Best of 2017: Unsere Top 20 Ausstellungen in den Vereinigten Staaten

In diesem Jahr waren unsere Lieblingssendungen in den USA besonders skurril. Es gibt nicht viele Blockbuster-Namen auf dieser Liste; Stattdessen erforschen die meisten dieser Ausstellungen nachdenklich ein Thema oder stellen einen übersehenen Künstler aus der Vergangenheit vor. Die verschiedenen Museen, Galerien und Räume, die hier vorgestellt werden, erstrecken sich von der Bay Area bis Boston (wir haben separate Listen für Brooklyn, New York City und Los Angeles)., In unserer Top-Auswahl haben wir drei längerfristige Projekte und Serien hervorgehoben, die uns in der Tiefe ihrer Forschung und in ihrem Umfang beeindruckt haben. Da so viele Shows kommen und gehen, ist es erfrischend, Organisationen und Museen zu sehen, die sich für lange Zeit zu einer einzigen Idee oder einem einzigen Thema verpflichten.,

Die weniger befahrene Straße im John Michael Kohler Arts Center

Im Jahr 2017

Das John Michael Kohler Arts Center (JMKAC) feierte sein 50-jähriges Bestehen mit einer einjährigen Rotation seiner Sammlung von Kunstumgebungen, vom glitzergeschmückten Zuhause von Loy Bowlin (auch bekannt als „Rhinestone Cowboy“) bis zu Fred Smiths Beton-und Glasskulpturen von Menschen und Tieren. Viele dieser Werke sind Vollkunstumgebungen, wie Emery Blagdons „Heilmaschine“, die aus dem ländlichen Nebraska mit Handys aus Rettungsdraht und Aluminium rekonstruiert wurde, um die Energie der Erde zu nutzen., So viele auf einmal in den Galerien zu sehen, war etwas Besonderes und feierte, wie JMKAC führend darin war, den Wert der Rettung von Künstlerumgebungen zu erkennen und sie in der größeren Geschichte der amerikanischen Kunst zu betrachten. —Allison Meier

2. Aussicht.,4: Der Lotus trotz Sumpf in New Orleans

November 18, 2017–Februar 15, 2018

Die vierte Iteration dieser stadtweiten Ausstellung umfasst Werke von 73 Künstlern, die hauptsächlich in den USA, der Karibik, Lateinamerika und Europa ansässig sind. Das von Kurator Trevor Schoomaker organisierte Prospect 4 erstreckt sich über 17 Veranstaltungsorte, von Kunst-und Jazzmuseen bis hin zu Antiquitätengeschäften und Werbetafeln, und wird von über 100 Satellitenausstellungen begleitet., Während die ortsspezifischen Kunstwerke, wie Radcliffe Baileys poetisches „Schiff“, Das über den Crescent Park verstreut ist, Ein besonderes Highlight sind, gibt es auf der Triennale kein einziges Werk, das die Show stiehlt — zumindest noch nicht: Kara Walkers“ Kataswof Karavan “ wird in der Abschlusswoche im Februar Premiere haben. —Alpesh Patel

3. Am Horizont: Zeitgenössische kubanische Kunst aus dem Jorge M., Pérez Collection at the Pérez Art Museum Miami

9. Juni 2019-8. April 2018

Internal Landscapes, die erste Iteration im multipart On the Horizon, konzentriert sich auf ein belastetes Motiv in der kubanischen historischen und ästhetischen Kosmologie, dem Horizont und insbesondere in Bezug auf den Körper., Die Kuration ist intelligent expansiv; Die Show umfasst die vielen Register der Diaspora und des Exils, die die kubanische Erfahrung umrahmen, mit Werken von Künstlern, die in Miami geboren wurden, Künstlern, die auf der Insel geboren wurden und dort leben Yoan Capote, die anderswo wie New York ansässig sind, und kanonischen Kubanern, Miami-basierte Riesen wie José Bedia und Gory. Die zutiefst komplexe Beziehung zu Wasser und Horizont beschäftigt sich mit komplexen, evokativen und niemals reduktiven Wegen., —Laila Pedro

