Best of 2017: our Top 20 wystawy w Stanach Zjednoczonych

(photo by Allison Meier/illustration by Hrag Vartanian)

Radcliffe Bailey, „statek” (2017) w Crescent Park (zdjęcie Paddy Johnson)

Jibade-Khalil Huffman 's „Gradient” (2015) i Kameelah Janan Rasheed' because gwendolyn brooks said 'we occurred everywhere' (2017) w przemówieniu/acts (photo by hrag Vartanian/hyperallergic)

10 Lutego–21 maja

Amerykański Surrealista Honoré Sharrer znikła z widoku publicznego na początku swojej kariery, przyćmiona dominującym nurtem ekspresjonizmu abstrakcyjnego i zmuszona do przeprowadzki do Kanady w połowie lat 50.z powodu jej jawnych komunistycznych przekonań., A Dangerous Woman: Subversion and Surrealism in the Art of Honoré Sharrer w Columbus Museum of Art (CMA) jest pierwszym od połowy XX wieku przeglądem prac artystki, z których wiele jest wypożyczonych z jej posiadłości, i prezentuje w dużej mierze nieocenzurowaną potęgę wielu stylów, w tym Rockwella przedstawiające quotidian amerykańskiego życia i niepokojące, zdecydowanie kobiece portrety surrealistyczne. Podziękowania należą się CMA za stworzenie niezwykłej wystawy poświęconej fascynującemu artyście, godnej głębszej refleksji. – Sarah Rose Sharp

6., Walker Evans at the San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)

30 września 2017 — 4 lutego 2018

przekonanie, że to, co zwyczajne — to, co popularne, użyteczne, nieanglojęzyczne-może mieć miejsce w sferze sztuki pięknej, z pewnością wydawało się sprzecznością przed Walkerem Evansem., Ale masowa retrospektywa w SFMOMA ujawnia, że to osobliwie Amerykańskie zjawisko nie jest sprzeczne w ogóle. Nigdy nie złapiesz Evansa, który tak aranżuje światło, ani nie zmieni kompozycji w celu uzyskania dramatycznego efektu. Takie urządzenia wydają się wręcz sztuczniejsze po zapoznaniu się z prostą, niefrasobliwą, ale żywą i odkrywczą pracą, która mogłaby posłużyć jako wizualny leksykon dla nieglamorystycznych, czasem niszczycielskich prawd amerykańskiego wieku. Na przykład Jego portrety wydają się niemal irytująco pozbawione sztuki: nieosłonięte, bez względu na oświetlenie, meh kompozycja., Jednak każdy temat oferował swój własny bogaty materiał do wyciągania nie tylko okoliczności, ale i wynikającego z nich życia emocjonalnego: zaciśniętą szczękę i nieufne oczy dobrze ubranego mężczyzny w metrze, górnika mrużącego oczy, a może mrugającego zza zaczernionych policzków. Szczególnie pod koniec tego roku, kiedy wielu z nas czuje się bardziej załamanych niż kiedykolwiek pytaniami o to, kim jesteśmy, kim byliśmy i kim możemy być, taki program przypomina nam, że odpowiedzi nigdy nie były łatwe i konieczne jest, abyśmy nadal szukali. – Larissa Archer

7., O Twarz W Creative Alliance at the Patterson

10 grudnia 2016–28 stycznia 2017

kiedy Amy Sherald została wybrana do namalowania oficjalnego Prezydenckiego portretu byłej pierwszej damy Michelle Obamy dla National Portrait Gallery — pierwszej Afroamerykanki, która otrzymała ten zaszczyt-postanowiła namalować portret stał się wyjątkowo gotowy, aby zmienić bieg historii sztuki zdominowanej przez białych artystów., Na długo przed wielkim ogłoszeniem, sherald, malarka marzycielskich portretów, które nawiązują do Barkley Hendricks i Kerry James Marshall, połączyła się z innymi artystami, aby rozwijać program różnorodności i integracji. Wystawa grupowa About Face w głównej galerii Creative Alliance w Baltimore zaprezentowała czterech artystów koloru, którzy, podobnie jak Sherald, przedstawiają silne Czarne tematy, emanujące namacalnym poczuciem sprawczości. Na wystawie znalazły się inspirowane Japonią zwoje graficzne Rozeala, malarski realizm Tima Okamury i heban G., Barokowe instalacje ścienne Pattersona celebrujące jamajską kulturę taneczną. Z romantycznymi postaciami Sheralda w centrum, About Face eksplorował portrety jako skuteczne narzędzie do wyobrażenia bardziej inkluzywnej i autentycznej Ameryki, stworzonej przez różnych autorów i pozbawionej tokenizmu i egzotyki. Razem te portrety wskazywały na przyszłą sztukę historyczną, gdzie czarne twarze i postacie są regułą, a nie wyjątkiem. – Cara Ober

