biografie van Chuck Close
kindertijd
Charles Thomas Close werd thuis geboren uit Leslie en Mildred Close, een echtpaar met een neiging tot artistieke bezigheden. Leslie Close was een manusje-van-alles met een flair voor vakmanschap; hij bouwde Charles zijn eerste ezel. Zijn moeder was een getrainde pianiste, maar niet in staat om een muzikale carrière na te streven als gevolg van financiële beperkingen., Vastbesloten om haar zoon te voorzien van kansen die ze zelf nooit genoten, Mildred duwde Charles om een groot aantal buitenschoolse activiteiten op te nemen tijdens zijn schooljaren en huurde een lokale tutor om hem privé kunstlessen te geven.Charles had een moeilijke tijd met academici als gevolg van dyslexie, hoewel leraren vaak onder de indruk waren van zijn creatieve benadering van projecten. Hij werd ook gediagnosticeerd op jonge leeftijd met gezichtsblindheid en een neuromusculaire aandoening die hem verhinderde deel te nemen aan atletiek, waardoor de sociale aspecten van het schoolleven moeilijk., Eenmaal op de universiteit, en bij de beslissing om een carrière in de kunst te maken, blonk hij uit.Close ontving een beurs voor het bijwonen van de Yale Summer School Of Music and Art na zijn eerste jaar aan de Universiteit van Washington in Seattle, wat zijn latere acceptatie voor het Yale MFA-programma in 1962 vergemakkelijkte. De uitdagende omgeving aan Yale zette hem in concurrentie met talentvolle collega ‘ s, zoals Nancy Graves, Brice Marden en Robert Mangold. Jack Tworkov, de nieuwe directeur van het MFA-programma, ondersteunde het onderwijs van hedendaagse kunststromingen (bijv., Popart en minimalisme), naast de standaard focus op Abstract Expressionisme; het herziene curriculum bleek inderdaad een grote invloed te hebben op Close ‘ s latere werk. Tijdens zijn studie aan Yale werkte Close als studioassistent bij graficus Gabor Petardi. In zijn laatste jaar, Close won een Fulbright beurs, waardoor hij de mogelijkheid om kunst te studeren in Europa.in 1965, na zijn reizen in het buitenland, begon Close les te geven aan de Universiteit van Massachusetts in Amherst., Toen hij besloot dat zijn eigen Abstract-expressionistische schilderstijl stagneerde, begon hij te experimenteren met alternatieve vormen en materialen. Een van zijn ambitieuzere ideeën uit die tijd betrof het schilderen van een groot naakt uit een serie foto ‘ s, maar hij zette het project terzijde vanwege onopgeloste problemen met kleur en textuur. In januari 1967, het college hield een solo-tentoonstelling van andere Pop-geïnspireerde werken van Close, vonken een verontwaardiging van de administratie als gevolg van zijn gebruik van full-frontale naakt mannelijke beelden., De American Civil Liberties Union verdedigde dicht in de daaruit voortvloeiende rechtszaak, aangespannen door de universiteit president, John Lederle. Uiteindelijk, de uitspraak was in het voordeel van de universiteit, een beslissing die effectief eindigde zijn tijd in Amherst.Close nam in de herfst een nieuwe baan als leraar aan de School Of Visual Arts in New York City en verhuisde naar Manhattan, waar hij zich herenigde met Leslie Rose, een voormalig student. De twee trouwden in December., Close ‘ s zoektocht naar een kenmerkende stijl was een aanhoudende frustratie voor hem, en met de steun van Rose bleef hij experimenteren met verschillende stijlen uit de hedendaagse kunst. Met name Proceskunst was op dit moment zeer populair, vanwege de toenemende bekendheid van Sol LeWitt en anderen. Terugkerend naar het grote fotografische naakt dat hij in Amherst was begonnen, besloot Close het probleem vanuit een methodische hoek te benaderen. Opnieuw werkend aan de hand van foto ‘ s ontleedt hij het beeld in een raster, dat hij vervolgens overbrengt op een negen meter lang doek., Close kopieerde met de hand de gerasterde segmenten van de foto op elke bijbehorende kubus van het doek en bouwde een groter dan levensgroot, zwart-wit kopie van het beeld van het vrouwelijk naakt. Het resulterende Big Nude (1967) is zowel een abstract als een figuratief schilderij. Daarnaast leest het schilderij, afhankelijk van de kijkafstand, als een traditionele figuurtekening, of als een abstract landschap van een close-up, maar nauwelijks herkenbaar onderwerp.,
volwassen periode
Close ‘ s carrière kreeg een impuls door de verkoop van een vergelijkbaar bedacht groot Zelfportret (1967-68) aan het Walker Art Museum in 1969, wat kort daarna aanleiding gaf tot andere verkopen. Gemotiveerd door de nieuw ontwikkelde methode van schilderen, probeerde hij zijn techniek te verfijnen in zijn eerste serie “hoofden”. Ook in zwart-wit benadrukken deze schilderijen hun fotografische wortels. Close gebruikte het grootschalige formaat om de meer onflatteuze interpretaties van de camera te overdrijven en close-up views te creëren die hij beschrijft als politiefoto ‘ s., In december 1969 verwierf het Whitney Museum of American Art Een portret van componist Philip Glass, en het museum maakte ook deel uit van een van zijn werken in de Whitney Annual. Eerder dit jaar was Close lid van Bykert Gallery, waar hij deelnam aan zijn eerste New York City groepstentoonstelling met Lynda Benglis, David Paul en Richard Van Buren. Voorafgaand aan de opening van de show, schrijfster Cindy Nemser voerde een interview met Close voor de januari 1970 nummer van Artforum magazine, die per ongeluk publiceerde zijn naam als “Chuck Close.,”De kunstenaar nam het vervolgens over als een professionele naam van die tijd tot nu.