Sprache/Acts am Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania

September 13–December 23

Was bedeutet experimentelle schwarze Poesie mit zeitgenössischer Kunst zu tun? Alles, und diese Show, organisiert von Meg Onli, machte den Fall leicht., Manchmal bewusst undurchsichtig, manchmal äußerst zugänglich, war Onli in der Lage, eine Show zu schaffen, die es ermöglichte, die Werke zu ihren eigenen Bedingungen zu sehen, während er einen Raum entwarf, der die Zentralität von Sprache und Worten in der Arbeit dieser Künstler behauptete. Auch Kameelah Janan Rasheeds poetische Wandinstallationen waren emotional packend für die Art, wie sie die oft esoterischen Muster von Sprache und Denken zu imitieren schienen. —Hrag Vartanian

5., Eine gefährliche Frau: Subversion und Surrealismus in der Kunst von Honoré Sharrer im Columbus Museum of Art (CMA)

Februar 10–Mai 21

Der amerikanische Surrealist Honoré Sharrer verschwand zu Beginn ihrer Karriere aus der Öffentlichkeit, verfinstert durch den vorherrschenden Trend des abstrakten Expressionismus und gezwungen, nach Kanada in der Mitte der 1950er Jahre wegen ihrer ausgesprochenen kommunistischen Überzeugungen zu bewegen., Eine Gefährliche Frau: Subversion und des Surrealismus in der Kunst von Honoré Sharrer im Columbus Museum of Art (CMA) ist die erste Umfrage, die seit der Mitte des 20sten Jahrhunderts das Werk des Künstlers, von denen viele auf Kredit von Ihren Nachlass und präsentiert ein weitgehend uncelebrated Kraftpaket von mehrere Formate, einschließlich Rockwell-esque Darstellungen des alltäglichen Lebens und beunruhigend, ausgesprochen feminin Surrealistische Porträts. CMA ist es zu verdanken, dass eine bemerkenswerte Ausstellung über einen faszinierenden Künstler zusammengestellt wurde, der einer tieferen Betrachtung wert ist. —Sarah Rose Sharp

6., Walker Evans im San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)

30.ein Platz im Bereich der bildenden Kunst schien vor Walker Evans sicherlich ein Widerspruch zu sein., Aber die massive Retrospektive bei SFMOMA zeigt, dass dieses eigenartige amerikanische Phänomen überhaupt kein Widerspruch ist. Sie werden nie fangen, wenn Sie das Licht nur so arrangieren oder die Komposition für einen dramatischen Effekt arrangieren. Solche Geräte scheinen geradezu spielerisch zu sein, nachdem sie das einfache, pingelige, aber lebendige und offenbarende Werk aufgenommen haben, das als visuelles Lexikon für die unglamorösen, manchmal verheerenden Wahrheiten des amerikanischen Jahrhunderts dienen könnte. Seine Porträts wirken zum Beispiel fast unheimlich kunstlos: unbelichtet, was auch immer die Beleuchtung sein mag, meh-Komposition., Doch jedes Subjekt bot sein eigenes reiches Material an, um nicht nur den Umstand, sondern auch das daraus resultierende emotionale Leben abzuleiten: den geballten Kiefer und die vorsichtigen Augen eines gut gekleideten Mannes in der U-Bahn, den Bergmann, der hinter geschwärzten Wangen schielte oder vielleicht zwinkerte. Insbesondere am Ende dieses Jahres, als viele von uns sich von den Fragen, wer wir sind, wer wir waren und wer wir sein könnten, mehr denn je durcheinander gebracht fühlen, erinnert uns eine Show wie diese daran, dass die Antworten nie einfach waren und es unerlässlich ist, dass wir weiter suchen. —Larissa Archer

