Best of 2017: Le nostre prime 20 mostre negli Stati Uniti

Quest’anno, i nostri spettacoli preferiti negli Stati Uniti sono stati particolarmente eccentrici. Non ci sono molti nomi di successo in questa lista; invece, la maggior parte di queste mostre esplora pensieroso un tema, o introdurre un artista trascurato dal passato. I vari musei, gallerie e spazi presenti qui spaziano dalla Bay Area a Boston (abbiamo liste separate per Brooklyn, New York City e Los Angeles)., Nelle nostre migliori selezioni, abbiamo scelto di evidenziare tre progetti e serie a lungo termine che ci hanno impressionato nella profondità della loro ricerca e nell’ambizione della loro portata. Con così tanti spettacoli che vanno e vengono, è rinfrescante vedere organizzazioni e musei impegnarsi in una singola idea o tema per lunghi periodi.,

La Strada Meno battuta di John Michael Kohler Arts Center

Nel 2017

John Michael Kohler Arts Center (JMKAC) ha celebrato il suo 50 ° anniversario con un anno di rotazione della sua collezione di arte ambienti, dal glitter, ornato casa di Loy Bowlin (aka il “Rhinestone Cowboy”) di Fred Smith, calcestruzzo e vetro, sculture di animali e persone. Molte di queste opere sono ambienti artistici completi, come la “Macchina di guarigione” di Emery Blagdon ricostruita dal Nebraska rurale con mobili di filo di salvataggio e alluminio destinati a sfruttare l’energia della Terra., Quindi, vedere così tanti in vista nelle gallerie in una sola volta è stato qualcosa di speciale, e ha celebrato come JMKAC è stato un leader nel riconoscere il valore di salvare gli ambienti degli artisti, e considerarli all’interno della più grande storia dell’arte americana. – Allison Meier

2. Prospettiva.,4: La Lotus Nonostante la Palude in New Orleans

18 novembre 2017–15 febbraio 2018

La quarta iterazione di questa città, la mostra comprende opere di 73 artisti, che si basano soprattutto negli stati UNITI, Caraibi, America latina e Europa. Organizzato dal curatore Trevor Schoomaker, Prospect 4 si sviluppa in 17 sedi, tra cui tutto, dai musei d’arte e jazz a un negozio di antiquariato e cartelloni pubblicitari, ed è accompagnato da oltre 100 mostre satellitari., Mentre le opere d’arte site-specific, come il poetico “Vessel” di Radcliffe Bailey, sparse per Crescent park sono un punto culminante particolare, non c’è nessun lavoro nella triennale che ruba lo spettacolo — almeno non ancora: ancora a venire è “Kataswof Karavan” di Kara Walker, che sarà presentato in anteprima durante la settimana di chiusura di febbraio. – Alpesh Patel

3. All’orizzonte: Arte contemporanea cubana dal Jorge M., Collezione Pérez al Pérez Art Museum Miami

9 giugno 2019–8 aprile 2018

Paesaggi interni, la prima iterazione nel multiparte all’orizzonte, si concentra su un motivo irto nella cosmologia storica ed estetica cubana, l’orizzonte, e in particolare su come si relaziona con il corpo., La curatela è intelligentemente espansiva; la mostra comprende i molti registri della diaspora e dell’esilio che incorniciano l’esperienza cubana, con opere in mostra di artisti nati a Miami, artisti nati sull’isola e che vivono lì come Yoan Capote, quelli con sede altrove come New York, e canonici cubani nati a Miami giganti come José Bedia e Gory. Il rapporto profondamente complesso con l’acqua e l’orizzonte è impegnato in modi complessi, evocativi e mai riduttivi., —Laila Pedro

il Discorso/Atti presso l’Istituto di Arte Contemporanea, Università di Pennsylvania

13 settembre–dicembre 23

che Cosa sperimentale nero poesia hanno a che fare con l’arte contemporanea? Tutto, e questo spettacolo, organizzato da Meg Onli, ha reso il caso facilmente., A volte consapevolmente opaco, altre volte estremamente accessibile, Onli è stato in grado di creare uno spettacolo che ha permesso alle opere di essere viste alle proprie condizioni, mentre ritagliava uno spazio che affermava la centralità del discorso e delle parole nel lavoro di questi artisti. Inoltre, le poetiche installazioni murali di Kameelah Janan Rasheed erano emotivamente avvincenti per il modo in cui sembravano imitare i modelli spesso esoterici del linguaggio e del pensiero. – Hrag Vartanian

