Biographie de Chuck Close
enfance
Charles Thomas Close est né à la maison de Leslie et Mildred Close, un couple avec un penchant vers les activités artistiques. Leslie Close était un touche-à-tout avec un flair pour l’artisanat; il a construit Charles son premier chevalet. Sa mère était une pianiste de formation mais ne pouvait pas poursuivre une carrière musicale en raison de contraintes financières., Déterminée à offrir à son fils des opportunités qu’elle n’a jamais appréciées, Mildred a poussé Charles à entreprendre une myriade d’activités parascolaires pendant ses années scolaires et a embauché un tuteur local pour lui donner des cours d’art privés.
Charles a eu des difficultés avec les universitaires en raison de la dyslexie, bien que les enseignants aient souvent été impressionnés par son approche créative des projets. Il a également été diagnostiqué à un jeune âge avec la cécité faciale et une condition neuromusculaire qui l’a empêché de s’engager dans l’athlétisme, rendant les aspects sociaux de la vie scolaire difficiles., Une fois à l’université, et après avoir décidé de faire carrière dans l’art, il a excellé.
formation initiale
Close a reçu une bourse pour suivre les cours de la Yale Summer School of Music and Art après son année junior à L’Université de Washington à Seattle, ce qui a facilité son acceptation ultérieure au programme de maîtrise de Yale en 1962. L’environnement difficile de Yale l’a mis en concurrence avec une foule de pairs talentueux, tels que Nancy Graves, Brice Marden et Robert Mangold. Jack Tworkov, le nouveau directeur du programme MFA, a soutenu l’enseignement des mouvements d’art contemporain (par exemple, Pop art et Minimalisme) en plus de l’accent standard sur L’Expressionnisme abstrait; le programme révisé s’est en effet avéré être une influence majeure sur le travail ultérieur de Close. Alors qu’il était à Yale, Close a été assistant de studio du graveur Gabor Petardi. Dans sa dernière année, Close a remporté une bourse Fulbright, lui offrant la possibilité d’étudier l’art en Europe.
en 1965, après avoir terminé ses voyages à l’étranger, Close a commencé à donner des cours à L’Université du Massachusetts à Amherst., Décidant que son propre style de peinture expressionniste abstrait était devenu stagnant, il a commencé à expérimenter des formes et des matériaux alternatifs. L’une de ses idées les plus ambitieuses de l’époque consistait à peindre un grand nu à partir d’une série de photographies, mais il a mis le projet de côté en raison de problèmes non résolus de couleur et de texture. En janvier 1967, le collège a organisé une exposition personnelle d’autres œuvres D’inspiration Pop de Close, suscitant l’indignation de l’administration en raison de son utilisation d’images masculines nues frontales., L’American Civil Liberties Union a défendu Close dans le procès qui en a résulté, intenté par le président de l’Université, John Lederle. En fin de compte, la décision était en faveur de l’université, une décision qui a effectivement mis fin à son séjour à Amherst.
prenant un nouvel emploi d’enseignant à la School of Visual Arts de New York à L’automne, Close déménage à Manhattan, où il retrouve Leslie Rose, une ancienne étudiante. Les deux se sont ensuite mariés en décembre., La recherche d’un style de signature de Close était une frustration persistante pour lui, et avec le soutien de Rose, il a continué à expérimenter différents styles tirés de l’art contemporain. En particulier, L’art des processus était très populaire en ce moment, en raison de la renommée croissante de Sol LeWitt et d’autres. Revenant au grand nu photographique qu’il avait commencé à Amherst, Close décida d’aborder le problème sous un angle méthodique. Travaillant à nouveau à partir de photographies, il a analysé l’image dans une grille, qu’il a ensuite transférée sur une toile de neuf pieds de long., En copiant minutieusement à la main les segments quadrillés de la photographie sur chaque cube correspondant de la toile, Close a construit une copie en noir et blanc plus grande que nature de l’image du nu féminin. Le Big Nude (1967) qui en résulte se lit à la fois comme une peinture abstraite et figurative. De plus, en fonction de la distance d’observation, la peinture se lit comme un dessin de figure traditionnel, ou comme un paysage abstrait d’un sujet en gros plan, mais à peine reconnaissable.,
période de maturité
la carrière de Close a pris de l’ampleur grâce à la vente d’un grand Autoportrait de conception similaire (1967-68) au Walker Art Museum en 1969, ce qui a provoqué d’autres ventes peu de temps après. Motivé par la nouvelle méthode de peinture, il cherche à affiner sa technique dans sa première série « Heads ». Toujours en noir et blanc, ces peintures ont souligné leurs racines photographiques. Close a utilisé le format à grande échelle pour exagérer les interprétations les plus peu flatteuses de la caméra, créant des vues rapprochées qu’il décrit comme des prises de vue., En décembre 1969, le Whitney Museum of American Art a acquis un portrait proche du compositeur Philip Glass, et le musée a également inclus l’une des œuvres de l’artiste dans le Whitney Annual. Plus tôt dans l’année, Close avait rejoint la Bykert Gallery, où il a participé à sa première exposition collective à New York avec Lynda Benglis, David Paul et Richard van Buren. Avant l’ouverture du spectacle, l’écrivain Cindy Nemser a mené une interview avec Close pour le numéro de janvier 1970 du magazine Artforum, qui a accidentellement publié son nom sous le nom de « Chuck Close., »L’artiste l’a ensuite adopté comme surnom professionnel de cette époque à nos jours.