7., Über Face at the Creative Alliance at the Patterson

Dezember 10, 2016–Januar 28, 2017

Als Amy Sherald ausgewählt wurde, das offizielle Präsidentenporträt der ehemaligen First Lady Michelle Obama für die National Portrait Gallery zu malen — die erste afroamerikanische Frau, die diese Ehre erhielt -, war sie eindeutig bereit, den Verlauf einer Kunstgeschichte zu verändern.von weißen männlichen Künstlern., Lange vor der großen Ankündigung hatte sich Sherald, eine Malerin verträumter Porträts, die sich auf Barkley Hendricks und Kerry James Marshall beziehen, mit anderen Künstlern abgestimmt, um eine Agenda der Vielfalt und Inklusion voranzutreiben. Die Gruppenausstellung About Face in der Hauptgalerie der Creative Alliance in Baltimore zeigte vier farbige Künstler, die wie Sherald ermächtigte schwarze Motive darstellen, die ein spürbares Gefühl von Agentur ausstrahlen. Die Show zeigte Rozeals japanisch inspirierte Grafikrollen, Tim Okamuras malerischen Realismus und Ebony G., Pattersons barocke faserbasierte Wandinstallationen feiern die jamaikanische Tanzkultur. Mit Sheralds romantischen Figuren im Zentrum erforschte About Face die Porträtmalerei als wirksames Instrument, um sich ein umfassenderes und authentischeres Amerika vorzustellen, eines, das von verschiedenen Autoren geschaffen wurde und frei von Tokenismus und Exotik ist. Zusammen wiesen diese Porträts auf eine zukünftige kunsthistorische Kanone hin, in der schwarze Gesichter und Figuren eher die Regel als die Ausnahme sind. —Cara Ober

8., DUOX4Odell ist: Sie werden Wissen, Wenn Sie Gehören durch Wickerham & Lomax

March 31 – April 28

Daniel Wickerham und Malcolm Lomax, auch bekannt gemeinsam als DUOX, wurde Sie Theater -, multi-media-Installationen, die mit digitalen collage, animation, interaktive video -, und web-design zu setzen queer-zentrierten Erzählungen seit 2009., Für Baltimore ’s zweite Iteration von Light City, einem stadtweiten Kunst-und Technologiefestival, wurde das Duo ausgewählt, um Odell‘ s zu erkunden, einen historischen Tanzclub, der von 1976 bis ’92 an der North Avenue existierte und als exklusives kulturelles Zentrum für die afroamerikanische Gemeinschaft diente. Nach ausführlichen Recherchen und Interviews stellte sich Wickerham & Lomax das kollektive Gedächtnis so vor, wie es derzeit existiert: eine mythische, Disco-beladene Oase., Das Ergebnis war ein ehrgeiziger digitaler Spielplatz mit baumelnden Discokugeln, überlebensgroßen, ausgeschnittenen Bildschirmen mit Silhouetten im Stil der 1970er Jahre, Musik und Videointerviews im Dokumentarstil. Eine radikale Abkehr vom linearen oder historischen Geschichtenerzählen, Sie werden wissen, ob Sie die Essenz eines legendären Ortes und einer legendären Zeit in der Geschichte von Baltimore durch sengende Farbe und maximales Design, inspiriert von Mode, eingefangen haben. —CO

9., Vermeer and the Masters of Genre Painting: Inspiration and Rivalry in der National Gallery of Art, Washington, DC

22. Oktober 2017–21. Januar 2018

Legend wichtigsten Werke von Johannes Vermeer bei denjenigen, die von seinen Zeitgenossen — darunter Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Pieter de Hooch, und Gabriel Metsu — diese Ausstellung beleuchtet die gegenseitige Befruchtung und des Wettbewerbs zwischen den führenden Künstlern des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei., Wir erkennen gemeinsame Themen, Kompositionen, Requisiten und Kostüme — Beweise dafür, dass selbst die innovativsten Maler des Tages aufmerksam waren, was ihre Mitmenschen taten. Vermeer dominiert, aber die Individualität aller eingeschlossenen Künstler ist klar. Und wir werden die niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts nie wieder so betrachten. —Karen Wilkin

