Moderne

In Deutschland musste Arnold Schönberg (1874-1951) 1933 wegen seines modernistischen atonalen Stils sowie seiner jüdischen Abstammung in die USA fliehen, als Hitler an die Macht kam. Seine wichtigsten Werke aus dieser Zeit sind ein Violinkonzert Op. 36 (1934/36) und ein Klavierkonzert Op. 42 (1942). In dieser Zeit schrieb Schönberg auch tonale Musik mit der Suite für Streicher G-Dur (1935) und der Kammersinfonie Nr., Während dieser Zeit produzierte der ungarische Modernist Béla Bartók (1881-1945) eine Reihe wichtiger Werke, darunter Musik für Streicher, Schlagzeug und Celesta (1936) und das Divertimento für Streichorchester (1939), Streichquartett Nr. Aber auch er ging 1940 wegen des Aufstiegs des Faschismus in Ungarn in die USA. Igor Strawinsky (1882-1971) schrieb in den 1930er und 1940er Jahren in seinem neoklassizistischen Stil weiter und schrieb Werke wie die Symphonie der Psalmen (1930), Symphonie in C (1940) und Symphonie in drei Sätzen (1945)., Olivier Messiaen (1908-1992) diente jedoch während des Krieges in der französischen Armee und wurde bei Stalag VIII-A von den Deutschen inhaftiert, wo er sein berühmtes Quatuor pour la fin du temps („Quartett für das Ende der Zeit“) komponierte. Das Quartett wurde erstmals im Januar 1941 vor einem Publikum von Gefangenen und Gefängniswärtern aufgeführt.,

In der Malerei wurde die Moderne in den 1920er und 1930er Jahren und in der Weltwirtschaftskrise durch Surrealismus, Spätkubismus, Bauhaus, De Stijl, Dada, deutschen Expressionismus und modernistische und meisterhafte Farbmaler wie Henri Matisse und Pierre Bonnard sowie die Abstraktionen von Künstlern wie Piet Mondrian und Wassily Kandinsky definiert, die die europäische Kunstszene auszeichneten., In Deutschland politisierten Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz und andere ihre Gemälde und ließen das Kommen des Zweiten Weltkriegs ahnen, während in Amerika die Moderne in Form der amerikanischen Szenenmalerei und der Bewegungen des sozialen Realismus und Regionalismus gesehen wird, die sowohl politische als auch soziale Kommentare enthielten, die die Kunstwelt dominierten. Künstler wie Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh und anderen prominenten wurde., Die Moderne wird in Lateinamerika von den Malern Joaquín Torres-García aus Uruguay und Rufino Tamayo aus Mexiko definiert, während die Wandmalerbewegung mit Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez und Santiago Martínez Delgado und symbolistischen Gemälden von Frida Kahlo eine Renaissance der Künste für die Region begann, die sich durch eine freiere Verwendung von Farbe und eine Betonung politischer Botschaften auszeichnete.

Diego Rivera ist vielleicht am besten von der öffentlichen Welt für sein Wandbild von 1933 bekannt, Mann an der Kreuzung, in der Lobby des RCA-Gebäudes im Rockefeller Center., Als sein Patron Nelson Rockefeller entdeckte, dass das Wandbild ein Porträt von Wladimir Lenin und andere kommunistische Bilder enthielt, feuerte er Rivera, und das unvollendete Werk wurde schließlich von Rockefellers Mitarbeitern zerstört. Frida Kahlos Werke zeichnen sich oft durch ihre starken Schmerzdarstellungen aus. Kahlo war stark von der indigenen mexikanischen Kultur beeinflusst, was sich in den leuchtenden Farben und der dramatischen Symbolik ihrer Bilder zeigt. Christliche und jüdische Themen werden oft auch in ihrer Arbeit dargestellt; Sie kombinierte Elemente der klassischen religiösen mexikanischen Tradition, die oft blutig und gewalttätig waren., Frida Kahlos symbolistische Arbeiten beziehen sich stark auf den Surrealismus und die Bewegung des magischen Realismus in der Literatur.

