Biografia di Chuck Close
Infanzia
Charles Thomas Close è nato in casa da Leslie e Mildred Close, una coppia con una tendenza verso inseguimenti artistici. Leslie Close era un tuttofare con un talento per l’artigianato; costruì Charles il suo primo cavalletto. Sua madre era una pianista addestrato, ma in grado di perseguire una carriera musicale a causa di vincoli finanziari., Determinata a fornire a suo figlio opportunità che lei stessa non ha mai goduto, Mildred spinse Charles a intraprendere una miriade di attività extrascolastiche durante i suoi anni scolastici e assunse un tutor locale per dargli lezioni d’arte private.
Charles ha avuto un momento difficile con gli accademici a causa della dislessia, anche se gli insegnanti sono stati spesso colpiti con il suo approccio creativo ai progetti. Gli è stato anche diagnosticato in giovane età con cecità facciale e una condizione neuromuscolare che gli ha impedito di impegnarsi in atletica, rendendo difficili gli aspetti sociali della vita scolastica., Una volta al college, e dopo aver deciso di fare carriera nell’arte, eccelse.
Formazione iniziale
Close ha ricevuto una borsa di studio per frequentare la Yale Summer School of Music and Art dopo il suo anno da junior presso l’Università di Washington a Seattle, che ha facilitato la sua successiva accettazione al programma MFA di Yale nel 1962. L’ambiente impegnativo a Yale lo ha messo in competizione con una serie di coetanei di talento, come Nancy Graves, Brice Marden e Robert Mangold. Jack Tworkov, il nuovo direttore del programma MFA, ha sostenuto l’insegnamento dei movimenti artistici contemporanei (ad es., Pop art e minimalismo) oltre al focus standard sull’espressionismo astratto; il curriculum rivisto si è rivelato una grande influenza sul lavoro successivo di Close. Mentre era a Yale, Close ha lavorato come assistente di studio per l’incisore Gabor Petardi. Nel suo ultimo anno, Close ha vinto una borsa di studio Fulbright, fornendogli l’opportunità di studiare arte in Europa.
Nel 1965, dopo aver completato i suoi viaggi all’estero, Close iniziò a insegnare all’Università del Massachusetts ad Amherst., Decidendo che il suo stile astratto espressionista della pittura era diventato stagnante, iniziò a sperimentare forme e materiali alternativi. Una delle sue idee più ambiziose del tempo riguardava la pittura di un grande nudo da una serie di fotografie, ma mise da parte il progetto a causa di problemi irrisolti con il colore e la trama. Nel gennaio 1967, il college tenne una mostra personale di altre opere di ispirazione Pop di Close, scatenando l’indignazione dell’amministrazione a causa del suo uso di immagini maschili nude completamente frontali., L’American Civil Liberties Union ha difeso vicino nella causa risultante, portata avanti dal presidente dell’università, John Lederle. In definitiva, la sentenza era a favore dell’università, una decisione che di fatto si è conclusa il suo tempo in Amherst.
Prendendo un nuovo lavoro di insegnante presso la School of Visual Arts di New York City in autunno, Close si trasferì a Manhattan, dove si riunì con Leslie Rose, un ex studente. I due successivamente sposati quel dicembre., La ricerca di Close per uno stile di firma è stata una frustrazione persistente per lui, e con il supporto di Rose, ha continuato a sperimentare diversi stili tratti dall’arte contemporanea. In particolare, l’arte di processo era molto popolare al momento, a causa della crescente fama di Sol LeWitt e altri. Tornando al grande nudo fotografico che aveva iniziato ad Amherst, Close decise di affrontare il problema da un punto di vista metodico. Lavorando di nuovo dalle fotografie, analizzò l’immagine in una griglia, che poi trasferì su una tela lunga nove piedi., Copiando accuratamente a mano i segmenti a griglia della fotografia su ciascun cubo corrispondente della tela, Close ha costruito una copia in bianco e nero più grande della vita dell’immagine del nudo femminile. Il Grande nudo risultante (1967), si legge come un quadro astratto e figurativo. Inoltre, a seconda della distanza di visione, il dipinto si legge come un disegno di figura tradizionale, o come un paesaggio astratto di un primo piano, ma soggetto appena riconoscibile.,
Periodo maturo
La carriera di Close ha guadagnato slancio dalla vendita di un grande autoritratto concepito allo stesso modo (1967-68) al Walker Art Museum nel 1969, che ha spinto altre vendite poco dopo. Motivato dal nuovo metodo di pittura, ha cercato di affinare la sua tecnica nella sua prima serie di “Teste”. Anche in bianco e nero, questi dipinti hanno sottolineato le loro radici fotografiche. Close ha usato il formato su larga scala per esagerare le interpretazioni più poco lusinghiere della fotocamera, creando viste ravvicinate che descrive come foto segnaletiche., Nel dicembre 1969, il Whitney Museum of American Art acquisì un ritratto ravvicinato del compositore Philip Glass, e il museo includeva anche una delle opere dell’artista nel Whitney Annual. All’inizio dell’anno, Close si era unito alla Bykert Gallery, dove ha partecipato alla sua prima mostra collettiva a New York con Lynda Benglis, David Paul e Richard van Buren. Prima dell’apertura dello spettacolo, la scrittrice Cindy Nemser ha condotto un’intervista con Close per il numero di gennaio 1970 della rivista Artforum, che ha accidentalmente pubblicato il suo nome come “Chuck Close.,”L’artista successivamente lo ha adottato come moniker professionale da quel momento ad oggi.