1o., Auge Obst: Die Kunst des Franklin Williams am Art Museum of Sonoma County

13. Mai–3. September

, Franklin Williams war einer der eher obskuren Beispiele von nicht-klassifizierbaren Bay Area Künstler aus der späten 20sten Jahrhunderts. Im Jahr 2017 änderte Eye Fruit all das., Diese Show bot die erste und bisher einzige Retrospektive auf Williams ‚ massive Karriere und stellte die Kunstwelt insgesamt einem beeindruckenden Talent vor, dessen Arbeit die Destillation authentischer Selbstdarstellung ist. Es ist kein Wunder, dass Williams ‚ Kunst seitdem in LA in der Parker Gallery gezeigt wurde, derzeit bis Dezember 22 in New York City in der Karma Gallery ausgestellt ist und in naher Zukunft im Whitney Museum of American Art ausgestellt wird., Eye Fruit allein zeigte jedoch geschickt, was den Kunstzuschauern bevorstand, während andere die Aufgabe übernehmen, die unnachahmliche, mystische und faszinierende Kunst von Franklin Williams umfassend zu untersuchen., – Clayton Schuster

Jahr der Frau bei Now + There

Im Laufe des Jahres 2017

Eines der Highlights in Boston in diesem Jahr war keine Show genau, sondern eine Reihe von öffentlichen Kunstprojekten (plus eine Indoor-Ausstellung), die von der gemeinnützigen Public art Kuratorin/Produzentin Now + There zusammengestellt wurden., Unter dem übergreifenden Titel Jahr der Frau und mit einer Mission, die „das Erheben von Gemeinschaftsstimmen und die Erforschung der Kraft weiblicher Widerstandsfähigkeit und Kreativität“ beinhaltete, gab Now + zwei groß angelegte Wandmalprojekte in Auftrag.ein multimediales Geschichtenerzählungsprojekt in einem Schiffscontainer; und eine Galerieausstellung „-konzentriert sich auf Künstlerinnen“, die sich intensiv für nicht-traditionelle, kollaborative künstlerische Praktiken einsetzt.,“Die Serie umfasste Werke der lokalen Künstler Elisa Hamilton, Silvia López Chavez, Rania Matar, Maria Molteni, Chanel Thervil, Evelyn Rydz und der Safarani-Schwestern (Farzaneh und Bahareh Safarani) sowie Ann Lewis aus Detroit, die mit Bewohnern einer örtlichen Wiedereintrittseinrichtung für inhaftierte Frauen zusammenarbeitete. Mit Ausnahme von Ann Lewis waren alle Künstler lokal, und über die Hälfte waren farbige Frauen — eine seltene Kombination auf vielen Bostoner Wunschlisten, einschließlich meiner, für hochkarätige Unternehmen. —Heather Kapplow

12., Zhang Peili: Record, Repeat at the Art Institute of Chicago

30.März–9. Juli

Ich kicherte bei fast jeder Videoarbeit in dieser Ausstellung, der ersten US Museum Retrospektive von Zhang Peili. Bekannt als Chinas erster Videokünstler, zeichnet sich Peili durch seine abscheulichen Reaktionen auf chinesische Staatsmedien aus, die sowohl als Propaganda als auch als Unterhaltung produziert werden., Diese fesselnde Untersuchung seiner Arbeit von 1988 bis 2012, kuratiert von Orianna Cacchione, konzentrierte sich auf seine Affinität zur Wiederholung als mächtiges Werkzeug, um das zu stören, was normalerweise im chinesischen Fernsehen zu sehen ist, von Filmen aus der Kulturrevolution bis zu den täglichen Lesungen eines Nachrichtensenders. Drama wird als Komödie wiederbelebt, Wahrheit verwandelt sich allmählich in Blather — was jede Realität ausmacht, wird unergründlich, wird aber zunehmend in Frage gestellt. —Claire Voon

