(foto: Allison Meier/ilustração Hrag Vartanian)
Este ano, nossos programas favoritos NOS eua foram especialmente peculiar. Não há muitos nomes blockbuster nesta lista; em vez disso, a maioria dessas exposições cuidadosamente explorar um tema, ou introduzir um artista negligenciado do passado. Os vários museus, galerias e espaços apresentados aqui vão da área da baía a Boston (temos listas separadas para Brooklyn, Nova Iorque e Los Angeles)., Em nossas melhores seleções, escolhemos destacar três projetos e séries de longo prazo que nos impressionaram na profundidade de sua pesquisa e ambição de seu escopo. Com tantos shows chegando e indo, é refrescante ver organizações e museus se comprometendo com uma única ideia ou tema por longos períodos.,o John Michael Kohler Arts Center (JMKAC) comemorou seu 50º aniversário com uma rotação de um ano de sua coleção de ambientes de arte, desde a casa de Loy Bowlin (também conhecido como o “Cowboy Rinoceronte”) até o concreto de Fred Smith e esculturas de vidro de pessoas e animais. Muitas dessas obras são ambientes de arte completa, como a “máquina de cura” de Emery Blagdon reconstruída a partir do Nebraska rural com celulares de arame farpado e alumínio destinados a aproveitar a energia da Terra., Então ver tantos em vista nas galerias de uma vez foi algo especial, e comemorou como JMKAC tem sido um líder em reconhecer o valor de salvar ambientes de artistas, e considerá-los dentro da maior história da Arte Americana. – Allison Meier
2. Perspectiva.,4: A Lotus, Apesar de o Pântano de New Orleans
Radcliffe Bailey, “Navio” (2017), no Crescente Parque (foto por Paddy Johnson)
18 de novembro, 2017–15 de fevereiro de 2018
A quarta iteração da cidade grande exposição inclui obras de 73 artistas, que são baseados principalmente NOS eua, Caribe, América latina e Europa. Organizado pelo curador Trevor Schoomaker, Prospect 4 está espalhado por 17 locais, incluindo tudo, desde museus de arte e jazz a uma loja de antiguidades e outdoors, e é acompanhado por mais de 100 exposições por satélite., Enquanto as obras de arte específicas do site, como o “vaso” poético de Radcliffe Bailey, espalhadas por Crescent park são um destaque particular, não há ninguém no trienal que rouba o show — pelo menos ainda não: ainda por vir É o “Kataswof Karavan” de Kara Walker, que vai estrear durante a semana de encerramento em fevereiro. – Alpesh Patel
3. No horizonte: arte cubana contemporânea do Jorge M., Pérez Collection at the Pérez Art Museum Miami
June 9, 2019-April 8, 2018
Internal Landscapes, the first iteration in the multipart On the Horizon, focused on a fraught motif in the Cuban historical and aesthetic cosmology, the horizon, and specifically how it relates to the body., A Curação é inteligentemente expansiva; o show engloba os muitos registros da diáspora e do exílio que enquadram a experiência cubana, com obras em vista por artistas nascidos em Miami, artistas nascidos na ilha e vivendo lá como Yoan Capote, aqueles baseados em outros lugares como Nova York, e canônicos Gigantes Cubanos, baseados em Miami, como José Bedia e Gory. A relação profundamente complexa com a água e o horizonte está envolvida em formas complexas, evocativas e nunca redutoras., —Laila Pedro
Fala/Atos no Instituto de Arte Contemporânea, Universidade de Pensilvânia
13 de setembro–23 de dezembro
Jibade-Khalil Huffman do “Gradiente” (2015) e Kameelah Janan Rasheed do “porque gwendolyn brooks disse: ” nós ocorrer em qualquer lugar'” (2017) na Fala/Atos (foto Hrag Vartanian/Hyperallergic)
o Que faz experimental preto poesia tem a ver com a arte contemporânea? Tudo, e este programa, organizado por Meg Onli, tornou o caso fácil., Às vezes conscientemente opaco, outras vezes extremamente acessível, Onli foi capaz de criar um show que permitiu que as obras fossem vistas em seus próprios termos, enquanto esculpindo um espaço que afirmava a centralidade da fala e das palavras no trabalho desses artistas. Além disso, as instalações da parede poética de Kameelah Janan Rasheed estavam emocionalmente apegadas à forma como pareciam imitar os padrões muitas vezes esotéricos da linguagem e do pensamento. – Hrag Vartanian
