właśnie na tym tle publicznego gniewu Jean Metzinger i Albert Gleizes napisali Du „Cubisme” (opublikowane przez Eugène 'a Figuière' a w 1912, przetłumaczone na angielski i Rosyjski w 1913)., Wśród eksponowanych prac znalazły się obszerna kompozycja Le Fauconniera Les Montagnards attaqués par des ours (alpiniści zaatakowani przez niedźwiedzie) obecnie w Rhode Island School of Design Museum, Deux Femme, Two Women Josepha Csaky ' ego (rzeźba obecnie zaginiona), a także wysoce abstrakcyjne obrazy kupki, Amorpy (Galeria Narodowa, Praga) i Picabia, La Source (Wiosna) (Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork).,
abstrakcja I ready-madeEdit
Robert Delaunay, symultaniczne okna na mieście, 1912, 46 x 40 cm, Hamburger Kunsthalle, przykład abstrakcyjnego kubizmu
najbardziej ekstremalne formy kubizmu nie były te praktykowane Picasso i Braque, którzy oparli się całkowitej abstrakcji. Inni Kubiści, zwłaszcza František Kupka, i ci uważani przez Apollinaire ' a za Orfistów (Delaunay, Léger, Picabia i Duchamp), akceptowali abstrakcję, całkowicie usuwając widzialną tematykę., Dwie prace kupki w salonie automatycznym z 1912 roku, Amorfa-Fugue à deux couleurs i Amorpa chromatique chaude, były wysoce abstrakcyjne (lub niereprezentacyjne) i metafizyczne w orientacji. Zarówno Duchamp w 1912, jak i Picabia w latach 1912-1914 rozwinęli ekspresyjną i aluzyjną abstrakcję poświęconą złożonym tematom emocjonalnym i seksualnym., Począwszy od 1912 roku Delaunay namalował serię obrazów zatytułowaną symultaniczne okna, a następnie serię Formes Circulaires, w której łączył struktury planarne z jasnymi kolorami pryzmatycznymi; opierając się na optycznych cechach zestawionych kolorów, jego odejście od rzeczywistości w przedstawieniu obrazów było quasi-kompletne. W latach 1913-14 Léger wyprodukował serię zatytułowaną kontrasty form, nadając podobny nacisk kolorowi, linii i formie. Jego Kubizm, mimo swoich abstrakcyjnych cech, wiązał się z tematami mechanizacji i współczesnego życia., Apollinaire poparł te wczesne tendencje kubizmu abstrakcyjnego W Les Peintres cubistes (1913), pisząc nowy „czysty” obraz, w którym Temat został opuszczony. Jednak mimo użycia przez niego terminu Orfizm dzieła te były tak różne, że przeciwstawiały się próbom umieszczania ich w jednej kategorii.
Marcel Duchamp, nazywany również Orfistą Apollinaire ' a, był odpowiedzialny za kolejny skrajny rozwój inspirowany kubizmem., Ready-made powstało ze wspólnego rozważania, że sama praca jest uważana za przedmiot (tak jak obraz) i że wykorzystuje materialny detrytus świata (jako collage i papier collé w kubistycznej konstrukcji i Asamblażu). Kolejnym logicznym krokiem dla Duchampa było przedstawienie zwykłego obiektu jako samowystarczalnego dzieła sztuki reprezentującego tylko siebie. W 1913 roku przymocował koło rowerowe do stołka kuchennego, a w 1914 roku wybrał stojak do suszenia butelek jako rzeźbę.,
Section d 'Or
Salon d ' Automne z 1912 roku, który odbył się w Paryżu w Grand Palais od 1 października do 8 listopada. Rzeźba Josepha Csaky ' ego Groupe de femmes z lat 1911-12 jest eksponowana po lewej stronie, przed dwiema rzeźbami Amedeo Modiglianiego. Inne prace artystów Section d ' Or są pokazywane (od lewej do prawej): František Kupka, Francis Picabia, Jean Metzinger i Henri Le Fauconnier.,
Section d ' Or, znana również jako Groupe de Puteaux, założona przez jednych z najbardziej rzucających się w oczy kubistów, była kolektywem malarzy, rzeźbiarzy i krytyków związanych z kubizmem i Orfizmem, aktywnym od 1911 do około 1914 roku, zyskującym na znaczeniu w wyniku kontrowersyjnego pokazu na Salonie Indépendants w 1911 roku. Salon de la Section d ' Or w Galerie La Boétie w Paryżu w październiku 1912 r. był prawdopodobnie najważniejszą wystawą Kubistyczną sprzed I wojny światowej, eksponującą Kubizm szerokiej publiczności., Pokazano ponad 200 prac, a fakt, że wielu artystów pokazało dzieła reprezentujące ich rozwój w latach 1909-1912, nadał wystawie urok kubistycznej retrospektywy.,
wydaje się, że grupa przyjęła nazwę Section d 'Or, aby odróżnić się od węższej definicji kubizmu rozwijanej równolegle przez Pabla Picassa i Georges 'a Braque' a w paryskiej dzielnicy Montmartre i pokazać, że Kubizm, zamiast być odosobnioną formą sztuki, stanowił kontynuację wielkiej tradycji (złoty stosunek fascynował Zachodnich intelektualistów o różnych zainteresowaniach od co najmniej 2400 lat).