R. I. S. E.,: Nothing is Natural at Reed College

11.August–1. Oktober

Nothing is Natural wurde am Reed College vom indigenen Künstler Demian DinéYazhi‘, Kurator und Direktor der Cooley Art Gallery Stephanie Snyder, und dem indigenen Kunstkollektiv R. I. S. E. (Radical Indigenous Survivance and Empowerment) organisiert. Die Ausstellung, die Teil von Converge 45 in Portland, Oregon war, zeigte zwei Installationsarbeiten, eine am Ufer des Nebenflusses im Reed Canyon und eine im historischen Studentenverband., Die Outdoor-Installation des Kunstkollektivs Winter Count mit dem Titel „Nothing is Natural“ ist eine unglaublich ergreifende Arbeit, die den Begriff Gewalt gegen die natürliche Welt, Gewalt gegen Frauen und Gewalt gegen indigene Körper neu definiert. Eine Arbeit von Postcommodity,“ Gallup Motel Butchering, “ Beleuchtete die umstrittene Natur der Landschaft von Gallup, New Mexico als kommodifizierter Raum — Realitäten, die der Tourismus und die Reste der alten Route 66 dort noch vorhanden sind — und dass seine Identität als indigenes Gebiet oft ghettoisiert wird. —Erin Joyce

14.,: Phantom Revenant at the Bemis Center for Contemporary Arts

2.Februar–29. zwei Installationen, eine Live — Solo-Performance und zum ersten Mal eine partizipative Veranstaltung-all das bezieht sich auf die radikale Unmöglichkeit, die Gewalt gegen LGBTQI+ – Subjekte darzustellen., Ihre gleichnamige Performance mit dem Titel beinhaltete, dass der Künstler einen 2,000-Pfund-Tonblock in einen dunklen Raum stanzte. Das resultierende Objekt wurde bronziert und würde letztendlich zu einem Schwerpunkt für eine partizipative Arbeit werden, bei der der Künstler (mit Hilfe von Freunden und Verbündeten) die amorphe Struktur an strategisch ausgewählte Orte in der Innenstadt von Omaha schiebt und Gewalt sowie Feiern markiert, wie zum Beispiel den Ort der ersten Pride Parade. Weitere Grundlage der Ausstellung im Rahmen von „flyover country“ war die Integration des Queeren Omaha Archivs in die Ausstellung., —AP

15. Roger Brown: Immobilien-Gemälde auf Kavi Gupta

5.Mai–24. Juni

In der Kavi Gupta Gallery in Chicago, eine Retrospektive von Roger Brown: Estate Paintings, eine Auswahl von Gemälden und Skulpturen des wegweisenden imagistischen Künstlers, mit dem Sammeln kam für mich ganz natürlich, eine Reihe von nachgebauten Assemblagen von Objekten in Browns persönlichen Sammlungen aus seinem Haus in La Conchita, Kalifornien., Brown war ein gefräßiger Sammler von Außenseiterkunst und kultureller Ephemera, und die vielseitigen Tableaux im zweiten Stock von Kavi Gupta beleuchteten seine verspielten und cartoonistischen Gemälde im ersten Stock. Dass Brown sich mit einer solchen Mischung von Objekten umgab, deutet darauf hin, dass er „feine“ und „Volkskunst“ als zum selben Ganzen gehörend anerkannte. Er glättete die üblichen Unterscheidungen weiter ab, indem er „kollaborative“ Kompositionen schuf, in denen seine eigenen Gemälde als Hintergrund für Sets gefundener Keramik dienten., Die Ausstellungen im Kavi Gupta boten nicht nur einen überzeugenden Überblick über dieses Werk, sondern auch die Möglichkeit für Besucher, ihre eigenen Vorurteile in Bezug auf künstlerische Urheberschaft zu untersuchen. —SRS

16. „E“ Ist Für Elefanten: Die Radierungen von Edward Gorey am Massachusetts College of Art and Design (Massart Fort und nahm)

Januar 9-Februar 7

Einige der besten Shows im Jahr 2017 kamen aus den wunderbaren Archiven, auf die Institutionen Zugriff haben, insbesondere wenn sie bereit sind, in die Spiderweb-Ecken dieser Archive zu graben. Eine dieser Shows war E Is For Elephants: Die Radierungen von Edward Gorey, ein skurriler Blick auf Goreys späte Obsession mit Elefanten am Massachusetts College of Art., Es ist ein Fest für Goreys rätselhafte (und ausgesprochen queere) Art, die Welt zu sein, und es ist auch schön zu sehen, wie sich ein Meisterkünstler aktiv („fröhlich“, sagt Kurator James A. Edwards) dafür entscheidet, an einem Punkt seiner Karriere ein Community College-Neuling zu sein, als er sich als internationaler Kultheld leicht auf seinen Lorbeeren ausruhen konnte. —HK

