Biographie von Chuck Close
Kindheit
Charles Thomas in der Nähe war, zu Hause geboren zu Esther und Mildred in der Nähe, ein paar mit einer Neigung zu künstlerischen Beschäftigungen. Leslie Schließen war ein jack-of-all-trades mit einem Gespür für Handwerkskunst; er baute Charles seine erste Staffelei. Seine Mutter war ausgebildete Pianistin, konnte aber aus finanziellen Gründen keine musikalische Karriere verfolgen., Entschlossen, ihrem Sohn Möglichkeiten zu bieten, die sie selbst nie genossen hat, drängte Mildred Charles, während seiner Schulzeit eine Vielzahl außerschulischer Aktivitäten aufzunehmen, und stellte einen örtlichen Tutor ein, um ihm privaten Kunstunterricht zu geben.
Charles hatte aufgrund von Legasthenie eine schwierige Zeit mit Akademikern, obwohl die Lehrer oft von seiner kreativen Herangehensweise an Projekte beeindruckt waren. Er wurde auch in jungen Jahren mit Gesichtsblindheit und einem neuromuskulären Zustand diagnostiziert, der ihn daran hinderte, Leichtathletik zu betreiben, was die sozialen Aspekte des Schullebens erschwerte., Einmal in der Schule, und bei der Entscheidung, eine Karriere in der Kunst zu machen, zeichnete er sich aus.
Early Training
Close erhielt nach seinem Junior-Jahr an der University of Washington in Seattle ein Stipendium für die Yale Summer School of Music and Art, was seine spätere Aufnahme in das Yale MFA-Programm in 1962 erleichterte. Das herausfordernde Umfeld in Yale setzte ihn mit einer Vielzahl talentierter Kollegen wie Nancy Graves, Brice Marden und Robert Mangold in Konkurrenz. Jack Tworkov, der neue Direktor des MFA-Programms, unterstützte die Lehre zeitgenössischer Kunstbewegungen (z., Pop Art und Minimalismus) neben dem Standardfokus auf abstrakten Expressionismus; Der überarbeitete Lehrplan erwies sich in der Tat als großer Einfluss auf Close ‚ s späteres Werk. Während seiner Zeit in Yale diente Close als Studioassistent des Druckers Gabor Petardi. In seinem letzten Jahr gewann Close ein Fulbright-Stipendium, das ihm die Möglichkeit gab, Kunst in Europa zu studieren.
Nach Abschluss seiner Auslandsreisen begann er 1965 mit dem Unterricht an der University of Massachusetts in Amherst., Als er entschied, dass sein eigener abstrakter expressionistischer Malstil stagnierte, begann er mit alternativen Formen und Materialien zu experimentieren. Eine seiner ehrgeizigeren Ideen der Zeit bestand darin, einen großen Akt aus einer Reihe von Fotografien zu malen, aber er legte das Projekt aufgrund ungelöster Probleme mit Farbe und Textur beiseite. Im Januar 1967 veranstaltete das College eine Einzelausstellung anderer Pop-inspirierter Werke von Close, die aufgrund seiner Verwendung von vollfrontalen nackten männlichen Bildern Empörung bei der Verwaltung auslöste., Die American Civil Liberties Union verteidigte Close in der daraus resultierenden Klage, die vom Universitätspräsidenten John Lederle erhoben wurde. Letztendlich war das Urteil zugunsten der Universität, eine Entscheidung, die seine Zeit in Amherst effektiv beendete.