5., Uma Mulher Perigosa: o Subversion e o Surrealismo na Arte de Honoré Sharrer no Columbus Museum of Art (CMA)
Honoré Sharrer, “Ressurreição da Garçonete” (1984), óleo sobre tela (imagem cortesia do Columbus Museum of Art)
10 de fevereiro–21 de Maio
– Americana Surrealista Honoré Sharrer desapareceu da vista do público no início de sua carreira, eclipsada pela tendência predominante do Expressionismo Abstrato e forçado a se mudar para o Canadá, em meados da década de 1950 por causa de sua franco Comunista crenças., Uma Mulher Perigosa: o Subversion e o Surrealismo na Arte de Honoré Sharrer no Columbus Museum of Art (CMA) é o primeiro inquérito desde meados do século 20 obras do artista, muitos dos quais são, por empréstimo, de sua propriedade, e apresenta uma grande parte de uncelebrated potência de vários estilos, incluindo Rockwell-esque representações do cotidiano da vida Americana e inquietante, decididamente feminina Surrealista retrato. O crédito é devido à CMA por montar uma exposição notável sobre um artista fascinante digno de consideração mais profunda. – Sarah Rose Sharp
6., Walker Evans no San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)
Walker Evans, “Caminhão e Assinar” (1928-30), impressão prata em gelatina, coleção particular, são Francisco (© Walker Evans Arquivo, o Metropolitan Museum of Art, Nova York)
em 30 de setembro de 2017–fevereiro 4, 2018
A noção de que o vernáculo — o popular, útil, unfancy — poderia ter um lugar no reino da arte, certamente, parecia uma contradição, antes de Walker Evans., Mas a retrospectiva massiva de SFMOMA revela que este fenômeno peculiarmente americano não é nenhuma contradição. Nunca apanharão o Evans a arranjar a luz assim, ou a discutir a composição para efeitos dramáticos. Tais dispositivos parecem completamente gimmicky depois de tomar no corpo simples, unfussy, mas vívido e revelatory do trabalho que poderia servir como um lexicon visual para as verdades unglamorous, às vezes devastating do século Americano. Seus retratos, por exemplo, parecem quase enfurecidamente sem arte: não expostos, qualquer que seja a iluminação, composição de meh., No entanto, cada sujeito oferecia o seu próprio material rico para deduzir não só as circunstâncias, mas a vida emocional decorrente dessa circunstância: a mandíbula cerrada e os olhos cautelosos de um homem bem vestido no metrô, o mineiro guinchando, ou talvez piscando, por trás das bochechas enegrecidas. No final deste ano, em particular, quando muitos de nós se sentem mais atropelados do que nunca com as perguntas de quem somos, o que somos, e que podemos ser, um show como este nos lembra que as respostas nunca foram fáceis, e é imperativo que nós continue procurando. – Larissa Archer
7., Sobre o Rosto da Aliança Criativa no Patterson
Amy Sherald detalhe (foto de Cara Ober)
dia 10 de dezembro de 2016–janeiro 28, 2017
Quando Amy Sherald foi selecionado para pintar o oficial Presidencial Retrato do Ex-Primeira-Dama Michelle Obama para a National Portrait Gallery — a primeira mulher afro-Americana a receber esta honra — ela tornou-se a única preparada para alterar o curso de uma história da arte dominada por homens brancos e artistas., Muito antes do grande anúncio, Sherald, um pintor de retratos sonhadores que referencia Barkley Hendricks e Kerry James Marshall, tinha se alinhado com outros artistas para avançar uma agenda de diversidade e inclusão. A exposição do grupo, sobre Face, na “Creative Alliance Main Gallery” De Baltimore apresentou quatro artistas de cor que, como Sherald, retratam sujeitos Negros capacitados que exudam um sentido palpável de agência. O show contou com pergaminhos gráficos inspirados em japonês por Rozeal, realismo pintado por Tim Okamura, e Ebony G., Instalações de paredes barrocas baseadas em fibras de Patterson celebrando a cultura de dança jamaicana. Com as figuras românticas de Sherald no centro, sobre o retrato explorado Face como uma ferramenta eficaz para imaginar uma América mais inclusiva e autêntica, uma criada por diversos autores e desprovido de tokenismo e exotismo. Juntos, estes retratos apontavam para um futuro canhão histórico de arte onde rostos negros e figuras são a regra, ao invés da exceção. – Cara Ober
