Modernismo (Italiano)

In Germania Arnold Schoenberg (1874-1951) fu costretto a fuggire negli Stati Uniti quando Hitler salì al potere nel 1933, a causa del suo stile atonale modernista e della sua discendenza ebraica. Le sue opere più importanti di questo periodo sono un Concerto per violino, Op. 36 (1934/36), e un Concerto per pianoforte, Op.42 (1942). Schoenberg scrisse anche musica tonale in questo periodo con la Suite per archi in sol maggiore (1935) e la Sinfonia da camera n.2 in mi minore, Op. 38 (iniziata nel 1906, completata nel 1939)., Durante questo periodo il modernista ungherese Béla Bartók (1881-1945) produsse una serie di opere importanti, tra cui Musica per archi, Percussioni e Celesta (1936) e il Divertimento per Orchestra d’archi (1939), Quartetto d’archi n.5 (1934) e n. 6 (il suo ultimo, 1939). Ma anche lui partì per gli Stati Uniti nel 1940, a causa dell’ascesa del fascismo in Ungheria. Igor Stravinsky (1882-1971) ha continuato a scrivere nel suo stile neoclassico durante gli anni 1930 e 1940, scrivendo opere come la Sinfonia di Salmi (1930), Sinfonia in Do (1940) e Sinfonia in tre movimenti (1945)., Egli, inoltre, emigrati negli stati UNITI a causa della seconda Guerra Mondiale. Olivier Messiaen (1908-1992), tuttavia, servito nell’esercito francese durante la guerra e fu imprigionato a Stalag VIII-A dai Tedeschi, dove compose la sua famosa Quatuor pour la fin du temps (“Quartetto per la Fine dei Tempi”). Il quartetto fu eseguito per la prima volta nel gennaio 1941 ad un pubblico di prigionieri e guardie carcerarie.,

In pittura, durante il 1920 e il 1930 e la Grande Depressione, il modernismo è stato definito dal surrealismo, tardo cubismo, Bauhaus, De Stijl, Dada, Espressionismo tedesco, e modernisti e pittori di colore magistrali come Henri Matisse e Pierre Bonnard così come le astrazioni di artisti come Piet Mondrian e Wassily Kandinsky che ha caratterizzato la scena artistica europea., In Germania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz e altri politicizzarono i loro dipinti, prefigurando l’avvento della seconda guerra mondiale, mentre in America, il modernismo è visto sotto forma di pittura di scena americana e i movimenti di realismo sociale e regionalismo che contenevano sia commenti politici che sociali dominavano il mondo dell’arte. Artisti come Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh e altri divennero importanti., Il modernismo è definito in America latina da pittori Joaquín Torres García Uruguay e Rufino Tamayo dal Messico, mentre il movimento muralista Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martínez Delgado, e Simbolista dipinti di Frida Kahlo, è iniziato un nuovo rinascimento delle arti per la regione, caratterizzata da un uso più libero di colore e un’enfasi sui messaggi politici.

Diego Rivera è forse più conosciuto dal mondo pubblico per il suo murale del 1933, Man at the Crossroads, nella hall dell’edificio RCA al Rockefeller Center., Quando il suo mecenate Nelson Rockefeller scoprì che il murale includeva un ritratto di Vladimir Lenin e altre immagini comuniste, licenziò Rivera, e l’opera incompiuta fu infine distrutta dallo staff di Rockefeller. Le opere di Frida Kahlo sono spesso caratterizzate dalla loro cruda rappresentazione del dolore. Kahlo è stato profondamente influenzato dalla cultura indigena messicana, che è evidente nei suoi dipinti’ colori vivaci e simbolismo drammatico. Temi cristiani ed ebrei sono spesso raffigurati nel suo lavoro pure; ha combinato elementi della classica tradizione religiosa messicana, che erano spesso sanguinosa e violenta., Le opere simboliste di Frida Kahlo si riferiscono fortemente al surrealismo e al movimento del realismo magico nella letteratura.