8., DUOX4Odell 's: you' ll Know If you Belong by Wickerham & Lomax

31 marca – 28 kwietnia

Daniel Wickerham i Malcolm Lomax, znani również wspólnie od 2009 roku duox tworzy teatralne, multimedialne instalacje wykorzystujące cyfrowy kolaż, animację, interaktywne wideo i projektowanie stron internetowych do tworzenia narracji skoncentrowanych na queer., Podczas drugiej edycji Festiwalu Sztuki i technologii w Baltimore, Light City, duet został wybrany do zbadania Odell 's, historycznego klubu tanecznego, który istniał od 1976 do' 92 na North Avenue i służył jako ekskluzywne centrum kulturalne dla społeczności afroamerykańskiej. Po przeprowadzeniu wyczerpujących badań i wywiadów, zamiast próbować odtworzyć salę taneczną taką, jaką była, Wickerham & Lomax wyobrażał sobie zbiorową pamięć taką, jaka obecnie istnieje: mityczną, pełną dyskotek przystań., Rezultatem był ambitny cyfrowy plac zabaw z wiszącymi piłkami disco, wyciętymi ekranami przedstawiającymi sylwetki w stylu lat 70., muzykę i wywiady wideo w stylu dokumentalnym. Radykalne odejście od linearnego lub historycznego opowiadania historii, dowiesz się, czy należysz uchwycony istotę legendarnego miejsca i czasu w historii Baltimore poprzez piekący kolor i maksymalny design inspirowany modą. – CO

9., Vermeer and the Masters of Genre Painting: Inspiration and Rivalry at the National Gallery of Art, Washington, DC

22 października 2017–21 stycznia 2018

umieszczając kluczowe prace Johannesa Vermeera wśród dzieł jego współczesnych — w tym Gerarda Ter Borcha, Gerrita Dou, Pietera de Hoocha i Gabriela Metsu — wystawa ta oświetla krzyżowe zapłodnienie i konkurencję wśród czołowych artystów Złotego Wieku malarstwa holenderskiego., Rozpoznajemy wspólne motywy, kompozycje, rekwizyty i kostiumy-dowód na to, że nawet najbardziej nowatorscy malarze dnia byli czujni na to, co robią ich koledzy. Dominuje Vermeer, ale indywidualność wszystkich artystów jest jasna. I już nigdy nie spojrzymy na siedemnastowieczne malarstwo holenderskie w ten sam sposób. – Karen Wilkin

1o., Eye Fruit: The Art of Franklin Williams at the Art Museum of Sonoma County

13 maja–3 września

Franklin Williams był jednym z bardziej tajemniczych przykładów niekategoryzowanych artystów z Bay Area z końca 20 wieku. W 2017 roku Eye Fruit zmieniło to wszystko., Wystawa ta była pierwszą i jak dotąd jedyną retrospektywą na temat ogromnej kariery Williamsa, przedstawiając świat sztuki w ogóle potężnemu talentowi, którego praca jest samą destylacją autentycznego wyrażania siebie. Nic dziwnego, że od tego czasu Sztuka Williamsa pokazywana jest w Los Angeles w Parker Gallery, obecnie jest wystawiana do 22 grudnia w Nowym Jorku w Karma Gallery, a w niedalekiej przyszłości będzie wystawiana w Whitney Museum of American Art., Jednak sam Eye Fruit zręcznie pokazał, co czeka widzów sztuki, gdy inni podejmują się kompleksowego zbadania niepowtarzalnej, mistycznej i fascynującej sztuki Franklina Williamsa., —Clayton Schuster