8., DUOX4Odell é: Você vai Saber Se Você Pertence Wickerham & Lomax
Duox para Odell imagens por Joseph Hyde
31 de Março – dia 28 de abril
Daniel Wickerham e Malcolm Lomax, também conhecido, de forma colaborativa, como DUOX, têm vindo a fazer teatral, instalações multimídia que usam a colagem digital, animação, vídeo interativo, e web design para postular queer-centrado narrativas desde 2009., Para a segunda iteração de Baltimore de Light City, um festival de arte e Tecnologia em toda a cidade, a dupla foi selecionada para explorar Odell’s, um clube de dança histórico que existiu de 1976 a 1992 na North Avenue e serviu como um centro cultural exclusivo para a comunidade afro-americana. Depois de realizar pesquisas exaustivas e entrevistas, ao invés de tentar replicar o salão de dança como ele era, Wickerham & Lomax imaginou a memória coletiva como ela atualmente existe: um paraíso mítico, carregado de disco., O resultado foi um playground digital ambicioso com bolas de disco dangling, telas de corte maiores do que a vida retratando silhuetas estilo de 1970, música e documentários de vídeo entrevistas. Uma mudança radical da narrativa linear ou Histórica, você saberá se você pertence capturado a essência de um lugar lendário e tempo na história de Baltimore através de cores vivas e design maximal inspirado na moda. – CO
9., A Vermeer e os Mestres da Pintura de Gênero: a Inspiração e a Rivalidade na National Gallery of Art, Washington, DC
em 22 de outubro de 2017–21 de janeiro de 2018
colocando-chave obras de Johannes Vermeer, entre os seus contemporâneos, incluindo Gerard ter Borch, Gerrit Dou, Pieter de bebida alcoólica, e Gabriel Metsu — esta exposição ilumina a fertilização e a concorrência entre os principais artistas da época de Ouro da pintura holandesa., Reconhecemos temas comuns, composições, adereços e figurinos — evidência de que até os pintores mais inovadores da época estavam atentos ao que seus companheiros estavam fazendo. Vermeer domina, mas a individualidade de todos os artistas incluídos é clara. E nunca mais veremos a pintura holandesa do século XVII da mesma forma. – Karen Wilkin
1o., Eye Fruit: The Art of Franklin Williams at the Art Museum of Sonoma County
Installation view of Eye Fruit: The Art of Franklin Williams at the Art Museum of Sonoma County
May 13–September 3
Franklin Williams had been one of the more arcane examples of unclassifiable Bay Area artists from the late 20th century. Em 2017, O Eye Fruit mudou tudo isso., Este show ofereceu a primeira e, até agora, a única retrospectiva sobre a carreira massiva de Williams, introduzindo o mundo da arte em geral a um talento formidável cujo trabalho é a própria destilação da autêntica auto-expressão. Não é de admirar que a arte de Williams tenha sido desde então mostrada em LA na Parker Gallery, está atualmente em exposição até 22 de dezembro em Nova York na Karma Gallery, e será exibido no Whitney Museum of American Art em um futuro próximo., Apenas o “Eye Fruit”, no entanto, mostrou habilmente o que estava reservado para os espectadores de arte, enquanto outros assumem a tarefa de examinar exaustivamente a inimitável, mística e fascinante arte de Franklin Williams., —Clayton Schuster
Ano da Mulher em Agora + Lá
Silvia Lopez Chavez trabalhar no “Comportamento Modelado” (foto por Dominic Chávez)
ao Longo de toda 2017.