Alla ricerca di un modo per reintrodurre il colore al suo lavoro, Close tornò alla fotografia per ispirazione. Imitando il processo di trasferimento della tintura fotografica, Close ha sviluppato un metodo che utilizzava strati separati di ciano, magenta e giallo. Dipinti uno sopra l’altro, i colori costringono l’occhio dell’osservatore a mescolarli per arrivare a un’immagine realistica a colori., Il primo ritratto eseguito con questo metodo fu Kent (1970-71), che richiese quasi un anno intero per essere completato. Trascorse i successivi anni a lavorare su ritratti a tre colori, durante i quali nacque il suo primo figlio, Georgia.
Nell’estate del 1972, Parasol Press invitò Close a produrre una serie di stampe con qualsiasi metodo desiderasse. Incuriosito, Close scelse la mezzotinta, una tecnica di stampa praticamente abbandonata comune alle riproduzioni di ritratti del xviii secolo., Riproducendo una fotografia già gridded di Keith Hollingworth,la stampa involontariamente rivelato lo schema a scacchiera. Questi risultati inaspettati hanno portato ad un uso ripetuto delle stesse fotografie per dipinti eseguiti con tecniche diverse e in vari media. Alcuni dei metodi più poco ortodossi che impiegava includevano le impronte digitali, l’uso della carta da polpa e le Polaroid istantanee, fotografie “istantanee”.
Lavoro attuale
L’attuale metodo di pittura di Close ha avuto origine con i suoi ritratti a pastello del 1981., Questi ritratti sono derivati dalla giustapposizione di Closes di diversi colori all’interno di ogni cubo della griglia, un critico del processo Christopher Finch ha coloratamente definito “un’oliva ripiena di pimiento.”La gestione sciolta del colore e la ricchezza dei pastelli ha portato a una superficie lussureggiante e tattile, che Close mantiene nel suo lavoro più recente. Attraverso combinazioni più complesse di colore e mark-making, lo stile della ritrattistica di Close si è anche avvicinato all’astrazione, il che rende ancora più notevole la sua integrità verso alcuni aspetti del mezzo fotografico.,
Nel dicembre 1988, Close soffrì di intensi dolori al petto che portarono alla completa paralisi sotto il collo, un momento spartiacque nella sua vita che l’artista definisce “l’Evento.”Con la dedizione di sua moglie, che ha insistito sul fatto che la sua terapia fisica si concentrasse sull’atto della pittura, Close è stato in grado di riguadagnare abbastanza movimento e controllo nella parte superiore del corpo per permettergli di continuare a lavorare. Rafforzando costantemente le sue braccia, ha completato Alex II (1989) durante il suo periodo di riabilitazione., Il dipinto è molto più piccolo di Chiudere le opere precedenti (Alex II è solo 36 x 30 pollici), e trasmette una tristezza che l’artista descrive come rappresentante della sua mentalità conflittuale al momento. Presenta, tuttavia, nessuna perdita di tecnica. Da allora Close ha costruito uno studio per ospitare la sua sedia a rotelle e un cavalletto telecomandato a due piani, dove continua a sviluppare dinamicamente i suoi processi artistici con l’aiuto di assistenti di studio., Ora, nei suoi primi anni ‘ 70, e continuando ad evolversi nelle sue pratiche artistiche, Close ha applicato i suoi metodi alla produzione di immagini altamente illusionistiche nel formato dei ritratti dei suoi amici, colleghi e altri.
Utilizzando i moderni metodi computerizzati dell’arazzo, Close è ora in grado di approssimare, in immagini tessute, l’illusionismo speculare caratteristico del dagherrotipo fotografico in vetro del 19 ° secolo (di fama di Louis Daguerre)., Come se si chiudesse il cerchio, si può dire che Close abbia rinvigorito il genere del fotorealismo proprio quando tutti avevano pensato che fosse stato relegato alla storia.
L’eredità di Chuck Close
La maggiore età in un momento in cui l’espressionismo astratto era ancora una forza importante nel mondo dell’arte e, per alcuni, piuttosto inibente, Close suggerì che un ritorno a una precedente categoria di pittura, o ritrattistica realistica, potrebbe essere una via praticabile per lo sviluppo di un artista., Close ha sposato questa premessa al suo primo fascino per il realismo fotografico, concentrandosi sul processo sequenziale e basato sul tempo di trasferire un’immagine fotografica sulla tela come premessa concettuale per suggerire la costruzione dell’identità di sé, o la “persona”, come un’impresa altamente tentativa, nonostante il suo risultato apparentemente senza soluzione di continuità. Questa base concettuale del lavoro di Close è stata la sua eredità essenziale per i suoi numerosi ammiratori e successori., Il genere stesso della ritrattistica, così come l’opera concettuale sequenziale, a griglia, hanno assunto un ruolo molto attivo negli ambienti d’avanguardia dagli anni ‘ 70. Il mix della sequenza fotografica e della sua ricostruzione pittorica è visto all’inizio, ad esempio, nel lavoro di Jennifer Bartlett alla fine degli anni ’70, e riemerge più volte nel lavoro di fotografi più ritrattisti degli anni’ 80, come Cindy Sherman, Annie Leibovitz, Cass Bird, Nan Goldin, Kiki Smith, Andres Serrano e Robert Mapplethorpe.