Modernisme (Français)

en Allemagne, Arnold Schoenberg (1874-1951) a été contraint de fuir aux États-Unis lorsque Hitler est arrivé au pouvoir en 1933, en raison de son style atonal moderniste ainsi que de son ascendance juive. Ses œuvres majeures de cette période sont un Concerto pour violon, Op. 36 (1934/36), et un Concerto pour Piano, Op.42 (1942). Schoenberg a également écrit de la musique tonale à cette période Avec la Suite pour cordes en sol majeur (1935) et la Symphonie de Chambre No 2 en mi minor mineur, Op.38 (commencée en 1906, achevée en 1939)., Pendant ce temps, le moderniste hongrois Béla Bartók (1881-1945) a produit un certain nombre d’œuvres majeures, y compris la musique pour Cordes, Percussions et célesta (1936) et le Divertimento pour orchestre à cordes (1939), le Quatuor à cordes No 5 (1934) et No 6 (son dernier, 1939). Mais lui aussi est parti pour les États-Unis en 1940, à cause de la montée du fascisme en Hongrie. Igor Stravinsky (1882-1971) a continué à écrire dans son style néoclassique pendant les années 1930 et 1940, écrivant des œuvres comme la Symphonie des Psaumes (1930), La Symphonie en Ut (1940) et la Symphonie en trois mouvements (1945)., Il a également émigré aux États-Unis à cause de la Seconde Guerre mondiale. Olivier Messiaen (1908-1992), cependant, a servi dans l’armée française pendant la guerre et a été emprisonné au Stalag VIII-A par les Allemands, où il a composé son célèbre Quatuor pour la fin du temps. Le quatuor a été créé en janvier 1941 devant un public de prisonniers et de gardiens de prison.,

en peinture, pendant les années 1920 et 1930 et la Grande Dépression, le modernisme était défini par le surréalisme, le cubisme tardif, le Bauhaus, De Stijl, Dada, L’expressionnisme allemand, et les peintres de couleurs modernistes et magistraux comme Henri Matisse et Pierre Bonnard ainsi que les abstractions d’artistes comme Piet Mondrian et Wassily Kandinsky qui caractérisaient la scène artistique européenne., En Allemagne, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz et d’autres ont politisé leurs peintures, préfigurant l’avènement de la Seconde Guerre mondiale, tandis qu’en Amérique, le modernisme est vu sous la forme de la peinture de scène américaine et le réalisme social et les mouvements régionalistes qui contenaient à la fois des commentaires Politiques et sociaux dominaient le monde de l’art. Des artistes comme Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, et d’autres sont devenus importants., Le modernisme est défini en Amérique latine par les peintres Joaquín Torres-García D’Uruguay et Rufino Tamayo du Mexique, tandis que le mouvement muraliste avec Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez et Santiago Martínez Delgado, et les peintures symbolistes de Frida Kahlo, a commencé une renaissance des arts pour la région, caractérisée par une utilisation plus libre de

Diego Rivera est peut-être mieux connu par le monde public pour sa peinture murale de 1933, Man at the Crossroads, dans le hall du RCA Building au Rockefeller Center., Lorsque son mécène Nelson Rockefeller a découvert que la peinture murale comprenait un portrait de Vladimir Lénine et d’autres images communistes, il a renvoyé Rivera, et l’œuvre inachevée a finalement été détruite par le personnel de Rockefeller. Les œuvres de Frida Kahlo sont souvent caractérisées par leurs représentations austères de la douleur. Kahlo a été profondément influencée par la culture indigène mexicaine, ce qui se manifeste dans les couleurs vives et le symbolisme dramatique de ses peintures. Les thèmes chrétiens et Juifs sont également souvent représentés dans son travail; elle a combiné des éléments de la tradition religieuse mexicaine classique, qui étaient souvent sanglants et violents., Les œuvres symbolistes de Frida Kahlo sont fortement liées au surréalisme et au mouvement du réalisme magique dans la littérature.