Um dos Boston destaques este ano não foi um show exatamente, mas uma série de projetos de arte pública (além de um interior de exposição), reunidas pelo público sem fins lucrativos curador de arte/produtor Agora + Lá., Sob o grande Ano do título da Mulher, e com uma missão, que incluiu “levantando as vozes da comunidade, e explorar o poder do feminino resiliência e criatividade,” Agora + Lá encomendou a dois em grande escala de projetos de murais; um multimídia de contar histórias de projeto em um contêiner de transporte; e uma galeria de exposições laser focado em mulheres artistas “ferozmente empenhado para que não-tradicionais, práticas artísticas colaborativas.,”A série de obras de artistas locais Elisa Hamilton, Silvia López Chávez, Rania Matar, Maria Molteni, Chanel Thervil, Evelyn Rydz, e o Safarani Irmãs (Farzaneh e Bahareh Safarani), bem como de Detroit Ann Lewis, que colaborou com os moradores de um local de reentrada facilidade para mulheres prisioneiras. Com exceção de Ann Lewis, todos os artistas eram locais, e mais da metade eram mulheres de cor — uma combinação escassa em muitas listas de desejos de Boston, incluindo a minha, para empreendimentos de alto perfil. – Heather Kapplow
12., Zhang Peili: Registro, Repetição do Instituto de Arte de Chicago
Zhang Peili, ainda de “Documento de Higiene No. 3” (1991) (imagem cortesia do Instituto de Arte de Chicago)
entre 30 de Março e 9 de julho
eu me encontrei rindo de quase todos os vídeos que trabalho nesta exposição, o museu retrospectivo, de Zhang Peili. Conhecido como o primeiro artista de vídeo da China, Peili se destaca em suas respostas chorosas para a mídia estatal chinesa, produzido tanto como propaganda e entretenimento., Esta pesquisa cativante de seu trabalho de 1988 a 2012, curada por Orianna Cacchione, focou em sua afinidade pela repetição como uma poderosa ferramenta para perturbar o que é normalmente visto na televisão chinesa, desde filmes da era da Revolução Cultural até as leituras diárias de uma emissora de notícias. O Drama é rehashed como a comédia, a verdade gradualmente se transforma em blather-o que constitui qualquer realidade torna-se inescrutável, mas cada vez mais sujeito à questão. – Claire Voon
R. I. S. E., Nada é Natural no Reed College
(imagem cortesia Reed College)
no dia 11 de agosto–1º de outubro
Nada é Natural, foi organizado no Reed College, Indígenas artista Demian DinéYazhi’, curador e Diretor do Cooley Galeria de Arte Stephanie Snyder e Indígenas colectiva de artes plásticas R. I. S. E. (Radical Indígenas Survivance e Capacitação). A exposição, que fazia parte do Converge 45 em Portland, Oregon, contou com duas obras de instalação, UMA ao longo das margens do afluente em Reed Canyon, e uma na União Estudantil histórica., A instalação ao ar livre, criada pelo coletivo de arte Winter Count, intitulada “nada é Natural”, é um trabalho incrivelmente pungente, redescobrindo a noção de violência contra o mundo natural, violência contra as mulheres e violência contra os corpos indígenas. Um trabalho Postcommodity, “Gallup Motel Massacrar,” iluminado recorrida natureza da paisagem da Gallup, Novo México como um commodified espaço — realidades que o turismo e os remanescentes da antiga Rota 66 ainda ali presentes — e que a sua identidade como um território Indígena é, muitas vezes, ghettoized. – Erin Joyce
14.,: Phantom Revenant na Bemis Center for Contemporary Arts
Cassils, “Monumento Push” (desempenho), a Bemis Center for Contemporary Arts, Omaha, 2017 (foto de João Ficenec, imagem cortesia do artista e Ronald Feldman Fine Art, de NY)
2 de fevereiro–abril 29, 2017
Como parte de sua exposição individual, de gênero não-conformes artista Cassils apresentou duas instalações, uma live performance solo e, pela primeira vez, um participativa do evento — que se referem a radical impossibilidade de representar a violência contra LGBTQI+ assuntos., Seu epônimo performance incluiu o artista perfurando um bloco de argila de 2.000 libras em uma sala escura. O objeto resultante foi bronzeado e, em última análise, se tornaria um ponto focal para um trabalho participativo que envolvia o artista (com a ajuda de amigos e aliados) empurrando a estrutura amorfa em torno de locais estrategicamente escolhidos no centro de Omaha, marcando a violência, bem como celebração, como a localização do primeiro desfile do orgulho. Além disso, a exposição no contexto do “país do viaduto” foi a integração dos arquivos Queer Omaha na exposição., – AP
15. Roger Brown: pinturas imobiliárias em Kavi Gupta
Roger Brown, ” Aha! Heterossexuais Foda Demais” (1991) (foto: Sarah Rose Sharp)
5–24 de junho