17., Nick Cave: Bis zu MASS MoCA

15. Oktober 2016–September 4, 2017

Bis Mai nicht vorgestellten jede von Nick Cave ‚ s signature „Soundsuits,“aber das hat nicht verhindern, dass es als eines der denkwürdigsten Konzerte des Jahres. Dominiert von einer massiven Installation, die einen riesigen Lagerraum füllte, war die Ausstellung wie ein alternatives Universum., Es war eine etwas verwirrende Expedition, von einem Spaziergang durch die farbenfrohen „Windspinner“ bis hin zum Klettern auf leuchtend gelbe Leitern, um einen Nahblick auf die riesige Wolke aus Kronleuchtern, gesammelten Rasenverzierungen und verschiedenen Tchotchkes zu erhalten. Während er eine Art kindliches Wunder anrief, brachte er uns auch wieder in die Realität zurück, mit wiederholten Hinweisen auf einen durchdringenden amerikanischen Rassismus, insbesondere die Probleme von Waffengewalt und jungen schwarzen Männern, die von der Polizei getötet wurden. Selbst wenn Ihr Kopf buchstäblich in den Wolken ist, können Sie diesen beklagenswerten Rasenjockeys nicht entkommen. —Elena Goukassian

18., Sonnenaufgang, Sonnenuntergang am Emerson Dorsch

November 30, 2017–Januar 19, 2018

Der Titel dieser Show stammt aus der gleichnamigen Geschichte von Edwidge Danticat. Veröffentlicht in der New Yorker die gleiche Woche wie Hurrikan Irma-die für eine Zeit bestimmt schien Miami direkt zu treffen-Landfall in den Staaten gemacht, es ist eine Geschichte über familiäre Beziehungen, der Kampf zwischen ihnen zu kommunizieren, die Bedeutung des Lernens, einander zu verstehen, wenn das Leben flüchtig ist., In Little Haiti-genau wie die Geschichte-thematisieren die 15 Künstler der Ausstellung diese Themen auf ihre eigene Weise und beweisen, wie Kunst Botschaften über Sterblichkeit, Erinnerung und Familie sanft mildern kann. Kurator Tyler Emerson-Dorsch hat hervorragende Arbeit geleistet, um so unterschiedliche Stücke zu gruppieren; Jedes Werk schafft zärtlich Platz für das nächste, als ob es im Dialog wäre. —Monica Uszerowicz

19. Eric N., Mack: Vogue Stoffe an der Albright-Knox Art Gallery

18. Februar–18. Juni

Schreiben über meine Lieblings-Arbeit in diesem ein-Zimmer-Ausstellung „Willow innerhalb der Form der Prosa“ (2016)Ich sagte, dass es „destilliert das beste von Mack Fähigkeiten, etwas zu machen, schauen Sie gleichzeitig digital und analog, während Sie sich mit der Poesie des Materials und die Grenzen der Repräsentation.,“Diese Fähigkeit, Obsidianmaterialien zu transformieren, ist Teil der Magie von Macks Kunst. Er atmet mühelos (oder zumindest so) Leben in zerfetzte, schwache und sogar wehmütige Formen. —HV

20., Ken Gonzales-Day: Shadowlands im Minnesota Museum of American Art

19.und wie sich dieses Erbe rassisierter Gewalt auf unseren gegenwärtigen Moment auswirkt., Seine verheerende gelöschte Lynchserie manipuliert historische Fotos von Lynchmorden, so dass das Opfer nicht gesehen werden kann, minimiert den Schaden von wieder traumatisierenden Gemeinschaften, die diese Arbeit sehen könnten, und konzentriert sich auch auf die Täter von gewalttätigem Rassismus. Seine Suche nach Kaliforniens Hang Trees und Run-Up-Serie beschäftigt sich noch weiter kritisch mit der Geschichte des Rassismus in den USA und der ständigen Bedrohung durch schwarze und braune Körper in diesem Land., Mit viszeralen Bildern und provokanten narrativen und theatralischen Elementen stellte Gonzales-Day eine eindrucksvolle Untersuchung der hässlichen Vergangenheit und der gegenwärtigen Notlage unseres Landes vor. —Sheila Regan