Nachdem er im Herbst einen neuen Lehrjob an der School of Visual Arts in New York City angenommen hatte, zog Close nach Manhattan, wo er sich mit Leslie Rose, einer ehemaligen Studentin, wiedervereinigte. Die beiden heirateten anschließend im Dezember., Close ‚ s Suche nach einem Signature-Stil war eine anhaltende Frustration für ihn, und mit Roses Unterstützung experimentierte er weiterhin mit verschiedenen Stilen aus der zeitgenössischen Kunst. Insbesondere Prozesskunst war im Moment aufgrund des zunehmenden Ruhms von Sol LeWitt und anderen sehr beliebt. Als er zu dem großen fotografischen Akt zurückkehrte, den er in Amherst begonnen hatte, beschloss Close, sich dem Problem methodisch zu nähern. Als er wieder von Fotografien arbeitete, analysierte er das Bild in ein Raster, das er dann auf eine neun Fuß lange Leinwand übertrug., Durch sorgfältiges Kopieren der gitterförmigen Segmente des Fotos von Hand auf jeden entsprechenden Würfel der Leinwand baute Close eine überlebensgroße Schwarz-Weiß-Kopie des Bildes des weiblichen Akts. Der daraus resultierende Große Akt (1967) liest sich sowohl als abstrakte als auch als figurative Malerei. Darüber hinaus liest sich das Gemälde je nach Betrachtungsabstand als traditionelle Figurenzeichnung oder als abstrakte Landschaft eines nahegelegenen, aber kaum erkennbaren Motivs.,
Reife Periode
Close ‚ s Karriere gewann durch den Verkauf eines ähnlich konzipierten großen Selbstporträts (1967-68) an das Walker Art Museum im Jahr 1969 an Dynamik, was kurz darauf zu weiteren Verkäufen führte. Motiviert durch die neu entwickelte Malmethode versuchte er, seine Technik in seiner ersten „Heads“-Serie zu verfeinern. Auch in Schwarzweiß betonten diese Bilder ihre fotografischen Wurzeln. Close verwendete das Großformat, um die schmeichelhafteren Interpretationen der Kamera zu übertreiben und Nahaufnahmen zu erstellen, die er als Mug Shots beschreibt., Im Dezember 1969 erwarb das Whitney Museum of American Art ein enges Porträt des Komponisten Philip Glass, und das Museum nahm auch eines der Werke des Künstlers in das Whitney Annual auf. Anfang des Jahres war Close der Bykert Gallery beigetreten, wo er mit Lynda Benglis, David Paul und Richard van Buren an seiner ersten New Yorker Gruppenausstellung teilnahm. Vor der Eröffnung der Show führte die Schriftstellerin Cindy Nemser ein Interview mit Close für die Januar 1970-Ausgabe des Artforum Magazins, das versehentlich seinen Namen als „Chuck Close“ veröffentlichte.,“Der Künstler nahm es später von dieser Zeit bis zur Gegenwart als professionellen Spitznamen an.
Auf der Suche nach einer Möglichkeit, Farbe wieder in seine Arbeit einzuführen, kehrte Close zur Fotografie zurück, um sich inspirieren zu lassen. Als Nachahmung des fotografischen Farbtransferprozesses entwickelte Close eine Methode, bei der separate Schichten aus Cyan, Magenta und Gelb verwendet wurden. Übereinander gemalt, zwingen die Farben das Auge des Betrachters, sie zu mischen, um zu einem realistischen, vollfarbigen Bild zu gelangen., Das erste Porträt, das mit dieser Methode ausgeführt wurde, war Kent (1970-71), dessen Fertigstellung fast ein ganzes Jahr dauerte. In den nächsten Jahren arbeitete er an dreifarbigen Porträts, in denen sein erstes Kind, Georgia, geboren wurde.
Im Sommer 1972 lud Parasol Press Close ein, mit jeder von ihm gewünschten Methode eine Serie von Drucken zu produzieren. Fasziniert wählte Close die Mezzotint, eine praktisch aufgegebene Drucktechnik, die bei Porträtreproduktionen aus dem 18., Der Druck reproduzierte ein bereits gerastertes Foto von Keith Hollingworth und enthüllte unbeabsichtigt das schematische Schachbrettmuster. Diese unerwarteten Ergebnisse führten zu einer engen wiederholten Verwendung derselben Fotografien für Gemälde, die über verschiedene Techniken und in verschiedenen Medien ausgeführt wurden. Einige der unorthodoxeren Methoden, die er anwendete, umfassten Fingerabdrücke, die Verwendung von Zellstoffpapier und die Beschaffung von Instant-Polaroid -, „Snapshot“ – Fotografien.