5., Una Donna Pericolosa: Subversion e Surrealismo nell’Arte di Honoré Sharrer presso il Columbus Museum of Art (CMA)

10 febbraio–Maggio 21

Surrealista Americano Honoré Sharrer sbiadito dalla vista del pubblico all’inizio della sua carriera, eclissato dalla tendenza prevalente dell’Espressionismo Astratto e costretto a trasferirsi in Canada, a metà degli anni 1950 a causa del suo schietto di essere Comunista., Una Donna Pericolosa: Subversion e Surrealismo nell’Arte di Honoré Sharrer presso il Columbus Museum of Art (CMA) è la prima indagine a partire dalla metà del 20 ° secolo, le opere dell’artista, molte delle quali sono in prestito da sua tenuta, e mette in mostra una gran parte uncelebrated concentrato di più stili, tra cui Rockwell-esque rappresentazioni del quotidiano la vita Americana e inquietante, decisamente femminile Surrealista ritrattistica. Merito di CMA per aver messo insieme una mostra straordinaria su un artista affascinante degno di più profonda considerazione. – Sarah Rose Sharp

6., Walker Evans presso il San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)

il 30 settembre 2017–febbraio 4, 2018

Il concetto che la lingua volgare — popolare, utile, unfancy, potrebbe avere un posto nel regno di belle arti di certo sembrava una contraddizione prima di Walker Evans., Ma la massiccia retrospettiva di SFMOMA rivela che questo fenomeno tipicamente americano non è affatto una contraddizione. Non riuscirai mai a catturare Evans che organizza la luce solo così, o disputare la composizione per un effetto drammatico. Tali dispositivi sembrano decisamente ingannevole dopo aver preso nel corpo semplice, senza fronzoli, ma vivido e rivelatrice di lavoro che potrebbe servire come un lessico visivo per le verità poco amorose, a volte devastanti del secolo americano. I suoi ritratti, per esempio, sembrano quasi infuriatamente senza arte: unposed, qualunque sia l’illuminazione, meh composizione., Eppure ogni soggetto offriva il proprio ricco materiale per dedurre non solo la circostanza, ma la vita emotiva derivante da quella circostanza: la mascella serrata e gli occhi cauti di un uomo ben vestito in metropolitana, il minatore strizzando gli occhi, o forse ammiccando, da dietro le guance annerite. Alla fine di quest’anno, in particolare, quando molti di noi si sentono più sconcertati che mai dalle domande su chi siamo, chi eravamo e chi potremmo essere, uno spettacolo come questo ci ricorda che le risposte non sono mai state facili, ed è imperativo che continuiamo a cercare. – Larissa Archer

7., Su Face Creative Alleanza, Patterson

10 dicembre, 2016–gennaio 28, 2017

Quando Amy Sherald è stato selezionato per dipingere il Ritratto ufficiale del presidente della Ex First Lady Michelle Obama per la National Portrait Gallery — la prima donna Afro-Americana a ricevere questo onore — è diventata straordinariamente pronta ad alterare il corso della storia dell’arte dominato dal bianco di artisti di sesso maschile., Molto prima del grande annuncio, Sherald, una pittrice di ritratti sognanti che fanno riferimento a Barkley Hendricks e Kerry James Marshall, si era allineata con altri artisti per avanzare un’agenda di diversità e inclusione. La mostra collettiva, About Face, alla Creative Alliance Main Gallery di Baltimora ha visto la partecipazione di quattro artisti di colore che, come Sherald, raffigurano soggetti neri potenziati che emanano un palpabile senso di agenzia. Lo spettacolo presentava le pergamene grafiche di ispirazione giapponese di Rozeal, il realismo pittorico di Tim Okamura e Ebony G., Le installazioni murali barocche a base di fibre di Patterson celebrano la cultura della danza giamaicana. Con le figure romantiche di Sherald al centro, About Face ha esplorato la ritrattistica come uno strumento efficace per immaginare un’America più inclusiva e autentica, creata da autori diversi e priva di tokenismo ed esotismo. Insieme questi ritratti indicavano un futuro cannone storico dell’arte dove volti e figure nere sono la regola, piuttosto che l’eccezione. – Cara Ober