idea Section d 'Or powstała w trakcie rozmów Metzingera, Gleizesa i Jacques' a Villona., Nazwa grupy została zasugerowana przez Villona po przeczytaniu w 1910 roku przekładu Trattato della Pittura Leonarda da Vinci przez Joséphina Péladana.
na przełomie XIX i XX wieku Europejczycy odkrywali sztukę afrykańską, polinezyjską, Mikronezyjską i indiańską. Artyści tacy jak Paul Gauguin, Henri Matisse i Pablo Picasso byli zaintrygowani i inspirowani surową siłą i prostotą stylów tych obcych kultur., Około 1906 roku Picasso poznał Matisse ' a za pośrednictwem Gertrude Stein, w czasie, gdy obaj artyści zainteresowali się prymitywizmem, rzeźbą iberyjską, sztuką afrykańską i maskami plemiennymi Afryki. Stawali się przyjacielskimi rywalami i rywalizowali ze sobą przez całą swoją karierę, być może doprowadzając Picassa do wejścia w nowy okres w jego twórczości do 1907 roku, naznaczony wpływami sztuki greckiej, iberyjskiej i afrykańskiej. Obrazy Picassa z 1907 roku zostały scharakteryzowane jako Protokubizm, co widać zwłaszcza w Les Demoiselles d ' Avignon, prekursorze kubizmu.,
Paul Cézanne, Quarry Bibémus, 1898-1900, Museum Folkwang, Essen, Niemcy
historyk sztuki Douglas Cooper stwierdza, że Paul Gauguin i Paul Cézanne „byli szczególnie wpływowi na kształtowanie się kubizmu i szczególnie ważni dla obrazów Picassa w latach 1906 i 1907”. Cooper mówi dalej: „Demoiselles jest ogólnie określany jako pierwszy kubistyczny obraz. Jest to przesada, bo choć był to ważny pierwszy krok w kierunku kubizmu, nie jest on jeszcze kubistyczny., Destrukcyjny, ekspresjonistyczny element jest wręcz sprzeczny z duchem kubizmu, który patrzył na świat w oderwanym, realistycznym duchu. Niemniej jednak Demoiselles jest logicznym obrazem, który należy przyjąć za punkt wyjścia dla kubizmu, ponieważ oznacza narodziny nowego idiomu obrazowego, ponieważ w nim Picasso gwałtownie obalił ustalone konwencje i dlatego, że z niego wyrosło wszystko, co po nim nastąpiło.,”
najpoważniejszym sprzeciwem wobec postrzegania Demoiselles jako źródła kubizmu, z wyraźnym wpływem sztuki prymitywnej, jest to, że” takie dedukcje są niehistoryczne”, napisał historyk sztuki Daniel Robbins. To znane Wyjaśnienie ” nie uwzględnia w odpowiedni sposób złożoności kwitnącej sztuki, która istniała tuż przed i w okresie, w którym rozwijał się nowy obraz Picassa.”W latach 1905-1908 świadome poszukiwanie nowego stylu spowodowało gwałtowne zmiany w sztuce we Francji, Niemczech, Holandii, Włoszech i Rosji., Impresjoniści używali podwójnego punktu widzenia, a zarówno Les Nabis, jak i symboliści (którzy również podziwiali Cézanne ' a) spłaszczali płaszczyznę obrazu, redukując tematy do prostych form geometrycznych. Neoimpresjonistyczna struktura i tematyka, szczególnie widoczne w pracach Georges ' a Seurata (np. Parade de Cirque, Le Chahut i Le Cirque), była kolejnym ważnym wpływem. Pojawiły się również paralele w rozwoju literatury i myśli społecznej.,
oprócz Seurata, korzenie kubizmu tkwią w dwóch odrębnych tendencjach późniejszej twórczości Cézanne ' a: najpierw rozbiciu malowanej powierzchni na małe, wieloaspektowe obszary farby, podkreślając w ten sposób mnogość punktu widzenia wyznaczonego przez widzenie obuoczne, a po drugie jego zainteresowanie uproszczeniem form naturalnych na cylindry, kule i stożki. Jednak kubiści zgłębiali tę koncepcję dalej niż Cézanne. Przedstawiały one wszystkie powierzchnie przedstawianych obiektów w jednej płaszczyźnie obrazu, tak jakby wszystkie ich twarze były widoczne w tym samym czasie., Ten nowy rodzaj przedstawienia zrewolucjonizował sposób wizualizacji przedmiotów w malarstwie i sztuce.