L’activisme politique a été un élément important de la vie de David Siqueiros et l’a souvent inspiré à mettre de côté sa carrière artistique. Son art était profondément enraciné dans la Révolution mexicaine. La période des années 1920 aux années 1950 est connue sous le nom de Renaissance mexicaine, et Siqueiros a été actif dans la tentative de créer un art à la fois mexicain et universel. Le jeune Jackson Pollock a assisté à l’atelier et a aidé à construire des chars pour le défilé.,

Au cours des années 1930, la Politique de gauche radicale a caractérisé de nombreux artistes liés au surréalisme, y compris Pablo Picasso. Le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole, La ville Basque de Gernika a été bombardée par la Luftwaffe de l’Allemagne nazie. Les Allemands attaquaient pour soutenir les efforts de Francisco Franco pour renverser le Gouvernement Basque et le gouvernement républicain espagnol. Pablo Picasso a peint sa fresque de la taille de Guernica pour commémorer les horreurs du bombardement.,

pendant la Grande Dépression des années 1930 et à travers les années de la Seconde Guerre mondiale, l’art américain était caractérisé par le réalisme social et la peinture de scène américaine, dans Benton, et plusieurs autres. Nighthawks (1942) est une peinture d’Edward Hopper qui représente des gens assis dans un restaurant du centre-ville tard dans la nuit. Ce n’est pas seulement la peinture la plus célèbre de Hopper, mais l’une des plus reconnaissables de l’art américain., La scène a été inspirée par un dîner à Greenwich Village. Hopper a commencé à le peindre immédiatement après l’attaque de Pearl Harbor. Après cet événement, il y avait un grand sentiment de morosité sur le pays, un sentiment qui est représenté dans la peinture. La rue urbaine est vide à l’extérieur du restaurant, et à l’intérieur aucun des trois clients ne semble regarder ou parler aux autres, mais est perdu dans leurs propres pensées. Cette représentation de la vie urbaine moderne comme vide ou solitaire est un thème commun dans L’œuvre de Hopper.

American Gothic est une peinture de Grant Wood datant de 1930., Représentant un fermier tenant une fourche et une jeune femme devant une maison de style gothique Charpentier, c’est l’une des images les plus familières de l’art américain du 20ème siècle. Les critiques d’Art avaient des opinions favorables sur la peinture; comme Gertrude Stein et Christopher Morley, ils ont supposé que la peinture était censée être une satire de la vie rurale dans les petites villes., Il a donc été considéré comme faisant partie de la tendance vers des représentations de plus en plus critiques de l’Amérique rurale, à L’instar de Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson en 1919, Main Street de Sinclair Lewis en 1920 et The Tattooed Countess in literature de Carl Van Vechten. Cependant, avec le début de la Grande Dépression, le tableau est venu à être considéré comme une représentation de l’esprit pionnier américain inébranlable.

la situation des artistes en Europe au cours des années 1930 s’est rapidement détériorée à mesure que le pouvoir des Nazis en Allemagne et dans toute l’Europe de l’est augmentait., « Art dégénéré » était un terme adopté par le régime Nazi en Allemagne pour pratiquement tout l’art moderne. Un tel art a été interdit au motif qu’il était de nature non allemande ou juive bolcheviste, et ceux identifiés comme des artistes dégénérés ont été soumis à des sanctions. Ceux-ci comprenaient le licenciement de postes d’enseignement, l’interdiction d’exposer ou de vendre leur art et, dans certains cas, l’interdiction de Produire entièrement de l’art. L’Art dégénéré était aussi le titre d’une exposition, montée par les Nazis à Munich en 1937., Le climat est devenu si hostile pour les artistes et l’art associé au modernisme et à l’abstraction que beaucoup sont partis pour les Amériques. L’artiste allemand Max Beckmann et des dizaines d’autres ont fui l’Europe pour New York. À New York, une nouvelle génération de jeunes et passionnants peintres modernistes dirigés par Arshile Gorky, Willem De Kooning et d’autres commençaient à peine à atteindre l’âge adulte.

le portrait d’Arshile Gorky de Quelqu’un qui pourrait être Willem De Kooning est un exemple de l’évolution de l’Expressionnisme abstrait à partir du contexte de la peinture de figures, du cubisme et du surréalisme. Avec ses amis de Kooning et John D., Graham, Gorky a créé des compositions figuratives de forme biomorphique et abstraites qui, dans les années 1940, ont évolué vers des peintures totalement abstraites. Le travail de Gorki semble être une analyse minutieuse de la mémoire, de l’émotion et de la forme, utilisant la ligne et la couleur pour exprimer le sentiment et la nature.