L’attivismo politico è stato un pezzo importante della vita di David Siqueiros, e spesso lo ha ispirato a mettere da parte la sua carriera artistica. La sua arte era profondamente radicata nella rivoluzione messicana. Il periodo dal 1920 al 1950 è conosciuto come il Rinascimento messicano, e Siqueiros è stato attivo nel tentativo di creare un’arte che era allo stesso tempo messicano e universale. Il giovane Jackson Pollock ha partecipato al workshop e ha contribuito a costruire carri allegorici per la sfilata.,

Durante il 1930 radicale politica di sinistra caratterizzato molti degli artisti collegati al surrealismo, tra cui Pablo Picasso. Il 26 aprile 1937, durante la guerra civile spagnola, la città basca di Gernika fu bombardata dalla Luftwaffe della Germania nazista. I tedeschi stavano attaccando per sostenere gli sforzi di Francisco Franco per rovesciare il governo basco e il governo repubblicano spagnolo. Pablo Picasso dipinse il suo murale di dimensioni Guernica per commemorare gli orrori del bombardamento.,

Durante la Grande Depressione del 1930, e attraverso gli anni della seconda Guerra Mondiale, arte Americana è stata caratterizzata dal realismo sociale e la Scena Americana pittura, nell’opera di Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, e molti altri. Nighthawks (1942) è un dipinto di Edward Hopper che ritrae persone sedute in una tavola calda del centro a tarda notte. Non è solo il dipinto più famoso di Hopper, ma uno dei più riconoscibili nell’arte americana., La scena è stata ispirata da una tavola calda nel Greenwich Village. Hopper iniziò a dipingerlo subito dopo l’attacco a Pearl Harbor. Dopo questo evento c’è stata una grande sensazione di oscurità sul paese, una sensazione che è ritratta nel dipinto. La strada urbana è vuota fuori dal ristorante, e all’interno nessuno dei tre avventori sembra guardare o parlare con gli altri, ma invece si perde nei propri pensieri. Questa rappresentazione della vita urbana moderna come vuota o solitaria è un tema comune in tutto il lavoro di Hopper.

American Gothic è un dipinto di Grant Wood del 1930., Raffigurante un contadino forcone-holding e una donna più giovane di fronte a una casa di falegname in stile gotico, è una delle immagini più familiari in arte americana del 20 ° secolo. I critici d’arte avevano opinioni favorevoli circa il dipinto; come Gertrude Stein e Christopher Morley, hanno assunto il dipinto è stato pensato per essere una satira della vita rurale piccola città., È stato quindi visto come parte della tendenza verso rappresentazioni sempre più critiche dell’America rurale, sulla falsariga di Winesburg, Ohio di Sherwood Anderson del 1919, Main Street di Sinclair Lewis del 1920 e The Tattooed Countess in literature di Carl Van Vechten. Tuttavia, con l’inizio della Grande Depressione, il dipinto è venuto per essere visto come una rappresentazione di steadfast American pioneer spirito.

La situazione per gli artisti in Europa durante il 1930 si deteriorò rapidamente come il potere dei nazisti in Germania e in tutta l’Europa orientale è aumentato., Arte degenerata era un termine adottato dal regime nazista in Germania per praticamente tutta l’arte moderna. Tale arte fu bandita per il fatto che era di natura bolscevica non tedesca o ebraica, e quelli identificati come artisti degenerati furono sottoposti a sanzioni. Questi inclusi essere licenziati da posizioni di insegnamento, essendo vietato esporre o vendere la loro arte, e in alcuni casi essere vietato di produrre arte del tutto. Arte degenerata era anche il titolo di una mostra, montata dai nazisti a Monaco di Baviera nel 1937., Il clima divenne così ostile per gli artisti e l’arte associata al modernismo e all’astrazione che molti partirono per le Americhe. L’artista tedesco Max Beckmann e decine di altri sono fuggiti dall’Europa per New York. A New York una nuova generazione di giovani ed eccitanti pittori modernisti guidati da Arshile Gorky, Willem de Kooning e altri stavano appena iniziando a raggiungere la maggiore età.

Il ritratto di Arshile Gorky di qualcuno che potrebbe essere Willem de Kooning è un esempio dell’evoluzione dell’espressionismo astratto dal contesto della pittura di figura, del cubismo e del surrealismo. Insieme ai suoi amici de Kooning e John D., Graham, Gorky ha creato composizioni figurative di forma biomorfica e astratte che negli anni ‘ 40 si sono evolute in dipinti totalmente astratti. Il lavoro di Gorky sembra essere un’attenta analisi della memoria, dell’emozione e della forma, usando la linea e il colore per esprimere il sentimento e la natura.