque beaucoup d’entre nous se sentent plus déconcerté que jamais par les questions de savoir qui nous sommes, qui nous sommes, et qui nous pourrions être, un spectacle comme celui-ci nous rappelle que les réponses n’ont jamais été facile, et il est impératif que nous cherchons. —Larissa Archer

7., À propos de Face at the Creative Alliance at the Patterson

10 décembre 2016–28 janvier 2017

quand Amy Sherald a été choisie pour peindre le Portrait présidentiel officiel de L’ancienne Première Dame Michelle Obama pour la National Portrait Gallery — la première femme afro-américaine à recevoir cet honneur — elle est devenue particulièrement prête à modifier le cours d’une histoire de l’art dominée par des artistes masculins blancs., Bien avant la grande annonce, Sherald, une peintre de portraits de rêve qui fait référence à Barkley Hendricks et Kerry James Marshall, s’était alignée avec d’autres artistes pour faire avancer un programme de diversité et d’inclusion. L’exposition de groupe, About Face, à la Creative Alliance Main Gallery de Baltimore a présenté quatre artistes de couleur qui, comme Sherald, représentent des sujets noirs habilités qui dégagent un sens palpable de l’agence. Le spectacle présentait les parchemins graphiques D’inspiration japonaise de Rozeal, le réalisme pictural de Tim Okamura et Ebony G., Les installations murales baroques à base de fibres de Patterson célèbrent la culture de la danse jamaïcaine. Avec les figures romantiques de Sherald au centre, About Face a exploré le portrait comme un outil efficace pour envisager une Amérique plus inclusive et authentique, créée par des auteurs divers et dépourvue de tokenisme et d’exotisme. Ensemble, ces portraits pointaient vers un futur Canon historique de l’art où les visages et les figures noires sont la règle plutôt que l’exception. – Cara Ober

8., Duox4odell’s: vous saurez si vous appartenez par Wickerham & Lomax

31 mars – 28 avril

Daniel Wickerham et Malcolm Lomax, également connus en collaboration avec duox, ils réalisent des installations théâtrales et multimédias qui utilisent le collage numérique, l’animation, la vidéo interactive et la conception web pour poser des récits centrés sur les queer depuis 2009., Pour la deuxième édition de Light City à Baltimore, un festival d’art et de technologie à L’échelle de la ville, le duo a été sélectionné pour explorer Odell’s, un club de danse historique qui a existé de 1976 à 92 sur North Avenue et a servi de Centre culturel exclusif pour la communauté afro-américaine. Après avoir mené des recherches exhaustives et des entretiens, plutôt que de tenter de reproduire la salle de danse telle qu’elle était, Wickerham & Lomax a imaginé la mémoire collective telle qu’elle existe actuellement: un havre mythique et chargé de disco., Le résultat était un terrain de jeu numérique ambitieux avec des boules disco pendantes, des écrans découpés plus grands que nature représentant des silhouettes de style des années 1970, de la musique et des interviews vidéo de style documentaire. Un départ radical de la narration linéaire ou historique, You’ll Know If you Belong a capturé l’essence d’un lieu et d’une époque légendaires de L’histoire de Baltimore à travers des couleurs brûlantes et un design maximal inspiré de la mode. – CO

9., Vermeer et les maîtres de la peinture de Genre: Inspiration et rivalité à la National Gallery of Art, Washington, DC

22 octobre 2017–21 janvier 2018

en plaçant des œuvres clés de Johannes Vermeer parmi celles de ses contemporains — dont Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Pieter De Hooch et Gabriel Metsu — cette exposition éclaire la fécondation croisée et la compétition entre les, Nous reconnaissons des thèmes communs, des compositions, des accessoires et des costumes — preuve que même les peintres les plus innovants de l’époque étaient attentifs à ce que leurs camarades faisaient. Vermeer domine, mais l’individualité de tous les artistes est clair. Et nous ne regarderons plus jamais la peinture hollandaise du 17ème siècle de la même manière. – Karen Wilkin

1o., Eye Fruit: The Art of Franklin Williams at the Art Museum of Sonoma County

13 mai–3 septembre

Franklin Williams avait été l’un des exemples les plus arcanes d’artistes inclassables de la En 2017, Eye Fruit a changé tout cela., Cette exposition a offert la première et, jusqu’à présent, la seule rétrospective sur la carrière massive de Williams, présentant le monde de l’art en général à un talent formidable dont le travail est la distillation même de l’expression de soi authentique. Il n’est pas étonnant que L’art de Williams ait depuis été exposé à Los Angeles à la Parker Gallery, soit actuellement exposé jusqu’au 22 décembre à New York à la Karma Gallery et sera exposé au Whitney Museum of American Art dans un proche avenir., Eye Fruit seul, cependant, a habilement montré ce qui était en magasin pour les spectateurs d’art que d’autres prennent la tâche d’examiner de manière approfondie l’art inimitable, mystique, et fascinant de Franklin Williams., —Clayton Schuster