Na Kavi Gupta gallery em Chicago, uma retrospectiva emparelhado Roger Brown: Espólio de Pinturas, uma seleção de pinturas e esculturas de seminal Imagist artista, com a Coleta foi muito natural para mim, uma série de recriada conjuntos de objetos em Brown coleções pessoais de sua casa em La Conchita, Califórnia., Brown era um colecionador voraz de arte de fora e efémera cultural, e os quadros ecléticos no segundo andar de Kavi Gupta iluminaram suas pinturas lúdicas e cartunias na primeira. Que Brown escolheu cercar-se com tal mistura de objetos sugere que ele reconheceu a arte “fina” e “popular” como pertencendo ao mesmo todo. Ele ainda achatou as distinções habituais, criando composições “colaborativas”, nas quais suas próprias pinturas serviram como fundos para conjuntos de cerâmica encontrada., As exposições em Kavi Gupta ofereciam não só uma pesquisa convincente dessa obra, mas uma oportunidade para os visitantes examinarem seus próprios preconceitos em relação à autoria artística. – SRS
16. “E” Is For Elephants: The Etchings of Edward Gorey at the Massachusetts College of Art and Design (MASSART)
Edward Gorey, “Elephant with Prostrate Passenger.,”(imagem cortesia de Edward Gorey Casa, Yarmouth Port, MA & o Edward Gorey Charitable Trust)
9 de janeiro–7 de fevereiro
Alguns dos melhores shows em 2017 veio do maravilhoso arquivos instituições têm acesso, especialmente quando eles estão dispostos a cavar a teia de aranha dos cantos desses arquivos. Um desses shows foi E Is for Elephants: The Etchings of Edward Gorey, a quirky look at the late-in-life obsession with elephants at the Massachusetts College of Art., Uma celebração da maneira enigmática (e decididamente estranha) de Gorey de ser o mundo, também é bom ver um mestre artista, ativamente (“alegremente”, diz O curador James A. Edwards,) escolhendo ser um novato da comunidade faculdade em um ponto em sua carreira, quando, como um herói de culto internacional, ele poderia facilmente ter descansado em seus louros. – Hk
17., Nick Cave: Até que a MASSA MoCA
Nick Cave, “Até”, detalhe (foto: Robert Moeller para Hyperallergic)
em 15 de outubro de 2016–4 de setembro de 2017.
Até pode não ter qualquer destaque de Nick Cave assinatura do “Soundsuits,”mas isso não o impede de ser um dos mais memoráveis shows do ano. Dominada por uma instalação massiva que enchia um enorme espaço de armazém, a exposição era como um universo alternativo., Foi uma expedição um pouco desorientadora, de caminhar através dos coloridos “wind spinners” para subir escadas amarelas brilhantes para obter uma visão de perto da nuvem gigante de candelabros, ornamentos coletados de relvado, e várias tochas. Ao invocar uma espécie de maravilha infantil, até que também nos trouxe de volta à realidade, com repetidas referências a um racismo americano invasor, particularmente os problemas da violência armada e jovens negros mortos pela polícia. Mesmo com a tua cabeça literalmente nas nuvens, não te consegues afastar daqueles miseráveis jóqueis de relvado. – Elena Goukassian
18., Sunrise, Sunset at Emerson Dorsch
Onajide Shabaka,” Toward freedom (punch out 4) ” (2017). aquarela, colagem em papel
30 de novembro de 2017–19 de janeiro de 2018
O título deste programa é extraído da história de Edwidge Danticat com o mesmo nome. Publicado na revista the New Yorker mesma semana que o Furacão Irma—, que por um tempo parecia destinado a bater diretamente de Miami — desabou, nos Estados unidos, é uma história sobre relações familiares, a luta para se comunicar entre eles, a importância de aprender a compreender o outro quando a vida é fugaz., Situado no pequeno Haiti-assim como a história — os 15 artistas da exposição abordam esses temas de suas próprias maneiras, provando como a arte pode suavemente mitigar mensagens sobre mortalidade, memória e família. O curador Tyler Emerson-Dorsch fez um excelente trabalho em agrupar peças tão variadas; cada trabalho ternamente dá espaço para o mais próximo, como se estivesse em diálogo. – Monica Uszerowicz
19. Eric N., Mack: Vogue Tecidos em Albright-Knox Art Gallery
Eric Mack, “Willow na Forma de Prosa” (2016) (imagem por Hrag Vartanian/Hyperallergic)
18 de fevereiro–18 de junho
a Escrever sobre o meu trabalho favorito em sala de exposição, “Willow na Forma de Prosa” (2016), Eu disse que “destila o melhor de Mack habilidades para fazer algo olhar, simultaneamente, digital e analógico, enquanto o envolvimento com a poesia do material e as limitações da representação.,”Essa capacidade de transformar materiais quotidianos é parte da magia da arte de Mack. Ele sem esforço (ou pelo menos parece que isso) respira a vida em formas esfarrapadas, frágeis e até mesmo dolorosas. – HV
20., Ken Gonzales-Dia: Shadowlands do Minnesota Museu de Arte Americana
Ken Gonzales-Dia, “Mãos para Cima” (2015), Cromogénico de impressão, 55 x 51 1/2 polegadas (imagem cortesia do artista e Luis de Jesus Gallery, Los Angeles).