Jean Metzinger, 1911-12, La Femme au Cheval, kobieta z koniem, Statens Museum for Kunst, Narodowa Galeria Danii. Wystawiona w 1912 roku w salonie Indépendants i opublikowana w 1913 roku przez Apollinaire ' a The Cubist Painters, Aesthetic Meditations., Pochodzenie: Jacques Nayral, Niels Bohr
historyczne badania kubizmu rozpoczęły się pod koniec 1920 roku, czerpiąc początkowo ze źródeł ograniczonych danych, a mianowicie opinii Guillaume Apollinaire. W 1920 roku Daniel-Henry Kahnweiler opublikował książkę Der Weg zum Kubismus, która koncentrowała się na rozwoju Picassa, Braque ' a, Légera i Grisa. Terminy „analityczne” i „syntetyczne”, które pojawiły się później, były powszechnie akceptowane od połowy lat 30., Żaden z etapów nie został wyznaczony jako taki w momencie tworzenia odpowiednich prac. „Jeśli Kahnweiler uważa Kubizm za Picassa i Braque 'a,” pisał Daniel Robbins, ” naszą jedyną wadą jest poddanie prac innych kubistów rygorom tej ograniczonej definicji.”
tradycyjna interpretacja” kubizmu”, sformułowana post facto jako środek rozumienia dzieł Braque ' a i Picassa, wpłynęła na nasze uznanie innych artystów XX wieku., Trudno go zastosować do takich malarzy jak Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay czy Henri Le Fauconnier, których zasadnicze różnice w stosunku do tradycyjnego kubizmu zmusiły Kahnweilera do zastanowienia się, czy w ogóle nazywać ich Kubistami. Według Daniela Robbinsa, ” sugerowanie, że tylko dlatego, że artyści Ci rozwijali się inaczej lub różnili od tradycyjnego wzoru, zasługiwali na sprowadzenie do drugorzędnej lub satelitarnej roli w kubizmie, jest głębokim błędem.,”
historia terminu” Kubizm „Zwykle podkreśla fakt, że Matisse nawiązywał do” kostki „w związku z obrazem Braque' a z 1908 roku, a termin ten został dwukrotnie opublikowany przez krytyka Louisa Vauxcellesa w podobnym kontekście. Jednak słowo „kostka” zostało użyte w 1906 roku przez innego krytyka, Louisa Chasseventa, w odniesieniu nie do Picassa czy Braque ' a, ale raczej do Metzingera i Delaunaya:
„M. Metzinger jest mozaik jak M. Signac, ale wnosi większą precyzję do cięcia swoich kostek koloru, które wydają się być wykonane mechanicznie „.,
krytyczne użycie słowa ” sześcian „sięga co najmniej maja 1901 roku, kiedy Jean Béral, recenzując pracę Henri-Edmonda Crossa w „Art et Littérature”, skomentował, że ” używa dużego i kwadratowego pointylizmu, dając wrażenie mozaiki. Zastanawia się nawet, dlaczego artysta nie użył sześcianów materii stałej różnie zabarwionej: tworzyłyby one ładne ozdoby.”(Robert Herbert, 1968, str. 221)
termin Kubizm wszedł do powszechnego użytku dopiero w 1911 roku, głównie w odniesieniu do Metzingera, Gleizesa, Delaunaya i Légera., W 1911 roku poeta i krytyk Guillaume Apollinaire przyjął termin w imieniu grupy artystów zaproszonych na wystawę w Brukseli. W następnym roku, w ramach przygotowań do salonu de la Section d ' Or, Metzinger i Gleizes napisali i opublikowali Du „Cubisme”, próbując rozwiać zamieszanie wokół słowa i jako główną obronę kubizmu (który wywołał publiczny skandal po salonie Indépendants w 1911 i salonie automatycznym w Paryżu w 1912)., Ta praca, wyjaśniająca