8., DUOX4Odell s: Te Sapere Se Si Appartiene a Wickerham & Lomax

31 Marzo – 28 aprile

Daniele Wickerham e Malcolm Lomax, noto anche in modo collaborativo, come DUOX, hanno fatto teatrale, installazioni multimediali che utilizzano collage digitale, animazione, video interattivi, e web design a ragionare queer-centrato narrazioni dal 2009., Per la seconda iterazione di Baltimora di Light City, un festival di arte e tecnologia in tutta la città, il duo è stato selezionato per esplorare Odell’s, una storica discoteca che esisteva dal 1976 al ’92 su North Avenue e fungeva da hub culturale esclusivo per la comunità afroamericana. Dopo aver condotto approfondite ricerche e interviste, piuttosto che tentare di replicare la sala da ballo così com’era, Wickerham & Lomax ha immaginato la memoria collettiva così come esiste attualmente: un paradiso mitico e pieno di disco., Il risultato è stato un ambizioso parco giochi digitale con palle da discoteca penzolanti, schermi ritagliati più grandi della vita che raffigurano sagome in stile anni ‘ 70, musica e interviste video in stile documentario. Una partenza radicale dalla narrazione lineare o storica, Saprai se appartieni catturato l’essenza di un luogo leggendario e il tempo nella storia di Baltimora attraverso il colore bruciante e il design massimo ispirato alla moda. – CO

9., Vermeer e i Maestri della Pittura di Genere: l’Ispirazione e la Rivalità presso la National Gallery of Art, Washington, DC

22 ottobre 2017–21 gennaio 2018

inserendo la chiave opere di Johannes Vermeer, tra quelle dei suoi contemporanei — tra cui Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Pieter de Hooch, e Gabriel Metsu — questa mostra si accende la cross-fertilization e la concorrenza tra i maggiori artisti dell’epoca d’Oro della pittura olandese., Riconosciamo temi comuni, composizioni, oggetti di scena, e costumi — la prova che anche i pittori più innovativi del giorno erano attenti a ciò che i loro compagni stavano facendo. Vermeer domina, ma l’individualità di tutti gli artisti inclusi è chiara. E non guarderemo mai più la pittura olandese del 17 ° secolo allo stesso modo. – Karen Wilkin

1o., Eye Fruit: The Art of Franklin Williams at the Art Museum of Sonoma County

13 maggio–3 settembre

Franklin Williams era stato uno degli esempi più arcani di artisti inclassificabili della Bay Area dalla fine del 20 ° secolo. Nel 2017, Eye Fruit ha cambiato tutto., Questa mostra ha offerto la prima e, finora, l’unica retrospettiva sulla massiccia carriera di Williams, introducendo il mondo dell’arte in generale a un talento formidabile il cui lavoro è la distillazione stessa di autentica espressione di sé. Non c’è da meravigliarsi che l’arte di Williams da allora ha mostrato a Los Angeles alla Parker Gallery, è attualmente in mostra fino a dicembre 22 a New York City alla Karma Gallery, e sarà esposto al Whitney Museum of American Art nel prossimo futuro., Eye Fruit alone, tuttavia, ha mostrato abilmente ciò che era in serbo per gli spettatori d’arte mentre altri si assumono il compito di esaminare in modo completo l’inimitabile, mistica e affascinante arte di Franklin Williams., —Clayton Schuster

Anno della Donna all’Ora + C’