John Dunkley: Weder Tag noch Nacht im Pérez Art Museum Miami

Mai 26, 2017–Januar 14, 2018

Die erste Einzelausstellung des autodidaktischen Künstlers außerhalb Jamaikas-und seine erste seit den 1970er Jahren-ist eine wunderschöne Show und auch eine treffend betitelte. Dunkleys Gemälde erinnern sowohl an die Dämmerung als auch an die grünen Farben des Tages, den üppigen Surrealismus der Fantasie und die ergreifende Realität des Lebens in einem Kolonialgebiet., Als Dunkley nach seiner Arbeit in Panama in seine Heimat Jamaika zurückkehrte, eröffnete er in Kingston einen Friseursalon und verfeinerte sein Handwerk nebenbei; Es waren die 1920er Jahre, als die ideologischen Grundlagen für die spätere Unabhängigkeit des Landes gelegt wurden. Sogar die nächtlichen Landschaften in seinem kleinen Werk — es umfasst rund 50 Gemälde und einige figurative Skulpturen, die Kuratorin Diana Nawi und Ausstellungsassistentin Kuratorin Nicole Smythe-Johnson ausgiebig erforscht haben — wirken von innen heraus jenseitig und beleuchtet., Ein herausragendes: ein Porträt von Präsident Roosevelt, datiert zu der Zeit, als er nach Jamaika reiste, um einen Ort zu besuchen, der schließlich zu einem US-Luftwaffenstützpunkt werden sollte, Bewohner aus ihren Häusern vertreiben. —MU

Yarrow Mamout in der Smithsonian National Portrait Gallery

19., Wir müssen Geschichten über Muslime in den USA erzählen, insbesondere über diejenigen, die darüber aufklären, wie wichtig es ist, Menschen aus allen Lebensbereichen und Kulturen aufzunehmen, die in diesem Land sein wollen. Dies war eine kleine Geste, die vor der Wahl perfekt gemacht wurde, und ihre Resonanz änderte sich bald darauf und bot Hoffnung für eine Zeit, in der Muslime in den US-Medien weniger verunglimpft wurden. Dieses kleine Porträt war ein Leuchtfeuer der Hoffnung und ein großes Lob an Kuratorin Asma Naeem für ihre Weitsicht und Hingabe, die gesamte Geschichte der amerikanischen Kunst zu erzählen., —HV

Njideka Akunyili Crosby: Vorgänger im Contemporary Arts Center, Cincinnati

15. Juli–1. Oktober

In seinen Vorgängern schuf Njideka Akunyili Crosby Stillleben-Tableaus und kraftvolle Porträts, indem er eine Melange von Bildern mit erstaunlicher Politur und Anmut kombinierte. Was sich möglicherweise wie ein überwältigendes Mischmasch aus Bildern anfühlen könnte, wurde stattdessen zu einem fließenden Wandteppich, der von Crosbys außergewöhnlicher Sensibilität für Balance, Perspektive und Palette gesteuert wurde., Diese Ausstellung, die von CAC und dem Tang Museum am Skidmore College mitorganisiert wurde, war das erste Mal, dass sogar Crosby alle Arbeiten seiner Vorgänger sehen konnte, eine Serie, die sich über mindestens ein halbes Jahrzehnt erstreckt, zusammen ausgestellt. Die intime Galerie im CAC, in der diese fünf großformatigen Arbeiten auf Papier untergebracht waren, hatte ein kapellenähnliches Gefühl und bot sowohl die Intimität als auch die Ruhe, die erforderlich war, um so schön dichte und durchdringend direkte Bilder aufzunehmen., – SRS