Year of The Woman at Now + There

tout au long de 2017

L’un des moments forts de Boston cette année n’était pas un spectacle exactement, mais une série de projets conservateur/producteur d’Art public à but non lucratif maintenant + là., Sous le titre Global Year of The Woman, et avec une mission qui comprenait « élever les voix de la communauté et explorer le pouvoir de la résilience et de la créativité des femmes”, Now + There a commandé deux projets muraux à grande échelle; un projet de narration multimédia dans un conteneur d’expédition; et une exposition de Galerie axée sur les artistes femmes « , »La série comprenait des œuvres d’artistes locaux Elisa Hamilton, Silvia López Chavez, Rania Matar, Maria Molteni, Chanel Thervil, Evelyn Rydz et les sœurs Safarani (Farzaneh et Bahareh Safarani), ainsi que Ann Lewis, basée à Detroit, qui a collaboré avec les résidents d’un centre de réinsertion local pour femmes incarcérées. À l’exception D’Ann Lewis, tous les artistes étaient locaux, et plus de la moitié étaient des femmes de couleur — une combinaison rare sur de nombreuses listes de souhaits de Boston, y compris la mienne, pour des entreprises de grande envergure. – Heather Kapplow

12., Zhang Peili: Record, Repeat at the Art Institute of Chicago

du 30 mars au 9 juillet

je me suis retrouvé à rire devant presque toutes les œuvres vidéo de cette exposition, Connu comme le premier artiste vidéo de Chine, Peili excelle dans ses réponses ironiques aux médias D’état Chinois, produites à la fois comme propagande et divertissement., Cette enquête captivante sur son travail de 1988 à 2012, organisée par Orianna Cacchione, s’est concentrée sur son affinité pour la répétition en tant qu’outil puissant pour bouleverser ce qui est généralement vu à la télévision chinoise, des films de L’époque de la Révolution culturelle aux lectures quotidiennes d’un diffuseur d’informations. Le drame est ressassé comme une comédie, la vérité se transforme progressivement en blather — ce qui constitue une réalité devient impénétrable mais de plus en plus sujet à question. – Claire Voon

R. I. S. E.,: Nothing is Natural at Reed College

du 11 août au 1er octobre

Nothing is Natural a été organisé au Reed College par L’artiste autochtone Demian DinéYazhi’, la conservatrice et directrice de la Cooley Art Gallery Stephanie Snyder et le collectif D’arts autochtones R. I. S. E. (Radical Indigenous Survivance and Empowerment). L’exposition, qui faisait partie de Converge 45 à Portland, en Oregon, présentait deux œuvres d’installation, l’une le long des rives de tributary à Reed Canyon, et l’autre dans l’historique Student Union., L’installation extérieure, créée par le collectif D’art Winter Count, intitulée « Nothing is Natural », est une œuvre incroyablement poignante, corrigeant la notion de violence contre le monde naturel, la violence contre les femmes et la violence contre les corps autochtones. Une œuvre de Postcommodity, « Gallup Motel Butchering”, a mis en lumière la nature contestée du paysage de Gallup, au Nouveau — Mexique, en tant qu’espace marchandisé — réalités que le tourisme et les vestiges de l’Ancienne Route 66 y sont encore présents-et que son identité en tant que territoire autochtone est souvent ghettoïsée. – Erin Joyce

14.,: Phantom Revenant au Bemis Center for Contemporary Arts

2 février–29 avril 2017

de leur exposition personnelle, Cassils, artiste non conforme au genre, a présenté deux installations, une performance solo en direct et, pour la première fois, un événement participatif — tous liés à L’impossibilité radicale de représenter la violence contre les sujets LGBTQI+., Leur performance éponyme comprenait l’artiste poinçonnant un bloc d’argile de 2 000 livres dans une pièce sombre. L’objet résultant a été bronzé et deviendrait finalement un point focal pour un travail participatif qui impliquait l’artiste (avec l’aide d’amis et d’alliés) poussant la structure amorphe autour de sites stratégiquement choisis dans le centre-ville D’Omaha, marquant la violence ainsi que la célébration, comme l’emplacement du premier défilé de la fierté. L’intégration des Archives Queer Omaha dans l’exposition a également ancré l’exposition dans le contexte de « flyover country”., – AP

