w Niemczech Arnold Schoenberg (1874-1951) został zmuszony do ucieczki do USA, gdy Hitler doszedł do władzy w 1933 roku, ze względu na jego modernistyczny styl atonalny, a także jego żydowskie pochodzenie. Jego najważniejsze dzieła z tego okresu to Koncert skrzypcowy op. 36 (1934/36) I Koncert fortepianowy op. 42 (1942). W tym okresie Schoenberg pisał również muzykę tonalną z suitą smyczkową G-dur (1935) i II Symfonią kameralną E-moll op.38 (rozpoczętą w 1906, ukończoną w 1939)., W tym czasie Węgierski Modernista Béla Bartók (1881-1945) wyprodukował wiele ważnych dzieł, w tym muzykę na smyczki, perkusję i Celestę (1936) oraz Divertimento na orkiestrę smyczkową (1939), Kwartet smyczkowy nr 5 (1934) i nr 6 (jego ostatni, 1939). Ale on też wyjechał do USA w 1940 roku, z powodu wzrostu faszyzmu na Węgrzech. Igor Strawiński (1882-1971) kontynuował pisanie w stylu neoklasycznym w latach trzydziestych i czterdziestych, pisząc takie dzieła jak Symfonia Psalmów (1930), Symfonia C (1940) i Symfonia w trzech częściach (1945)., Z powodu II wojny światowej wyemigrował do USA. Olivier Messiaen (1908-1992) służył jednak w armii francuskiej podczas wojny i został uwięziony w Stalagu VIII-a przez Niemców, gdzie skomponował swój słynny Quatuor pour la fin du temps (Kwartet na koniec czasów). Kwartet został po raz pierwszy wykonany w styczniu 1941 roku na audiencji więźniów i strażników więziennych.,
w malarstwie, w latach 20.i 30. oraz w okresie Wielkiego Kryzysu, Modernizm był definiowany przez Surrealizm, późny Kubizm, Bauhaus, De Stijl, Dada, Niemiecki Ekspresjonizm, modernistycznych i mistrzowskich malarzy kolorowych, takich jak Henri Matisse i Pierre Bonnard, a także abstrakcje artystów, takich jak Piet Mondrian i Wassily Kandinsky, które charakteryzowały europejską scenę artystyczną., W Niemczech Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz i inni upolitycznili swoje obrazy, zapowiadając nadejście II Wojny Światowej, podczas gdy w Ameryce Modernizm postrzegany jest w formie amerykańskiego Malarstwa sceny, a ruchy socrealizmu i regionalizmu, które zawierały zarówno komentarz polityczny, jak i społeczny, zdominowały świat sztuki. Znani byli tacy artyści jak Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh i inni., Modernizm jest definiowany w Ameryce Łacińskiej przez malarzy Joaquína Torres-Garcíę z Urugwaju i Rufino Tamayo z Meksyku, podczas gdy ruch muralistyczny z Diego Riverą, Davidem Siqueirosem, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómezem i Santiago Martínezem Delgado oraz Symbolistyczne obrazy Fridy Kahlo zapoczątkowały renesans sztuki dla regionu, charakteryzujący się swobodniejszym użyciem koloru i naciskiem na polityczne przesłania.
Diego Rivera jest chyba najbardziej znany w świecie publicznym ze swojego muralu z 1933 roku, Man at the Crossroads, w holu budynku RCA w Rockefeller Center., Kiedy jego mecenas Nelson Rockefeller odkrył, że mural zawiera portret Włodzimierza Lenina i inne komunistyczne obrazy, zwolnił Rivera, a niedokończone dzieło zostało ostatecznie zniszczone przez personel Rockefellera. Prace Fridy Kahlo charakteryzują się często surowymi obrazami bólu. Kahlo była głęboko pod wpływem rdzennej kultury meksykańskiej, co widać w jasnych kolorach jej obrazów i dramatycznej symbolice. W jej twórczości często pojawiają się wątki chrześcijańskie i Żydowskie; łączyła elementy klasycznej tradycji religijnej meksykańskiej, często krwawej i gwałtownej., Prace Symbolistyczne Fridy Kahlo silnie wiążą się z surrealizmem i ruchem realizmu magicznego w literaturze.
