Modernismo

en Alemania Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a huir a los Estados Unidos cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo atonal modernista, así como a su ascendencia judía. Sus principales obras de este período Son un concierto para violín, Op. 36 (1934/36), y un concierto para Piano, Op.42 (1942). Schoenberg también escribió música tonal en este período Con La Suite para cuerdas en Sol Mayor (1935) y la Sinfonía de cámara NO.2 en mi minor menor, Op. 38 (iniciada en 1906, terminada en 1939)., Durante este tiempo el modernista húngaro Béla Bartók (1881-1945) produjo una serie de obras importantes, incluyendo música para cuerdas, percusión y Celesta (1936) y el Divertimento para orquesta de cuerdas (1939), Cuarteto de cuerdas No.5 (1934), y no. 6 (su último, 1939). Pero él también se fue a Estados Unidos en 1940, debido al ascenso del fascismo en Hungría. Igor Stravinsky (1882-1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en tres movimientos (1945)., También emigró a los Estados Unidos a causa de la Segunda Guerra Mundial. Olivier Messiaen (1908-1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y fue encarcelado en Stalag VIII-A por los alemanes, donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps («Cuarteto para el fin de los tiempos»). El cuarteto se estrenó en enero de 1941 ante una audiencia de prisioneros y guardias de prisión.,

en la pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión, el modernismo se definió por el surrealismo, El cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, el expresionismo alemán y los pintores modernistas y maestros del color como Henri Matisse y Pierre Bonnard, así como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky que caracterizaron la escena artística europea., En Alemania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Estados Unidos, el modernismo se ve en la forma de pintura de escenas estadounidenses y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían comentarios políticos y sociales dominaron el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, y otros se hicieron prominentes., El modernismo se define en América Latina por los pintores Uruguayos Joaquín Torres-García y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado, y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo, iniciaron un renacimiento de las artes para la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.

Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, Man at the Crossroads, en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center., Cuando su patrón Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y el trabajo inacabado fue finalmente destruido por el personal de Rockefeller. Las obras de Frida Kahlo se caracterizan a menudo por sus duras representaciones del dolor. Kahlo estaba profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo que es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos también se representan a menudo en su trabajo; combinó elementos de la tradición religiosa clásica mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos., Las obras simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura.

el activismo político fue una pieza importante de la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estaba profundamente arraigado en la Revolución Mexicana. El período de 1920 a la década de 1950 se conoce como el Renacimiento Mexicano, y Siqueiros fue activo en el intento de crear un arte que a la vez, Mexicana y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.,

durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas conectados al Surrealismo, incluido Pablo Picasso. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania Nazi. Los alemanes estaban atacando para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar al Gobierno Vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica del tamaño de un mural para conmemorar los horrores del bombardeo.,

durante la Gran Depresión de la década de 1930 y a través de los años de la Segunda Guerra Mundial, El Arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena estadounidense, en la obra de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, y varios otros . Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro tarde en la noche. No es solo la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles en el arte estadounidense., La escena fue inspirada por un restaurante en Greenwich Village. Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor. Después de este evento hubo una gran sensación de melancolía sobre el país, una sensación que se retrata en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes aparentemente está mirando o hablando con los demás, sino que se pierde en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.

American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930., Retrata a un granjero que sostiene una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo gótico carpintero, es una de las imágenes más familiares en el arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura; como Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo., Por lo tanto, fue visto como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, a lo largo de las líneas de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis de 1920 Main Street, y Carl Van Vechten de la Condesa tatuada en la literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura llegó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.

la situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que el poder de los Nazis en Alemania y en toda Europa del Este aumentó., Arte degenerado fue un término adoptado por el régimen Nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno. Dicho arte fue prohibido por ser de naturaleza bolchevique No alemana o judía, y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sometidos a sanciones. Estos incluían ser despedidos de puestos de enseñanza, estar prohibido exhibir o vender su arte, y en algunos casos estar prohibido producir arte por completo. Arte degenerado fue también el título de una exposición, montada por los Nazis en Munich en 1937., El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción que muchos se fueron a las Américas. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa hacia Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de jóvenes y emocionantes pintores modernistas liderados por Arshile Gorky, Willem De Kooning y otros recién comenzaban a alcanzar la mayoría de edad.

el retrato de alguien que podría ser Willem De Kooning de Arshile Gorky es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D., Graham, Gorky creó composiciones figurativas de forma biomórfica y abstracta que en la década de 1940 evolucionaron en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un cuidadoso análisis de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.