Biografía de Chuck Close
infancia
Charles Thomas Close nació en casa de Leslie y Mildred Close, una pareja con una inclinación hacia las actividades artísticas. Leslie Close era un jack-of-all-trades con un don para la artesanía; construyó Charles su primer caballete. Su madre era una pianista entrenada pero incapaz de seguir una carrera musical debido a las limitaciones financieras., Decidida a proporcionar a su hijo oportunidades que ella misma nunca disfrutó, Mildred empujó a Charles a tomar una miríada de actividades extracurriculares durante sus años escolares y contrató a un tutor local para darle lecciones privadas de arte.
Charles tuvo dificultades con los académicos debido a la dislexia, aunque los maestros a menudo estaban impresionados con su enfoque creativo para los proyectos. También fue diagnosticado a una edad temprana con ceguera facial y una condición neuromuscular que le impidió participar en el atletismo, dificultando los aspectos sociales de la vida escolar., Una vez en la universidad, y al decidir hacer una carrera en el arte, sobresalió.
formación temprana
Close recibió una beca para asistir a la Escuela de verano de música y arte de Yale después de su tercer año en la Universidad de Washington en Seattle, lo que facilitó su posterior aceptación al programa de MFA de Yale en 1962. El entorno desafiante en Yale lo puso en competencia con una serie de compañeros talentosos, como Nancy Graves, Brice Marden y Robert Mangold. Jack Tworkov, el nuevo director del programa MFA, apoyó la enseñanza de movimientos de arte contemporáneo (p.ej., Pop art y Minimalismo) además del enfoque estándar en el Expresionismo abstracto; el plan de estudios revisado de hecho demostró ser una gran influencia en el trabajo posterior de Close. Mientras estaba en Yale, Close sirvió como asistente de estudio para el grabador Gabor Petardi. En su último año, Close ganó una beca Fulbright, que le dio la oportunidad de estudiar arte en Europa.
en 1965, después de completar sus viajes al extranjero, Close comenzó a impartir clases en la Universidad de Massachusetts en Amherst., Decidiendo que su propio estilo expresionista abstracto de pintura se había estancado, comenzó a experimentar con formas y materiales alternativos. Una de sus ideas más ambiciosas de la época consistía en pintar un gran desnudo a partir de una serie de fotografías, pero dejó de lado el proyecto debido a problemas no resueltos con el color y la textura. En enero de 1967, el Colegio realizó una exposición individual de otras obras de Close inspiradas en el Pop, provocando una indignación de la administración debido a su uso de imágenes masculinas desnudas totalmente frontales., La American Civil Liberties Union defendió a Close en la demanda resultante, presentada por el presidente de la Universidad, John Lederle. En última instancia, el fallo fue a favor de la universidad, una decisión que efectivamente terminó su tiempo en Amherst.
tomando un nuevo trabajo docente en la Escuela de Artes Visuales en la ciudad de Nueva York ese otoño, Close se mudó a Manhattan, donde se reunió con Leslie Rose, una ex estudiante. Los dos posteriormente se casaron en diciembre., La búsqueda de Close por un estilo característico fue una frustración persistente para él, y con el apoyo de Rose, continuó experimentando con diferentes estilos extraídos del arte contemporáneo. En particular, el arte de proceso era muy popular en el momento, debido a la creciente fama de Sol LeWitt y otros. Volviendo al gran Desnudo fotográfico que había comenzado en Amherst, Close decidió abordar el problema desde un ángulo metódico. Trabajando de nuevo a partir de fotografías, analizó la imagen en una cuadrícula, que luego transfirió a un lienzo de nueve pies de largo., Copiando cuidadosamente a mano los segmentos cuadriculados de la fotografía en cada cubo correspondiente del lienzo, Close construyó una copia en blanco y negro más grande que la vida de la imagen del desnudo femenino. The resulting Big Nude (1967), se lee como una pintura abstracta y figurativa. Además, dependiendo de la distancia de visión, la pintura se lee como un dibujo de figura tradicional, o como un paisaje abstracto de un tema cercano, pero apenas reconocible.,
período de madurez
La carrera de Close ganó impulso con la venta de un gran Autorretrato concebido de manera similar (1967-68) al Museo de Arte Walker en 1969, lo que provocó otras ventas poco después. Motivado por el método de pintura recién desarrollado, buscó refinar su técnica en su primera serie «Heads». También en blanco y negro, estas pinturas enfatizaban sus raíces fotográficas. Close usó el formato a gran escala para exagerar las interpretaciones más poco halagadoras de la cámara, creando vistas de primer plano que describe como fotos policiales., En diciembre de 1969, el Whitney Museum of American Art adquirió un retrato cercano del compositor Philip Glass, y el museo también incluyó una de las obras del artista en el Whitney Annual. A principios de año, Close se había unido a Bykert Gallery, donde participó en su primera exposición colectiva en la ciudad de Nueva York con Lynda Benglis, David Paul y Richard van Buren. Antes de la apertura del espectáculo, la escritora Cindy Nemser realizó una entrevista con Close para la edición de enero de 1970 de la revista Artforum, que accidentalmente publicó su nombre como «Chuck Close».,»El artista posteriormente lo adoptó como un apodo profesional desde ese momento hasta el presente.