rok kobiety Na teraz + tam

przez cały 2017

jednym z najważniejszych wydarzeń w Bostonie w tym roku nie był dokładnie pokaz, ale seria publicznych projektów artystycznych (plus jedna wystawa wewnętrzna) zmontowany przez Nonprofit publicznego kuratora sztuki/producenta teraz + tam., Pod nadrzędnym tytułem Year of the Woman I z misją, która obejmowała „podnoszenie głosów społeczności, odkrywanie siły kobiecej odporności i kreatywności”, Now + There zamówiła dwa duże projekty muralowe; multimedialny projekt opowiadania historii w kontenerze transportowym; oraz galeryjną wystawę skupioną na artystkach ” zaciekle oddanych nietradycyjnym praktykom artystycznym opartym na współpracy.,”W serii znalazły się prace lokalnych artystów Elisy Hamilton, Silvia López Chavez, Ranii Matar, Marii Molteni, Chanel Thervil, Evelyn Rydz i sióstr Safarani (Farzaneh i Bahareh Safarani), a także mieszkającej w Detroit Ann Lewis, która współpracowała z mieszkańcami lokalnego zakładu reentry dla uwięzionych kobiet. Z wyjątkiem Ann Lewis, wszyscy artyści byli miejscowi, a ponad połowa to kobiety koloru — rzadka kombinacja na wielu bostońskich listach życzeń, w tym mojej, dla głośnych przedsięwzięć. – Heather Kapplow

12., Zhang Peili: Record, Repeat at the Art Institute of Chicago

30 marca–9 lipca

na tej wystawie, pierwszej retrospektywnej retrospektywy Zhang Peili w muzeum USA, chichotałem prawie przy każdej pracy wideo. Znany jako pierwszy artysta wideo w Chinach, Peili wyróżnia się w swoich wściekłych reakcjach na chińskie media państwowe, produkowane zarówno jako propaganda, jak i rozrywka., To pochlebne badanie jego prac z lat 1988-2012, kuratorowane przez Oriannę Cacchione, skupiło się na jego zamiłowaniu do powtarzania jako potężnego narzędzia do zaburzania tego, co jest zwykle postrzegane w chińskiej telewizji, od filmów z epoki Rewolucji Kulturalnej po codzienne odczyty nadawcy wiadomości. Dramat zostaje przerobiony na komedię, prawda stopniowo przeradza się w bladość — to, co stanowi jakąkolwiek rzeczywistość, staje się nieodkryte, ale coraz bardziej poddawane w wątpliwość. – Claire Voon

R. I. S. E.,: Nic nie jest naturalne w Reed College

11 sierpnia–1 października

nic nie jest naturalne zostało zorganizowane w Reed College przez tubylczego artystę Demiana DinéYazhi', kuratora i dyrektora Cooley Art Gallery Stephanie Snyder oraz tubylczy kolektyw artystyczny R. I. S. E. (Radical tubylczy Survivance and Empowerment). Wystawa, która była częścią Converge 45 w Portland w stanie Oregon, zawierała dwie prace instalacyjne, jedną wzdłuż brzegów dopływu w Reed Canyon, a jedną w historic Student Union., Instalacja plenerowa, stworzona przez kolektyw artystyczny Winter Count, zatytułowana „nic nie jest naturalne”, jest niezwykle przejmującą pracą, przywracającą pojęcie przemocy wobec świata przyrody, przemocy wobec kobiet i przemocy wobec autochtonicznych ciał. Praca Postcommodity, „Gallup Motel Butchering”, rozświetliła sporny charakter krajobrazu Gallup w Nowym Meksyku jako komodyfikowanej przestrzeni — rzeczywistości, które turystyka i pozostałości starej drogi 66 nadal tam obecne — i że jej tożsamość jako rdzennego terytorium jest często ghettoizowana. – Erin Joyce

14.,: Phantom Revenant at the Bemis Center for Contemporary Arts

2 lutego–29 kwietnia 2017

W ramach projektu ich indywidualna wystawa, artystka nonkonformująca płeć, Cassils zaprezentowała dwie instalacje, solowy performans na żywo i po raz pierwszy wydarzenie partycypacyjne — wszystkie dotyczą radykalnej niemożności przedstawienia przemocy wobec osób LGBTQI+., Ich eponimicznie zatytułowany performance zawierał artystę walącego w ciemnym pokoju 2000-kilogramowy blok gliny. Powstały obiekt został bronzowany i ostatecznie stał się punktem centralnym dla pracy uczestniczącej, w której artysta (z pomocą przyjaciół i sojuszników) popychał amorficzną strukturę do strategicznie wybranych miejsc w centrum Omaha, zaznaczając przemoc i świętowanie, takie jak miejsce pierwszej parady pride. Kolejnym uziemieniem wystawy w kontekście „flyover country” było włączenie do wystawy archiwów Queer Omaha., – AP