à la recherche d’un moyen de réintroduire la couleur dans son travail, Close est retourné à la photographie pour s’inspirer. Imitant le processus de transfert de colorant photographique, Close a développé une méthode utilisant des couches séparées de cyan, de magenta et de jaune. Peintes les unes sur les autres, les couleurs obligent l’Œil de l’observateur à les mélanger afin d’arriver à une image réaliste et en couleur., Le premier portrait exécuté par cette méthode a été Kent (1970-71), qui a pris près d’une année complète pour terminer. Il a passé les années suivantes à travailler sur des portraits en trois couleurs, au cours desquels son premier enfant, Georgia, est né.
à l’été 1972, Parasol Press invite Close à produire une série de tirages selon la méthode qu’il souhaite. Intrigué, Close a choisi la mezzotint, une technique de gravure pratiquement abandonnée commune aux reproductions de portraits du 18ème siècle., Reproduisant une photographie déjà quadrillée de Keith Hollingworth, l’impression a involontairement révélé le motif en damier schématique. Ces résultats inattendus ont conduit à une utilisation répétée des mêmes photographies pour des peintures exécutées par différentes techniques et dans divers médias. Parmi les méthodes les plus peu orthodoxes qu’il employa, mentionnons la prise d’empreintes digitales, l’utilisation de pâte à papier et l’utilisation de photographies instantanées Polaroïd.
travail actuel
La méthode de peinture actuelle de Close est née avec ses portraits au pastel de 1981., Ces portraits sont dérivés de la juxtaposition par Closes de différentes couleurs dans chaque cube de la grille, un critique de processus que Christopher Finch a qualifié de « pimiento-olive farcie. »La manipulation lâche de la couleur et de la richesse des pastels a donné lieu à une surface luxuriante et tactile, que Close maintient dans son travail plus récent. Grâce à des combinaisons plus complexes de couleurs et de marques, le style de portrait de Close s’est également rapproché de l’abstraction, ce qui rend son intégrité à certains aspects du médium photographique d’autant plus remarquable.,
en décembre 1988, Close a souffert de douleurs thoraciques intenses qui ont conduit à une paralysie complète sous le cou, un moment charnière dans sa vie que l’artiste appelle « L’événement. »Avec le dévouement de sa femme, qui a insisté pour que sa thérapie physique se concentre sur l’acte de peindre, Close a pu retrouver suffisamment de mouvement et de contrôle dans le haut de son corps pour lui permettre de continuer à travailler. Renforçant régulièrement ses bras, Il a terminé Alex II (1989) au cours de sa période de rééducation., Le tableau est beaucoup plus petit que les œuvres précédentes de Close (Alex II ne mesure que 36 x 30 pouces), et il transmet une tristesse que l’artiste décrit comme représentative de son état d’esprit conflictuel à l’époque. Il ne présente cependant aucune perte de technique. Close a depuis construit un studio pour accueillir son fauteuil roulant et un chevalet télécommandé de deux étages, où il continue de développer dynamiquement ses processus artistiques avec l’aide d’assistants de studio., Aujourd’hui, au début des années 70, et continuant d’évoluer dans ses pratiques artistiques, Close a appliqué ses méthodes à la production d’images hautement illusionnistes sous forme de portraits de ses amis, collègues et autres.
utilisant les méthodes modernes assistées par ordinateur de la tapisserie, Close est maintenant capable d’approximer, dans des images tissées, l’illusionnisme miroir caractéristique du daguerréotype de verre photographique du 19ème siècle (de la renommée de Louis Daguerre)., Comme si le cercle complet venait, on peut dire que Close a revigoré le genre du Photoréalisme juste au moment où tout le monde avait supposé qu’il avait été relégué à l’histoire.
L’héritage de Chuck Close
arrivée à l’âge adulte à un moment où L’Expressionnisme abstrait était encore une force majeure dans le monde de l’art et, pour certains, plutôt inhibant, Close a suggéré qu’un retour à une ancienne catégorie de peinture, ou portrait réaliste, pourrait être une voie viable pour le développement, Close a marié cette prémisse à sa fascination précoce pour le réalisme photographique, se concentrant sur le processus séquentiel et basé sur le temps de transférer une image photographique sur la toile comme prémisse conceptuelle pour suggérer la construction de l’identité de soi, ou la « persona », comme une entreprise très provisoire, en dépit de son résultat apparemment sans faille. Ce fondement conceptuel du travail de Close a été son héritage essentiel pour ses nombreux admirateurs et successeurs., Le genre du portrait lui-même, ainsi que l’œuvre conceptuelle quadrillée et séquentielle, ont depuis les années 1970 pris un rôle très actif dans les cercles d’avant-garde. Le mélange de la séquence photographique et de sa reconstruction picturale est vu très tôt, par exemple dans le travail de Jennifer Bartlett à la fin des années 1970, et il refait surface à maintes reprises dans le travail de plus de photographes portraitistes des années 1980, tels que Cindy Sherman, Annie Leibovitz, Cass Bird, Nan Goldin, Kiki Smith, Andres Serrano et Robert Mapplethorpe.