Op zoek naar een manier om kleur opnieuw in zijn werk te introduceren, keerde Close terug naar fotografie voor inspiratie. Close imiteerde het fotografische dye-transfer proces en ontwikkelde een methode die verschillende lagen Cyaan, magenta en geel gebruikte. Geschilderd op elkaar, dwingen de kleuren het oog van de waarnemer om ze te mengen om te komen tot een realistische, full-color beeld., Het eerste portret dat met deze methode werd gemaakt was Kent (1970-71), dat bijna een heel jaar duurde om te voltooien. Hij bracht de volgende jaren werken aan drie-kleur-proces portretten, waarin zijn eerste kind, Georgia, werd geboren.in de zomer van 1972 nodigde Parasol Press Close uit om een serie prenten te maken op elke manier die hij wilde. Intrigerend koos Close voor de mezzotint, een vrijwel verlaten prenttechniek die gebruikelijk is bij 18e-eeuwse portret reproducties., Het reproduceren van een reeds gerasterde foto van Keith Hollingworth, de afdruk onbedoeld onthulde het schematische dambord patroon. Deze onverwachte resultaten leidden tot een intensief herhaald gebruik van dezelfde foto ‘ s voor schilderijen uitgevoerd via verschillende technieken en in verschillende media. Enkele van de meer onorthodoxe methoden die hij gebruikte omvatten vingerafdrukken, het gebruik van pulp papier, en resourcing instant Polaroid, “snapshot” foto ‘ s.
huidig werk
Close ‘ s huidige manier van schilderen is ontstaan met zijn pastelportretten uit 1981., Deze portretten zijn afgeleid door Closes juxtaposing van verschillende kleuren binnen elke kubus van het raster, een proces criticus Christopher Finch heeft kleurrijk aangeduid als een “pimiento-gevulde olijf.”De losse omgang van kleur en rijkdom van de pastels resulteerde in een weelderige, tactiele oppervlak, die dicht handhaaft in zijn meer recente werk. Door complexere combinaties van kleur en markeringen is Close ‘ s portretstijl ook dichter bij abstractie gekomen, waardoor haar integriteit ten opzichte van bepaalde aspecten van het fotografische medium des te opmerkelijker wordt.,in December 1988 leed Close aan hevige pijn op de borst die leidde tot volledige verlamming onder de nek, een keerpunt in zijn leven dat de kunstenaar verwijst naar “the Event.”Met de toewijding van zijn vrouw, die erop stond dat zijn fysiotherapie zich richtte op de handeling van het schilderen, was Close in staat om genoeg beweging en controle in zijn bovenlichaam te herwinnen om hem in staat te stellen verder te werken. Hij verstevigde zijn armen en voltooide Alex II (1989) tijdens zijn revalidatieperiode., Het schilderij is veel kleiner dan Close ‘ s eerdere werken (Alex II is slechts 36 x 30 inch), en het brengt een verdriet dat de kunstenaar beschrijft als vertegenwoordiger van zijn conflicterende mentaliteit op het moment. Het vertoont echter geen verlies van techniek. Close heeft sindsdien een studio gebouwd voor zijn rolstoel en een twee verdiepingen tellende, op afstand bedienbare ezel, waar hij zijn artistieke processen dynamisch blijft ontwikkelen met de hulp van studioassistenten., Nu, in zijn vroege jaren ’70, en steeds verder evolueert in zijn artistieke praktijken, Past Close zijn methoden toe op de productie van zeer illusionistische beelden in de vorm van portretten van zijn vrienden, collega’ s en anderen.door gebruik te maken van de moderne computergestuurde wandtapijten, is Close nu in staat om, in geweven beelden, het spiegelachtige illusionisme te benaderen dat kenmerkend is voor het 19e-eeuwse fotografische glas daguerreotype (van Louis Daguerre)., Alsof de cirkel rond is, kan worden gezegd dat Close het genre van het Fotorealisme nieuw leven heeft ingeblazen net toen iedereen ervan uitging dat het tot de geschiedenis was gedegradeerd.
de erfenis van Chuck Close
die volwassen werd op een moment dat het Abstract Expressionisme nog steeds een belangrijke kracht was in de kunstwereld en, voor sommigen, een nogal remmende, suggereerde Close dat een terugkeer naar een vroegere categorie van schilderkunst, of realistische portretten, een levensvatbare route zou kunnen zijn voor de ontwikkeling van een kunstenaar., Close huwde dit uitgangspunt met zijn vroege fascinatie voor fotografisch realisme, met de nadruk op het sequentiële en op tijd gebaseerde proces van het overbrengen van een fotografisch beeld naar canvas als de conceptuele premisse voor het suggereren van de constructie van zelfidentiteit, of de “persona,” als een zeer voorzichtige onderneming, inderdaad ondanks de ogenschijnlijk naadloze uitkomst. Deze conceptuele basis van Close ‘ s werk is zijn essentiële nalatenschap aan zijn vele bewonderaars en opvolgers., Het genre van de portretkunst zelf, evenals het gerasterde, sequentiële conceptuele kunstwerk, hebben sinds de jaren zeventig een zeer actieve rol in avant-garde kringen. De mix van de fotografische sequentie en de schilderachtige reconstructie is al vroeg te zien, bijvoorbeeld in het werk van Jennifer Bartlett aan het eind van de jaren zeventig, en het duikt keer op keer op in het werk van meer portretfotografen uit de jaren tachtig, zoals Cindy Sherman, Annie Leibovitz, Cass Bird, Nan Goldin, Kiki Smith, Andres Serrano en Robert Mapplethorpe.