Nel 2017

Uno dei Boston punti di interesse di quest’anno non è stato uno spettacolo esattamente, ma una serie di progetti di arte pubblica (più una interna mostra) assemblato da pubblica senza scopo di lucro, curatore per l’arte produttore/Ora + Ci., Sotto il titolo generale Year of The Woman, e con una missione che includeva “sollevare le voci della comunità ed esplorare il potere della resilienza e della creatività femminile”, Now + There ha commissionato due progetti murali su larga scala; un progetto di narrazione multimediale in un container di spedizione; e una mostra in galleria incentrata su donne artiste “ferocemente impegnate in pratiche artistiche non tradizionali e collaborative.,”La serie includeva opere di artisti locali Elisa Hamilton, Silvia López Chavez, Rania Matar, Maria Molteni, Chanel Thervil, Evelyn Rydz e le sorelle Safarani (Farzaneh e Bahareh Safarani), così come Ann Lewis, con sede a Detroit, che collaborava con i residenti di una struttura di rientro locale per donne incarcerate. Con l ” eccezione di Ann Lewis, tutti gli artisti erano locali, e più della metà erano donne di colore — una scarsa combinazione su molte liste dei desideri di Boston, tra cui la mia, per le imprese di alto profilo. – Heather Kapplow

12., Zhang Peili: Record, Ripetere all’Art Institute di Chicago

dal 30 Marzo al 9 luglio

mi sono trovato a ridere a quasi tutti i video lavori in mostra, il primo museo retrospettiva di Zhang Peili. Conosciuto come il primo video artista cinese, Peili eccelle nelle sue risposte ironiche ai media statali cinesi, prodotti sia come propaganda che come intrattenimento., Questa avvincente indagine sul suo lavoro dal 1988 al 2012, curata da Orianna Cacchione, si è concentrata sulla sua affinità per la ripetizione come potente strumento per sconvolgere ciò che è tipicamente visto sulla televisione cinese, dai film dell’era della rivoluzione culturale alle letture quotidiane di un’emittente di notizie. Il dramma è rimaneggiato come commedia, la verità si trasforma gradualmente in palese — ciò che costituisce qualsiasi realtà diventa imperscrutabile ma sempre più soggetto a domande. – Claire Voon

R. I. S. E.,: Nulla è Naturale al Reed College

11 agosto–1 ottobre

Nulla è Naturale è stato organizzato presso il Reed College, dagli Indigeni artista Demian DinéYazhi’, curatore e Direttore di Cooley Galleria d’Arte di Stephanie Snyder e Indigeni collettivo d’arte di R. I. S. E. (Radicale Indigeni Survivance e di Empowerment). La mostra, che faceva parte di Converge 45 a Portland, Oregon, ha caratterizzato due opere di installazione, uno lungo le rive del tributary a Reed Canyon, e uno nella storica Unione studentesca., L’installazione all’aperto, creata dal collettivo d’arte Winter Count, intitolata “Nothing is Natural”, è un’opera incredibilmente toccante, che ricostruisce la nozione di violenza contro il mondo naturale, violenza contro le donne e violenza contro i corpi indigeni. Un’opera di Postcommodity, “Gallup Motel Butchering”, ha illuminato la natura contestata del paesaggio di Gallup, New Mexico come uno spazio mercificato — realtà che il turismo e i resti della vecchia Route 66 sono ancora presenti lì — e che la sua identità di territorio indigeno è spesso ghettizzata. – Erin Joyce

14.,: Phantom Revenant a Bemis Centro per le Arti Contemporanee

–2 febbraio-aprile 29, 2017

Come parte della loro mostra personale, di genere non conforme artista Cassils presentato due installazioni, una live performance solista e, per la prima volta, un evento partecipativo — che riguardano la radicale impossibilità di rappresentare la violenza contro LGBTQI+ soggetti., La loro performance dal titolo omonimo includeva l’artista che punzonava un blocco di argilla da 2.000 libbre in una stanza buia. L’oggetto risultante è stato bronzato e alla fine sarebbe diventato un punto focale per un lavoro partecipativo che ha coinvolto l’artista (con l’aiuto di amici e alleati) spingendo la struttura amorfa intorno a siti scelti strategicamente nel centro di Omaha, segnando la violenza e la celebrazione, come il luogo della prima parata del pride. Ulteriore messa a terra della mostra nel contesto di “flyover country” è stata l’integrazione degli archivi Queer Omaha nella mostra., – AP