Aktywizm polityczny był ważnym elementem życia Davida Siqueirosa i często inspirował go do porzucenia kariery artystycznej. Jego sztuka była głęboko zakorzeniona w rewolucji meksykańskiej. Okres od 1920 do 1950 roku jest znany jako Renesans meksykański, a Siqueiros był aktywny w próbie stworzenia sztuki, która była jednocześnie meksykańska i uniwersalna. Młody Jackson Pollock uczestniczył w warsztatach i pomógł zbudować pływaki na paradę.,
w latach trzydziestych radykalna lewicowa Polityka charakteryzowała wielu artystów związanych z surrealizmem, w tym Pabla Picassa. 26 kwietnia 1937 podczas hiszpańskiej wojny domowej baskijskie miasto Gernika zostało zbombardowane przez niemiecką Luftwaffe. Niemcy atakowali, aby wesprzeć wysiłki Francisco Franco w obaleniu rządu baskijskiego i hiszpańskiego rządu republikańskiego. Pablo Picasso namalował swoją Guernikę w rozmiarze muralu, aby upamiętnić okropności bombardowania.,
podczas Wielkiego Kryzysu lat 30.i przez lata II Wojny Światowej Sztuka Amerykańska charakteryzowała się realizmem społecznym i amerykańskim malarstwem sceny, w dziełach Granta Wooda, Edwarda Hoppera, Bena Shahna, Thomasa Harta Bentona i kilka innych. Nighthawks (1942) – obraz Edwarda Hoppera przedstawiający ludzi siedzących późno w nocy w restauracji w centrum miasta. Jest to nie tylko najsłynniejszy obraz Hoppera, ale jeden z najbardziej rozpoznawalnych w sztuce amerykańskiej., Scena została zainspirowana restauracją w Greenwich Village. Hopper zaczął go malować natychmiast po ataku na Pearl Harbor. Po tym wydarzeniu nad krajem panowało Duże uczucie ponurości, uczucie, które jest przedstawiane na obrazie. Miejska ulica jest pusta przed jadłodajnią, a wewnątrz żaden z trzech patronów najwyraźniej nie patrzy ani nie rozmawia z innymi, ale zamiast tego jest zagubiony we własnych myślach. Ten obraz współczesnego życia miejskiego jako pustego lub samotnego jest częstym tematem w całej twórczości Hoppera.
American Gothic to obraz Granta Wooda z 1930 roku., Przedstawiający rolnika trzymającego widły i młodszą kobietę przed domem w stylu gotyckim, jest jednym z najbardziej znanych obrazów w sztuce amerykańskiej XX wieku. Krytycy sztuki mieli przychylne opinie na temat obrazu; podobnie jak Gertrude Stein i Christopher Morley, zakładali, że obraz miał być satyrą wiejskiego życia małomiasteczkowego., Był on postrzegany jako część tendencji do coraz bardziej krytycznych przedstawień wiejskiej Ameryki, na wzór Sherwooda Andersona Winesburg w Ohio z 1919 roku, głównej ulicy Sinclaira Lewisa z 1920 roku i Tatuowanej Hrabiny w literaturze Carla Van Vechtena. Jednak wraz z nadejściem Wielkiego Kryzysu obraz stał się postrzegany jako obraz niezłomnego amerykańskiego ducha pioniera.
sytuacja artystów w Europie w latach trzydziestych gwałtownie się pogorszyła wraz ze wzrostem władzy nazistów w Niemczech i całej Europie Wschodniej., Sztuka zdegenerowana była terminem przyjętym przez reżim nazistowski w Niemczech dla praktycznie całej Sztuki Nowoczesnej. Sztuka taka została zakazana ze względu na to, że miała charakter nieniemiecki lub Żydowski bolszewizm, a ci, których uznano za zdegenerowanych artystów, podlegali sankcjom. Były to m.in.: zwolnienia z zajęć dydaktycznych, zakaz wystawiania lub sprzedawania dzieł sztuki, a w niektórych przypadkach zakaz produkcji dzieł sztuki w całości. Sztuka zdegenerowana była również tytułem wystawy, zorganizowanej przez nazistów w Monachium w 1937 roku., Klimat stał się tak wrogi dla artystów i sztuki związanej z modernizmem i abstrakcją, że wielu wyjechało do Ameryki. Niemiecki artysta Max Beckmann i wielu innych uciekło z Europy do Nowego Jorku. W Nowym Jorku nowe pokolenie młodych i ekscytujących modernistycznych malarzy pod wodzą Arshile ' a Gorkiego, Willema de Kooninga i innych dopiero zaczynało dorastać.
portret Arshile 'a Gorky' ego kogoś, kto mógłby być Willemem de Kooning jest przykładem ewolucji ekspresjonizmu abstrakcyjnego z kontekstu malarstwa figuralnego, kubizmu i surrealizmu. Wraz z przyjaciółmi de Kooning i John D., Graham, Gorky stworzył biomorficznie ukształtowane i abstrakcyjne kompozycje figuratywne, które w latach 40. przekształciły się w obrazy całkowicie abstrakcyjne. Praca Gorkiego wydaje się być staranną analizą pamięci, emocji i kształtu, wykorzystującą linię I kolor do wyrażenia uczucia i natury.