Politischer Aktivismus war ein wichtiger Teil des Lebens von David Siqueiros und inspirierte ihn häufig dazu, seine künstlerische Karriere beiseite zu legen. Seine Kunst war tief in der mexikanischen Revolution verwurzelt. Die Zeit von den 1920er bis 1950er Jahren ist als mexikanische Renaissance bekannt, und Siqueiros war aktiv in dem Versuch, eine Kunst zu schaffen, die gleichzeitig mexikanisch und universell war. Der junge Jackson Pollock besuchte den Workshop und half beim Bau von Schwimmern für die Parade.,

In den 1930er Jahren prägte die radikale linke Politik viele der mit dem Surrealismus verbundenen Künstler, darunter Pablo Picasso. April 1937, während des Spanischen Bürgerkriegs, wurde die baskische Stadt Gernika von der deutschen Luftwaffe bombardiert. Die Deutschen griffen an, um die Bemühungen von Francisco Franco zu unterstützen, die baskische Regierung und die spanische republikanische Regierung zu stürzen. Pablo Picasso malte seine Guernica in Wandgröße, um den Schrecken der Bombardierung zu gedenken.,

Während der Weltwirtschaftskrise der 1930er Jahre und in den Jahren des Zweiten Weltkriegs war die amerikanische Kunst von sozialem Realismus und amerikanischer Szenenmalerei geprägt, in der Arbeit von Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton und einigen anderen. Nighthawks (1942) ist ein Gemälde von Edward Hopper, das Menschen porträtiert, die spät in der Nacht in einem Diner in der Innenstadt sitzen. Es ist nicht nur Hoppers berühmtestes Gemälde, sondern eines der bekanntesten in der amerikanischen Kunst., Die Szene wurde von einem Diner in Greenwich Village inspiriert. Hopper begann es unmittelbar nach dem Angriff auf Pearl Harbor zu malen. Nach diesem Ereignis gab es ein großes Gefühl der Düsterkeit über das Land, ein Gefühl, das auf dem Gemälde dargestellt wird. Die urbane Straße ist außerhalb des Restaurants leer, und im Inneren schaut anscheinend keiner der drei Gönner zu den anderen, sondern geht in ihren eigenen Gedanken verloren. Diese Darstellung des modernen städtischen Lebens als leer oder einsam ist ein gemeinsames Thema in Hoppers Arbeit.

American Gothic ist ein Gemälde von Grant Wood aus dem Jahr 1930., Es porträtiert einen Heugabel haltenden Bauern und eine jüngere Frau vor einem Haus im gotischen Schreinerstil und ist eines der bekanntesten Bilder in der amerikanischen Kunst des 20. Kunstkritiker hatten günstige Meinungen über das Gemälde; wie Gertrude Stein und Christopher Morley, Sie nahmen an, dass das Gemälde eine Satire des ländlichen Kleinstadtlebens sein sollte., Es wurde daher als Teil des Trends zu zunehmend kritischen Darstellungen des ländlichen Amerikas gesehen, nach dem Vorbild von Sherwood Andersons 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis ‚1920 Main Street und Carl Van Vechten‘ s The Tattooed Countess in literature. Mit dem Beginn der Weltwirtschaftskrise wurde das Gemälde jedoch als eine Darstellung des standhaften amerikanischen Pioniergeistes angesehen.

Die Situation für Künstler in Europa in den 1930er Jahren verschlechterte sich rapide, als die Macht der Nazis in Deutschland und in ganz Osteuropa zunahm., Entartete Kunst war ein Begriff, der vom NS-Regime in Deutschland für praktisch alle modernen Kunst übernommen wurde. Solche Kunst wurde verboten, weil sie undeutscher oder jüdischer bolschewistischer Natur war und diejenigen, die als entartete Künstler identifiziert wurden, Sanktionen ausgesetzt waren. Dazu gehörten die Entlassung aus Lehrpositionen, das Verbot, ihre Kunst auszustellen oder zu verkaufen, und in einigen Fällen das Verbot, Kunst vollständig zu produzieren. Entartete Kunst war auch der Titel einer Ausstellung, die 1937 von den Nazis in München aufgestellt wurde., Das Klima wurde für Künstler und Kunst, die mit Moderne und Abstraktion verbunden waren, so feindselig, dass viele nach Amerika gingen. Der deutsche Künstler Max Beckmann und viele andere flohen aus Europa nach New York. In New York City begann gerade eine neue Generation junger und aufregender modernistischer Maler unter der Leitung von Arshile Gorky, Willem de Kooning und anderen zu altern.

Arshile Gorkis Porträt von jemandem, der Willem de Kooning sein könnte, ist ein Beispiel für die Entwicklung des abstrakten Expressionismus aus dem Kontext von Figurenmalerei, Kubismus und Surrealismus. Zusammen mit seinen Freunden de Kooning und John D., Später schuf Gorki biomorph geformte und abstrahierte figurative Kompositionen, die sich in den 1940er Jahren zu völlig abstrakten Gemälden entwickelten. Gorkis Arbeit scheint eine sorgfältige Analyse von Gedächtnis, Emotion und Form zu sein, wobei Linie und Farbe verwendet werden, um Gefühl und Natur auszudrücken.