15. Roger Brown: Dipinti immobiliari a Kavi Gupta

5 Maggio–24 giugno

A Kavi Gupta gallery di Chicago, una retrospettiva associati Roger Brown: Estate Dipinti, una selezione di dipinti e sculture dal seminale Imagist artista, con la Raccolta è venuto abbastanza naturale per me, una serie di ricreata assemblaggi di oggetti, Marrone personali raccolte dalla sua casa in La Conchita, in California., Brown era un vorace collezionista di arte estranea e di effimeri culturali, e gli eclettici tableaux al secondo piano di Kavi Gupta illuminavano i suoi dipinti giocosi e cartooneschi al primo. Che Brown abbia scelto di circondarsi di un tale mix di oggetti suggerisce che abbia riconosciuto l’arte “fine” e “popolare” come appartenenti allo stesso insieme. Ha ulteriormente appiattito le solite distinzioni creando composizioni “collaborative”, in cui i suoi dipinti servivano da sfondo per set di ceramiche trovate., Le mostre a Kavi Gupta hanno offerto non solo un’indagine convincente di quel lavoro, ma un’opportunità per i visitatori di esaminare i propri pregiudizi riguardo alla paternità artistica. – SRS

16. “E” è per gli elefanti: Le incisioni di Edward Gorey al Massachusetts College of Art and Design (MASSART)

9 gennaio–7 febbraio

Alcuni dei migliori spettacoli del 2017 provengono dai meravigliosi archivi a cui le istituzioni hanno accesso, specialmente quando sono disposte a scavare negli angoli della ragnatela di quegli archivi. Uno di questi spettacoli era E Is For Elephants: The Etchings of Edward Gorey, uno sguardo eccentrico all’ossessione di Gorey per gli elefanti al Massachusetts College of Art., Una celebrazione del modo enigmatico (e decisamente queer) di Gorey di essere il mondo, è anche bello vedere un maestro artista, attivamente (“allegramente”, dice il curatore James A. Edwards,) che sceglie di essere un novizio del community college in un punto della sua carriera quando, come eroe di culto internazionale, avrebbe potuto riposare facilmente sugli allori. – HK

17., Nick Cave: Fino al MASS MoCA

15 ottobre, 2016–4 settembre 2017

Fino a quando non hanno presentato alcuna di Nick Cave firma “Soundsuits,” ma questo non impedisce di essere uno dei più memorabili mostre dell’anno. Dominata da una massiccia installazione che riempiva un enorme spazio di magazzino, la mostra era come un universo alternativo., E ‘stata una spedizione un po’ disorientante, da camminare attraverso i colorati “filatori del vento” a salire scale giallo brillante per ottenere una vista ravvicinata della nuvola gigante di lampadari, ornamenti prato raccolti, e vari tchotchkes. Mentre invocando una sorta di meraviglia infantile, Fino a quando anche ci ha portato indietro alla realtà, con ripetuti riferimenti a un razzismo americano che pervade, in particolare i problemi della violenza armata e giovani uomini neri uccisi dalla polizia. Anche con la testa letteralmente tra le nuvole, non puoi allontanarti da quei deplorevoli fantini del prato. – Elena Goukassian

18., Alba, tramonto a Emerson Dorsch

30 novembre 2017–19 gennaio 2018

Il titolo di questa mostra è tratto dall’omonima storia di Edwidge Danticat. Pubblicato sul New Yorker la stessa settimana dell’uragano Irma — che per un certo periodo sembrava destinato a colpire direttamente Miami — sbarcato negli Stati Uniti, è una storia di relazioni familiari, la lotta per comunicare tra loro, l’importanza di imparare a capirsi quando la vita è fugace., Ambientata a Little Haiti – proprio come la storia-i 15 artisti della mostra affrontano questi temi a modo loro, dimostrando come l’arte possa mitigare delicatamente i messaggi sulla mortalità, la memoria e la famiglia. Il curatore Tyler Emerson-Dorsch ha fatto un ottimo lavoro nel raggruppare pezzi così vari; ogni opera lascia teneramente spazio a quella più vicina, come se fosse in dialogo. – Monica Uszerowicz

19. Eric N., Mack: Vogue Tessuti a Albright-Knox Art Gallery

18 febbraio–18 giugno

Scrivere il mio preferito lavorare in questa sala mostra, “Willow entro la Forma di Prosa” (2016)Mi ha detto che “distilla il meglio di Mack capacità di fare qualcosa di guardare contemporaneamente digitale e analogico, mentre interagiscono con la poesia della materia e i limiti della rappresentazione.,”Quella capacità di trasformare i materiali quotidiani fa parte della magia dell’arte di Mack. Senza sforzo (o almeno sembra così) respira la vita in forme lacere, fragili e persino malinconiche. – HV