Aktuelle Arbeiten
Close ‚ s aktuelle Malweise entstand mit seinen Pastellporträts von 1981., Diese Porträts entstehen durch das Nebeneinander verschiedener Farben innerhalb jedes Würfels des Gitters, ein Prozess, den Christopher Finch farblich als „Pimiento-gefüllte Olive“ bezeichnet hat.“Der lockere Umgang mit Farbe und Reichtum der Pastelle führte zu einer üppigen, taktilen Oberfläche, die Close in seiner neueren Arbeit beibehält. Durch komplexere Kombinationen von Farbe und Markenbildung ist Closes Porträtstil auch der Abstraktion näher gekommen, was seine Integrität gegenüber bestimmten Aspekten des fotografischen Mediums umso bemerkenswerter macht.,
Im Dezember 1988 litt Close unter starken Schmerzen in der Brust, die zu einer vollständigen Lähmung unter dem Nacken führten, einem Wendepunkt in seinem Leben, den der Künstler als „das Ereignis“ bezeichnet.“Mit der Hingabe seiner Frau, die darauf bestand, dass sich seine Physiotherapie auf den Akt des Malens konzentrierte, konnte Close wieder genügend Bewegung und Kontrolle in seinem Oberkörper erlangen, damit er weiterarbeiten konnte. Während seiner Rehabilitationsphase stärkte er seine Arme stetig und vollendete Alex II (1989)., Das Gemälde ist viel kleiner als Close ‚ s vorherige Werke (Alex II ist nur 36 x 30 Zoll), und es vermittelt eine Traurigkeit, die der Künstler als Vertreter seiner widersprüchlichen Denkweise zu der Zeit beschreibt. Es zeigt jedoch keinen Technikverlust. Seitdem hat Close ein Studio für seinen Rollstuhl und eine zweistöckige ferngesteuerte Staffelei gebaut, in der er seine künstlerischen Prozesse mithilfe von Studioassistenten dynamisch weiterentwickelt., Jetzt, in seinen frühen 70er Jahren, und sich in seinen künstlerischen Praktiken weiterzuentwickeln, hat Close seine Methoden auf die Produktion hoch illusionistischer Bilder im Format von Porträts seiner Freunde, Kollegen und anderer angewendet.
Mit den modernen computergestützten Tapisseriemethoden kann Close nun in gewebten Bildern den spiegelartigen Illusionismus annähern, der für den fotografischen Glas-Daguerreotyp (von Louis Daguerre) des 19., Als ob der Kreis geschlossen wäre, könnte man sagen, dass Close das Genre des Fotorealismus neu belebt hat, als alle angenommen hatten, dass es in die Geschichte verbannt worden war.
Das Vermächtnis von Chuck Close
die Volljährigkeit in dem Augenblick, als der Abstrakte Expressionismus war immer noch eine wichtige Kraft in der Welt der Kunst und, für einige, eine eher hemmend ein, Schließen Sie schlug vor, dass eine Rückkehr zu einer früheren Kategorie der Malerei, oder realistischen Porträtmalerei, könnte ein gangbarer Weg für die Entwicklung eines Künstlers., Schließen Sie diese Prämisse an seine frühe Faszination für den fotografischen Realismus an und konzentrieren Sie sich auf den sequentiellen und zeitbasierten Prozess der Übertragung eines fotografischen Bildes auf die Leinwand als konzeptionelle Prämisse, um die Konstruktion der Selbstidentität oder die „Persona“ vorzuschlagen, als ein höchst vorläufiges Unterfangen, in der Tat trotz seines scheinbar nahtlosen Ergebnisses. Diese konzeptionelle Grundlage von Close ‚ s Arbeit war sein wesentliches Vermächtnis für seine vielen Bewunderer und Nachfolger., Das Genre der Porträtmalerei selbst sowie das gerasterte, sequentielle Konzeptkunstwerk spielen seit den 1970er Jahren eine sehr aktive Rolle in avantgardistischen Kreisen. Die Mischung aus der fotografischen Sequenz und ihrer malerischen Rekonstruktion zeigt sich schon früh, zum Beispiel in den späten 1970er Jahren von Jennifer Bartlett, und taucht immer wieder in den Arbeiten von Porträtfotografen der 1980er Jahre auf, wie Cindy Sherman, Annie Leibovitz, Cass Bird, Nan Goldin, Kiki Smith, Andres Serrano und Robert Mapplethorpe.