15. Roger Brown: peintures de domaine à Kavi Gupta

du 5 mai au 24 juin

à la galerie Kavi Gupta à Chicago, une rétrospective a associé Roger Brown: Estate Paintings, une sélection de peintures et de sculptures de L’artiste imagiste séminal, à Collecting came quite natural for me, une série d’assemblages recréés d’objets dans les collections personnelles, Brown était un collectionneur vorace d’art extérieur et d’éphémères culturels, et les tableaux éclectiques au deuxième étage de Kavi Gupta ont illuminé ses peintures ludiques et caricaturales au premier. Le fait que Brown ait choisi de s’entourer d’un tel mélange d’objets suggère qu’il reconnaissait que l’art « fin” et l’art « populaire” appartenaient au même ensemble. Il a encore aplati les distinctions habituelles en créant des compositions « collaboratives », dans lesquelles ses propres peintures servaient de fonds pour des ensembles de céramiques trouvées., Les expositions de Kavi Gupta ont offert non seulement une enquête convaincante sur cette œuvre, mais aussi une occasion pour les visiteurs d’examiner leurs propres préjugés concernant la paternité artistique. —SRS

16. ” E »est pour les Éléphants: Les Eaux-Fortes D’Edward Gorey au Massachusetts College of Art and Design (MASSART)

9 janvier–7 février

certains des meilleurs spectacles de 2017 proviennent des merveilleuses archives auxquelles les institutions ont accès, en particulier lorsqu’elles sont prêtes à creuser dans les coins de L’un de ces spectacles était E Is For Elephants: the Etchings of Edward Gorey, un regard décalé sur L’obsession de Gorey à la fin de sa vie pour les Éléphants au Massachusetts College of Art., Une célébration de la façon énigmatique (et décidément queer) de Gorey d’être le monde, il est également agréable de voir un artiste de maître, activement (« joyeusement”, dit le conservateur James A. Edwards) choisir d’être un novice dans un collège communautaire à un moment de sa carrière où, en tant que héros culte international, il aurait pu facilement se reposer – HK

17., Nick Cave: Until at MASS MoCA

octobre 15, 2016–septembre 4, 2017

Jusqu’à peut ne pas avoir présenté L’une des « combinaisons sonores” de signature de Nick Cave, mais cela ne l’a pas empêché spectacles de l’année. Dominée par une installation massive qui remplissait un immense espace d’entrepôt, l’exposition était comme un univers alternatif., Ce fut une expédition quelque peu désorientante, allant de la marche à travers les « filateurs à vent » colorés à l’escalade d’échelles jaune vif pour avoir une vue rapprochée du nuage géant de lustres, d’ornements de pelouse collectés et de divers tchotchkes. Tout en invoquant une sorte d’émerveillement enfantin, Until nous a également ramené à la réalité, avec des références répétées à un racisme américain omniprésent, en particulier les problèmes de violence armée et de jeunes hommes noirs tués par la police. Même avec votre tête littéralement dans les nuages, vous ne pouvez pas vous éloigner de ces jockeys de pelouse déplorables. – Elena Goukassian

18., Le lever du soleil, du Coucher du soleil à Emerson Dorsch

30 novembre 2017–19 janvier 2018

le titre de cette exposition est tiré de L’histoire du même nom D’Edwidge Danticat. Publié dans le New Yorker la même semaine que L’ouragan Irma — qui pendant un temps semblait destiné à frapper directement Miami — a touché terre aux États-Unis, c’est une histoire sur les relations familiales, la lutte pour communiquer entre eux, l’importance d’apprendre à se comprendre quand la vie est éphémère., Situé dans la petite Haïti-tout comme l’histoire — les 15 artistes de l’exposition abordent ces thèmes à leur manière, prouvant comment l’art peut atténuer doucement les messages sur la mortalité, la mémoire et la famille. Le commissaire Tyler Emerson-Dorsch a fait un excellent travail en regroupant des pièces aussi variées; chaque œuvre fait tendrement place à celle qui s’en rapproche le plus, comme dans un dialogue. – Monica Uszerowicz