20., Ken Gonzales-Giorno: Shadowlands a Minnesota Museum of American Art

19 gennaio–16 aprile

Ken Gonzales-Giornata Shadowlands, a cura di Christopher Atkins, esplorato storico episodi di linciaggio, e come il retaggio della racialized violenza colpisce il nostro momento presente., La sua devastante serie di linciaggi cancellati manipola le fotografie storiche dei linciaggi in modo che la vittima non possa essere vista, riducendo al minimo il danno di ri-traumatizzare le comunità che potrebbero vedere questo lavoro, e anche attirando l’attenzione verso gli autori del razzismo violento. La sua ricerca per la serie Hang Trees e Run-Up della California si impegna ancora di più in modo critico con la storia del razzismo negli Stati Uniti e la continua minaccia sui corpi neri e marroni in questo paese., Con immagini viscerali e uso provocatorio di elementi narrativi e teatrali, Gonzales-Day ha posto un’indagine evocativa sul brutto passato e sulla situazione attuale del nostro paese. – Sheila Regan

John Dunkley: Né giorno né notte al Pérez Art Museum Miami

26 maggio 2017–14 gennaio 2018

La prima mostra personale dell’artista autodidatta al di fuori della Giamaica-e la sua prima dagli anni ‘ 70 — è una splendida mostra, e anche una giustamente intitolata. I dipinti di Dunkley evocano sia il crepuscolo del crepuscolo che i colori verdeggianti del giorno, il lussureggiante surrealismo della fantasia e la struggente realtà della vita in un territorio coloniale., Quando Dunkley tornò nella sua nativa Giamaica dopo aver lavorato a Panama, aprì un barbiere a Kingston e affinò il suo mestiere sul lato; era il 1920, quando le basi ideologiche erano state poste per l’eventuale indipendenza del paese. Anche i paesaggi notturni della sua piccola opera-che comprende circa 50 dipinti e alcune sculture figurative, che la curatrice Diana Nawi e l’assistente curatrice Nicole Smythe-Johnson hanno studiato a fondo-sembrano ultraterreni e illuminati dall’interno., Uno standout: un ritratto del presidente Roosevelt, datato al momento ha viaggiato in Giamaica per visitare un sito che sarebbe poi diventato una base aerea degli Stati Uniti, spostando i residenti dalle loro case. —MU

Achillea Mamout allo Smithsonian National Portrait Gallery

19 luglio, 2016–agosto 2017

Questa mostra è stata importante per il semplice fatto che è esistito., Abbiamo bisogno di raccontare storie di musulmani negli Stati Uniti, in particolare quelli che educare circa l’importanza di accettare persone provenienti da tutti i ceti sociali e culture che vogliono essere in questo paese. Questo è stato un piccolo gesto che è stato fatto perfettamente prima delle elezioni, e la sua risonanza è cambiata subito dopo, offrendo speranza per un tempo in cui i musulmani erano meno diffamati nei media statunitensi. Questo piccolo ritratto è stato un faro di speranza, e complimenti alla curatrice Asma Naeem per la sua lungimiranza e dedizione nel raccontare la storia completa dell’arte americana., —HV

Njideka Akunyili Crosby: Predecessori presso il Contemporary Arts Center, Cincinnati

15 luglio–1 ottobre

In Predecessori, Njideka Akunyili Crosby, creato still life tableaus e potente ritrattistica combinando un melange di immagini con sorprendente polacco e grazia. Quello che poteva potenzialmente sembrare un travolgente miscuglio di immagini divenne invece un arazzo fluido, controllato dalla straordinaria sensibilità di Crosby per l’equilibrio, la prospettiva e la tavolozza., Co-organizzata dal CAC e dal Tang Museum allo Skidmore College, questa mostra è stata la prima volta che anche Crosby era stato in grado di vedere tutti i lavori dei Predecessori, una serie che copre almeno mezzo decennio, in mostra insieme. La galleria intima del CAC che ospita queste cinque opere su carta su larga scala aveva un’atmosfera da cappella, offrendo sia l’intimità che la pace necessarie per cogliere immagini così magnificamente dense e penetranti., – SRS