15. Roger Brown: obrazy Estate w Kavi Gupta

5 Maja–24 czerwca

w Galerii Kavi Gupta w Chicago odbyła się retrospektywna para obrazów Rogera Browna: Estate Paintings, wybór obrazów i rzeźb wybitnego artysty Imagisty, z kolekcją, która była dla mnie całkiem naturalna, seria odtworzonych asamblaży obiektów w osobistych kolekcjach Browna z jego domu w La Conchita w Kalifornii., Brown był żarłocznym kolekcjonerem sztuki outsider i efemery kulturowej, a eklektyczne tableaux na drugim piętrze Kavi Gupta oświetlały jego figlarne i rysunkowe obrazy na pierwszym. To, że Brown postanowił otoczyć się taką mieszanką przedmiotów, sugeruje, że uznał sztukę „piękną” i „ludową” za należące do tej samej całości. Następnie spłacił zwykłe rozróżnienia, tworząc „kolaboracyjne” kompozycje, w których jego własne obrazy służyły jako tło dla zestawów znalezionych ceramik., Wystawy w Kavi Gupta były nie tylko ciekawą analizą tej pracy, ale także okazją dla zwiedzających do zbadania własnych uprzedzeń dotyczących autorstwa artystycznego. – SRS

16. „E”jest jak słonie: akwaforta Edwarda Goreya w Massachusetts College of Art and Design (MASSART)

9 stycznia–7 lutego

niektóre z najlepszych pokazów w 2017 roku pochodziły ze wspaniałych Instytucji Archiwalnych, do których mają dostęp, zwłaszcza gdy są chętni do kopania w kątach pajęczyny tych archiwów. Jednym z tych pokazów było E jak słonie: Etchings of Edward Gorey, dziwaczne spojrzenie na późną obsesję Gorey ' a na temat słoni w Massachusetts College of Art., Świętując enigmatyczny (i zdecydowanie queerowy) sposób bycia światem Gorey ' a, miło jest również zobaczyć, jak mistrz sztuki, aktywnie („radośnie”, mówi kurator James A. Edwards), decyduje się zostać nowicjuszem w college ' u społecznym w momencie swojej kariery, gdy jako międzynarodowy Bohater kultowy mógł z łatwością spocząć na laurach. – HK

17., Nick Cave: Until at MASS MoCA

15 października 2016–4 września 2017

dopóki nie może nie zawierał żadnych podpisów Nicka Cave ' a „Soundsuits”, ale to nie powstrzymało go od bycia jednym z bardziej pamiętnych pokazy roku. Zdominowana przez ogromną instalację, która wypełniała ogromną przestrzeń magazynową, wystawa była jak alternatywny wszechświat., Była to nieco dezorientująca wyprawa, od chodzenia przez kolorowe „wirujące wiatry” po wspinanie się po jasnożółtych drabinach, aby z bliska zobaczyć gigantyczną chmurę żyrandoli, zebranych ozdób trawnikowych i różnych tchotchkes. Przywołując rodzaj dziecięcego cudu, Until również przywrócił nas do rzeczywistości, z powtarzającymi się odniesieniami do przenikającego amerykańskiego rasizmu, zwłaszcza problemów przemocy z bronią i młodych czarnych mężczyzn zabitych przez policję. Nawet z głową dosłownie w chmurach, nie możesz uciec od tych żałosnych dżokejów. – Elena Goukassian

18., Sunrise, Sunset at Emerson Dorsch

30 listopada 2017-19 stycznia 2018

tytuł tego spektaklu zaczerpnięty jest z historii Edwidge ' a Danticata o tej samej nazwie. Opublikowany w The New Yorker w tym samym tygodniu, co huragan Irma – który przez pewien czas wydawał się być przeznaczony bezpośrednio do Miami-wylądował w Stanach, to opowieść o relacjach rodzinnych, walce o komunikację między nimi, o znaczeniu uczenia się wzajemnego zrozumienia, gdy życie jest ulotne., Osadzona w małym Haiti — podobnie jak historia — 15 artystów na wystawie porusza te tematy na swój sposób, udowadniając, w jaki sposób sztuka może łagodnie łagodzić przekazy o śmiertelności, pamięci i rodzinie. Kurator Tyler Emerson-Dorsch świetnie spisał się w grupowaniu tak różnorodnych dzieł; każde dzieło z czułością robi miejsce dla najbliższego, jakby w dialogu. – Monika Uszerowicz

19. Eric N., Mack: tkaniny Vogue w Albright-Knox Art Gallery

18 lutego–18 czerwca

pisząc o mojej ulubionej pracy na tej jednopokojowej wystawie, „Willow w formie prozy” (2016) 2016), powiedziałem, że „destyluje najlepsze zdolności Macka, aby coś wyglądało jednocześnie cyfrowo i analogowo, jednocześnie angażując się w poezję materiału i ograniczenia reprezentacji.,”Ta zdolność do przekształcania ilorazowych materiałów jest częścią magii Sztuki Macka. Bez wysiłku (a przynajmniej na to wygląda) tchnie życie w poszarpane, kruche, a nawet roztrzepane formy. – HV