19. Eric N., Mack: Vogue Fabrics at Albright-Knox Art Gallery

18 février–18 juin

en écrivant sur mon travail préféré dans cette exposition d’une pièce, « Willow within the Form of Prose” (2016), I said it « distille le meilleur des capacités de Mack à rendre quelque chose à la fois numérique et analogique, tout en s’engageant avec la poésie du matériau et les limites de la représentation., »Cette capacité à transformer les matériaux quotidiens fait partie de la magie de L’art de Mack. Il insuffle sans effort (ou du moins cela ressemble à ça) la vie dans des formes en lambeaux, fragiles et même mélancoliques. – HV

20., Ken Gonzales-Day: Shadowlands au Minnesota Museum of American Art

19 janvier–16 avril

Ken Gonzales-Day Shadowlands, organisé par Christopher Atkins, a exploré les incidents historiques de lynchage, et comment cet héritage de violence racialisée a un impact sur notre moment présent., Sa série dévastatrice Erased Lynching manipule des photographies historiques de lynchages afin que la victime ne puisse pas être vue, minimisant le mal de re-traumatiser les communautés qui pourraient voir ce travail, et mettant également l’accent sur les auteurs de racisme violent. Sa série Searching for California’s Hang Trees et Run-Up s’intéresse encore plus à l’histoire du racisme aux États-Unis et à la menace continuelle sur les corps noirs et bruns dans ce pays., Avec une imagerie viscérale et une utilisation provocante d’éléments narratifs et théâtraux, Gonzales-Day a posé une enquête évocatrice sur le passé laid et la situation actuelle de notre pays. —Sheila Regan

John Dunkley: ni Jour ni nuit au Pérez Art Museum Miami

26 mai 2017–14 janvier 2018

la première exposition personnelle de L’artiste autodidacte en dehors de la Jamaïque-et sa première depuis les années 1970 — est un spectacle magnifique, et un bien intitulé, aussi. Les peintures de Dunkley évoquent à la fois le crépuscule du crépuscule et les couleurs verdoyantes du jour, le surréalisme luxuriant de la fantaisie et la réalité poignante de la vie dans un territoire colonial., Lorsque Dunkley est retourné dans sa Jamaïque natale après avoir travaillé au Panama, il a ouvert un salon de coiffure à Kingston et a perfectionné son métier sur le côté; c’était dans les années 1920, lorsque les bases idéologiques étaient en train d’être établies pour l’indépendance éventuelle du pays. Même les paysages nocturnes de sa petite œuvre-elle comprend environ 50 peintures et quelques sculptures figuratives, que la conservatrice Diana Nawi et la commissaire adjointe de l’exposition Nicole Smythe-Johnson ont beaucoup étudiées — semblent surnaturels et éclairés de l’intérieur., Un hors concours: un portrait du Président Roosevelt, daté au moment où il s’est rendu en Jamaïque pour visiter un site qui deviendrait éventuellement une base aérienne américaine, déplaçant les résidents de leurs maisons. —MU

Yarrow Mamout à la Smithsonian National Portrait Gallery

19 juillet 2016–août 2017

Cette exposition était importante pour les fait qu’il existait., Nous devons raconter des histoires sur les musulmans aux États-Unis, en particulier ceux qui éduquent sur l’importance d’accepter des personnes de tous les horizons et de toutes les cultures qui veulent être dans ce pays. C’était un petit geste qui a été parfaitement fait avant l’élection, et sa résonance a changé peu de temps après, offrant l’espoir d’une époque où les musulmans étaient moins vilipendés dans les médias américains. Ce petit portrait était une lueur d’espoir, et bravo à la conservatrice Asma Naeem pour sa clairvoyance et son dévouement à raconter l’histoire complète de l’art américain., —HV

Njideka Akunyili Crosby: prédécesseurs au Contemporary Arts Center, Cincinnati

15 juillet–1er octobre

dans Predecessors, Njideka Akunyili Crosby, a créé des tableaux de natures mortes et des portraits puissants en combinant un mélange d’images avec un vernis et une grâce étonnants. Ce qui pourrait potentiellement ressembler à un méli-mélo écrasant d’images est devenu une tapisserie fluide, contrôlée par L’extraordinaire sensibilité de Crosby à l’équilibre, à la perspective et à la palette., Co-organisée par CAC et le Tang Museum au Skidmore College, cette exposition était la première fois que même Crosby avait pu voir ensemble toutes les œuvres de Predecessors, une série qui s’étend sur au moins une demi-décennie. La galerie intime du CAC qui abrite ces cinq œuvres sur papier à grande échelle avait une atmosphère de Chapelle, offrant à la fois l’intimité et la paix nécessaires pour admirer des images aussi denses et perçantes., – SRS