ich cele jako artystów, była pierwszym teoretycznym Traktatem o kubizmie i nadal pozostaje najjaśniejsza i najbardziej zrozumiała. Wynik, nie tylko współpraca dwóch autorów, odzwierciedlał dyskusje kręgów artystów, którzy spotkali się w Puteaux i Courbevoie. Odzwierciedlała ona postawy „artystów z Passy”, do których należeli Picabia i Bracia Duchamp, którym fragmenty zostały przeczytane przed publikacją. Powstała w Du „Cubisme” koncepcja obserwacji podmiotu z różnych punktów w przestrzeni i czasie jednocześnie, tj., ruch wokół obiektu w celu uchwycenia go z kilku kolejnych kątów połączonych w jeden obraz (wiele punktów widzenia, ruchoma perspektywa, jednoczesność lub wielość), jest powszechnie uznanym urządzeniem wykorzystywanym przez kubistów.
manifetso Du „Cubisme” Metzingera i Gleizesa z 1912 roku, a następnie w 1913 roku Les Peintres Cubistes, zbiór refleksji i komentarzy Guillaume 'a Apollinaire' a., Apollinaire był blisko związany z Picassem począwszy od 1905, a Braque począwszy od 1907, ale poświęcił tyle uwagi artystom, takim jak Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia i Duchamp.
fakt, że wystawa z 1912 roku była kuratorowana, aby pokazać kolejne etapy, przez które przechodził kubizm, i że Du „Cubisme” zostało opublikowane na tę okazję, wskazuje na zamiar artystów, aby ich prace były zrozumiałe dla szerokiej publiczności (krytyków sztuki, kolekcjonerów sztuki, handlarzy sztuki i ogółu społeczeństwa)., Niewątpliwie, dzięki wielkiemu sukcesowi wystawy, Kubizm stał się ruchem awangardowym uznawanym za gatunek lub styl w sztuce o określonej wspólnej filozofii lub celu.
Crystal Cubism: 1914–1918Edit
Jean Metzinger, 1914-15, Soldat jouant aux échecs (żołnierz w grze w szachy, Le Soldat à la partie d ' échecs), olej na płótnie, 81.,3 × 61 cm, Smart Museum of Art, University of Chicago
znacząca modyfikacja kubizmu w latach 1914-1916 była sygnalizowana przez przesunięcie w kierunku silnego nacisku na duże nakładające się płaszczyzny geometryczne i płaską aktywność powierzchni. Ta grupa stylów malarstwa i rzeźby, szczególnie znacząca w latach 1917-1920, była uprawiana przez kilku artystów; szczególnie tych, którzy byli na kontrakcie z handlarzem i kolekcjonerem sztuki Léonce Rosenberg., Zaostrzenie kompozycji, wyrazistość i poczucie porządku odzwierciedlone w tych utworach doprowadziły do tego, że krytyk Maurice Raynal określił ją mianem „kryształowego” kubizmu. Rozważania przejawiające się w Kubistach przed wybuchem I wojny światowej—takie jak czwarty wymiar, dynamizm współczesnego życia, okultyzm i koncepcja czasu trwania Henri Bergsona, zostały porzucone, zastąpione przez czysto formalne ramy odniesienia.,
Kubizm Kryształowy i jego asocjacyjny rappel à l ' ordre łączy się z skłonnością—zarówno tych, którzy służyli w siłach zbrojnych, jak i tych, którzy pozostali w sektorze cywilnym—do ucieczki od realiów Wielkiej Wojny, zarówno w trakcie konfliktu, jak i bezpośrednio po nim. Oczyszczenie kubizmu od 1914 roku do połowy lat 20., z jego spójną jednością i dobrowolnymi ograniczeniami, wiązało się ze znacznie szerszą transformacją ideologiczną w kierunku konserwatyzmu zarówno w społeczeństwie francuskim, jak i w kulturze francuskiej.,
Kubizm po 1918Edit
Pablo Picasso, trzej muzycy (1921), Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Trzej muzycy to klasyczny przykład kubizmu syntetycznego.