dia 19 de janeiro–16 de abril
Ken Gonzales-Dia do Shadowlands, comissariada por Christopher Atkins, explorou o histórico de incidentes de linchamento, e como o legado de racializada violência impactos nosso momento atual., Sua série devastadora de linchamento apagado manipula fotografias históricas de linchamentos para que a vítima não possa ser vista, minimizando o dano de comunidades re-traumatizantes que possam ver este trabalho, e também atraindo foco para os autores do racismo violento. Sua busca pelas árvores Penduradas da Califórnia e a série de corrida ainda mais criticamente se envolve com a história do racismo nos EUA, e a ameaça contínua sobre corpos negros e Castanhos neste país., Com imagens viscerais e uso provocativo de elementos narrativos e teatrais, Gonzales-Day apresentou um inquérito evocativo sobre o passado feio do nosso país e a situação atual. – Sheila Regan
John Dunkley: Neither Day nor Night at the Pérez Art Museum Miami
John Dunkley, “Banana Plantation” (c1945). Imagem da coleção Galeria Nacional da Jamaica e fornecido cortesia ao Museu de arte Pérez Miami. Presente da Cassie Dunkley.,
May 26, 2017-January 14, 2018
the self — taught artist’s first solo exhibition outside of Jamaica — and his first since the 1970s-is a gorgeous show, and an Apptly titled one, too. As pinturas de Dunkley evocam tanto o crepúsculo do anoitecer quanto as cores verdejantes do dia, o surrealismo exuberante da fantasia e a realidade pungente da vida em um território colonial., Quando Dunkley voltou para sua Jamaica natal depois de trabalhar no Panamá, ele abriu uma barbearia em Kingston e aperfeiçoou seu ofício ao lado; foi na década de 1920, quando a base ideológica estava sendo estabelecida para a eventual independência do país. Mesmo as paisagens noturnas em sua pequena obra-que inclui cerca de 50 pinturas e algumas esculturas figurativas, que a curadora Diana Nawi e a assistente de exposição curadora Nicole Smythe-Johnson pesquisaram extensivamente — parecem de outro mundo e iluminadas por dentro., Um destaque: um retrato do Presidente Roosevelt, datado no momento em que ele viajou para a Jamaica para visitar um local que eventualmente se tornaria uma Base Aérea dos EUA, deslocando residentes de suas casas. —MU
Yarrow Mamout no Smithsonian National Portrait Gallery
Tiago Alexandre Simpson, “Yarrow Mamout” (1822) que está sendo travado no NPG (imagem cortesia NPG)
em 19 de julho de 2016–agosto de 2017.
Esta exposição foi importante pelo simples fato de que ele existia., Precisamos contar histórias sobre muçulmanos nos EUA, particularmente aqueles que educam sobre a importância de aceitar pessoas de todas as esferas da vida e culturas que querem estar neste país. Este foi um pequeno gesto que foi perfeitamente feito antes das eleições, e sua ressonância mudou logo depois, oferecendo esperança para um tempo em que os muçulmanos foram menos vilipendiados na mídia dos EUA. Este pequeno retrato foi um farol de esperança, e parabéns à curadora Asma Naeem por sua visão e dedicação em contar a história completa da Arte Americana., —HV
Njideka Akunyili Crosby: predecessores no Contemporary Arts Center, Cincinnati
Njideka Akunyili Crosby, Predecessors (2013), detail view.
15 de julho–1 de outubro
nos predecessores, Njideka Akunyili Crosby, criou tableaus still life e retratos poderosos combinando uma melange de imagens com surpreendente polonês e graça. O que poderia potencialmente sentir-se como uma esmagadora mistura de imagens em vez disso tornou-se uma tapeçaria fluida, controlada pela extraordinária sensibilidade de Crosby ao equilíbrio, perspectiva e paleta., Co-organizada pelo CAC e o Museu Tang no Skidmore College, esta exposição foi a primeira vez que mesmo Crosby tinha sido capaz de ver todo o trabalho em predecessores, uma série que abrange pelo menos meia década, em exposição juntos. A galeria íntima do CAC, que abriga estes cinco trabalhos em grande escala em papel, tinha uma sensação de Capela, oferecendo tanto a intimidade quanto a paz necessária para tomar imagens tão maravilhosamente densas e piercingly diretas., – SRS
suporta Hyperallérgico
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