20., Ken Gonzales-Day: Shadowlands at the Minnesota Museum of American Art

19 stycznia–16 kwietnia

Ken Gonzales-Day w „Shadowlands”, Kuratorowanym przez Christophera Atkinsa, zbadano historyczne przypadki linczowania i jak spuścizna rasowej przemocy wpływa na naszą teraźniejszość., Jego druzgocąca Seria „wymazanych linczów” manipuluje historycznymi zdjęciami linczów, aby nie być widzianym, minimalizując szkody związane z ponownym traumatyzowaniem społeczności, które mogłyby zobaczyć tę pracę, a także skupiając się na sprawcach brutalnego rasizmu. Jego Searching for California ' s Hang Trees and Run-Up series jeszcze bardziej krytycznie angażuje się w historię rasizmu w USA i ciągłe zagrożenie dla czarnych i brązowych ciał w tym kraju., Z trzewną wyobraźnią i prowokacyjnym użyciem elementów narracyjnych i teatralnych, Gonzales-Day postawił sugestywne pytanie o brzydką przeszłość i obecną sytuację naszego kraju. – Sheila Regan

John Dunkley: ani Dzień, ani noc w Muzeum Sztuki w Miami

26 maja 2017-14 stycznia 2018

pierwsza indywidualna wystawa artysty-samouka poza Jamajką — i jego pierwsza od lat 70 — tych-jest wspaniałym pokazem, a także trafnie zatytułowanym. Obrazy Dunkleya przywołują zarówno zmierzch zmierzchu, jak i zielone kolory dnia, bujny Surrealizm fantazji i przejmującą rzeczywistość życia na kolonialnym terytorium., Kiedy Dunkley wrócił na rodzimą Jamajkę po pracy w Panamie, otworzył Zakład fryzjerski w Kingston i doskonalił swoje rzemiosło na boku; to były lata 20., kiedy ideologiczne podstawy były ustawione na ewentualną niepodległość kraju. Nawet nocne pejzaże w Jego małym dorobku-obejmuje około 50 obrazów i kilka figuratywnych rzeźb, które kurator Diana Nawi i asystentka kuratorki wystawy Nicole Smythe-Johnson badali szeroko-wydają się nieziemskie i oświetlone od wewnątrz., Jeden z nich: portret prezydenta Roosevelta, datowany w czasie, gdy podróżował na Jamajkę, aby odwiedzić miejsce, które ostatecznie stało się amerykańską bazą lotniczą, wypędzając mieszkańców z ich domów. —MU

Yarrow Mamout at the Smithsonian National Portrait Gallery

19 lipca 2016–Sierpień 2017

ta wystawa była ważna dla prostego faktu że istnieje., Musimy opowiadać historie o muzułmanach w USA, szczególnie tych, które edukują o znaczeniu przyjmowania ludzi ze wszystkich środowisk i kultur, którzy chcą być w tym kraju. Był to mały gest, który został wykonany doskonale przed wyborami, a jego wydźwięk zmienił się wkrótce potem, dając nadzieję na czas, gdy muzułmanie byli mniej oczerniani w amerykańskich mediach. Ten mały portret był latarnią nadziei i wyrazem uznania dla kuratorki Asmy Naeem za jej dalekowzroczność i poświęcenie dla opowiedzenia pełnej historii amerykańskiej sztuki., —HV

Njideka Akunyili Crosby: poprzednicy w Contemporary Arts Center, Cincinnati

15 lipca–1 października

w poprzedniku, Njideka Akunyili Crosby, stworzył martwą naturę i potężny portret łącząc melanż obrazów z zadziwiającą polszczyzną i wdziękiem. To, co potencjalnie mogłoby być przytłaczającą mieszanką obrazów, stało się płynnym gobelinem, kontrolowanym przez niezwykłą wrażliwość Crosby ' ego na równowagę, perspektywę i paletę kolorów., Współorganizowana przez CAC i Muzeum Tang w Skidmore College, wystawa ta była po raz pierwszy, że nawet Crosby był w stanie zobaczyć wszystkie prace w poprzednikach, serii, która obejmuje co najmniej pół dekady, na wystawie razem. Kameralna Galeria w CAC, mieszcząca te pięć dużych prac na papierze, miała charakter kaplicy, oferując zarówno intymność, jak i spokój wymagany do tak pięknie gęstych i przenikliwie bezpośrednich obrazów., – SRS