najbardziej innowacyjnym okresem kubizmu był przed 1914 rokiem. Po I wojnie światowej, przy wsparciu handlarza Léonce Rosenberga, Kubizm powrócił jako główny problem dla artystów i kontynuował go do połowy lat 20., kiedy jego awangardowy status został zakwestionowany przez pojawienie się abstrakcji geometrycznej i surrealizmu w Paryżu., Wielu kubistów, w tym Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes i Metzinger, rozwijając inne style, powracało okresowo do kubizmu, nawet po 1925 roku. Kubizm ponownie rozwinął się w latach 20. i 30. w twórczości amerykańskiego Stuarta Davisa i Anglika Bena Nicholsona. We Francji Jednak Kubizm doświadczył upadku, który rozpoczął się około 1925 roku. Léonce Rosenberg wystawiała nie tylko artystów osaczonych przez wygnanie Kahnweilera, ale także innych, w tym Laurensa, Lipchitza, Metzingera, Gleizesa, Csaky ' ego, Herbina i Severiniego., W 1918 Rosenberg zaprezentował serię wystaw kubistycznych w swojej Galerie de l ' effort Moderne w Paryżu. Louis Vauxcelles próbował argumentować, że Kubizm jest martwy, ale wystawy te, wraz z dobrze zorganizowanym pokazem kubistycznym na Salonie Indépendants w 1920 roku i odrodzeniem Salon de la Section d ' Or w tym samym roku, wykazały, że nadal żyje.,
reemergencja kubizmu zbiegła się z pojawieniem się w latach 1917-1924 spójnego pisma teoretycznego Pierre 'a Reverdy' ego, Maurice 'a Raynala i Daniela-Henry' ego Kahnweilera, a wśród artystów-Grisa, Légera i Gleizesa. Sporadyczny powrót do klasycyzmu-figuratywnego dzieła wyłącznie lub obok dzieła kubistycznego-doświadczanego przez wielu artystów w tym okresie (zwanego Neoklasycyzmem) związany jest z tendencją do uchylania się od realiów wojny, a także z kulturową dominacją klasycznego lub łacińskiego obrazu Francji w czasie wojny i bezpośrednio po niej., Kubizm po 1918 roku może być postrzegany jako część szerokiego ideologicznego przesunięcia w kierunku konserwatyzmu zarówno w społeczeństwie francuskim, jak i w kulturze. Jednak sam Kubizm pozostał ewolucyjny zarówno w twórczości pojedynczych artystów, takich jak Gris i Metzinger, jak i w twórczości artystów tak różnych od siebie, jak Braque, Léger i Gleizes. Kubizm jako ruch publicznie dyskutowany stał się stosunkowo jednolity i otwarty na definicję. Jego teoretyczna czystość uczyniła z niego miernik, z którym można porównywać tak różnorodne tendencje jak Realizm czy naturalizm, Dada, Surrealizm czy abstrakcja.,
wpływy w Azji
Japonia i Chiny były jednymi z pierwszych krajów Azji, które znalazły się pod wpływem kubizmu. W latach dwudziestych XX wieku japońscy i chińscy artyści, którzy studiowali w Paryżu, na przykład ci, którzy studiowali w École nationale supérieure des Beaux-Arts, przywrócili ze sobą zrozumienie ruchów Sztuki Nowoczesnej, w tym kubizmu., Do najważniejszych prac o kubistycznych walorach należą Autoportret Tetsugorō Yorozu z czerwonymi oczami (1912) i melodia jesieni (1934) Fanga Ganmina.