Búsqueda de una manera de reintroducir color a su obra, Cierre devolvió a la fotografía en busca de inspiración. Imitando el proceso fotográfico de transferencia de tinte, Close desarrolló un método que utilizaba capas separadas de cian, magenta y amarillo. Pintados uno encima del otro, los colores obligan al ojo del observador a mezclarlos para llegar a una imagen realista a todo color., El primer retrato ejecutado por este método fue Kent (1970-71), que tardó casi un año en completarse. Pasó los siguientes años trabajando en retratos de tres colores, durante los cuales nació su primer hijo, Georgia.
en el verano de 1972, Parasol Press invitó a Close a producir una serie de impresiones por cualquier método que deseara. Intrigado, Close eligió la mezzotinta, una técnica de grabado prácticamente abandonada común a las reproducciones de retratos del siglo XVIII., Reproduciendo una fotografía ya cuadriculada de Keith Hollingworth, la impresión reveló involuntariamente el patrón esquemático de tablero de ajedrez. Estos resultados inesperados llevaron a un uso cercano y repetido de las mismas fotografías para pinturas ejecutadas a través de diferentes técnicas y en diversos medios. Algunos de los métodos más poco ortodoxos que empleó incluyeron la toma de huellas dactilares, el uso de papel de pulpa y la obtención de recursos Instant Polaroid, fotografías instantáneas.
trabajo actual
El método actual de Close de la pintura originó con sus retratos pastel de 1981., Estos retratos se derivan de la yuxtaposición de Closes de diferentes colores dentro de cada cubo de la cuadrícula, un proceso crítico Christopher Finch se ha referido de manera colorida como una «aceituna rellena de pimiento».»El manejo suelto del color y la riqueza de los pasteles dio como resultado una superficie exuberante y táctil, que Close mantiene en su trabajo más reciente. A través de combinaciones más complejas de color y marcación, el estilo de retrato de Close también se ha acercado a la abstracción, lo que hace que su integridad a ciertos aspectos del medio fotográfico sea aún más notable.,
en diciembre de 1988, Close sufrió de intensos dolores en el pecho que le llevaron a una parálisis completa debajo del cuello, un momento decisivo en su vida al que el artista se refiere como «el evento.»Con la dedicación de su esposa, quien insistió en que su terapia física se centrara en el acto de pintar, Close pudo recuperar el movimiento y el control suficiente en su parte superior del cuerpo para permitirle continuar trabajando. Fortaleciendo sus brazos, completó Alex II (1989) durante su período de rehabilitación., La pintura es mucho más pequeña que las obras anteriores de Close (Alex II mide solo 36 x 30 pulgadas), y transmite una tristeza que el artista describe como representativa de su mentalidad conflictiva en ese momento. No muestra, sin embargo, ninguna pérdida de técnica. Desde entonces, Close ha construido un estudio para acomodar su silla de ruedas y un caballete de control remoto de dos pisos, donde continúa desarrollando dinámicamente sus procesos artísticos con la ayuda de asistentes de estudio., Ahora, a principios de los 70, y siguiendo evolucionando en sus prácticas artísticas, Close ha estado aplicando sus métodos a la producción de imágenes altamente ilusionistas en el formato de retratos de sus amigos, colegas y otros.
utilizando los modernos métodos de tapicería asistida por computadora, Close ahora es capaz de aproximarse, en imágenes tejidas, al ilusionismo similar a un espejo característico del daguerrotipo de vidrio fotográfico del siglo XIX (de la fama de Louis Daguerre)., Como si se cerrara el círculo, se puede decir que Close revitalizó el género del Fotorrealismo justo cuando todo el mundo había asumido que había sido relegado a la historia.
El Legado de Chuck Close
llegar a la mayoría de edad en un momento en que el Expresionismo abstracto todavía era una fuerza importante en el mundo del arte y, para algunos, un poco inhibitorio, Close sugirió que un regreso a una antigua categoría de pintura, o retrato realista, podría ser una ruta viable para el desarrollo de un artista., Close unió esta premisa a su temprana fascinación por el realismo fotográfico, centrándose en el proceso secuencial y basado en el tiempo de transferir una imagen fotográfica al lienzo como la premisa conceptual para sugerir la construcción de la identidad propia, o la «persona», como una empresa altamente tentativa, de hecho, a pesar de su resultado aparentemente sin fisuras. Esta base conceptual de la obra de Close ha sido su legado esencial para sus muchos admiradores y sucesores., El género del retrato en sí, así como el arte conceptual cuadriculado y secuencial, han tomado desde la década de 1970 un papel muy activo en los círculos de vanguardia. La mezcla de la secuencia fotográfica y su reconstrucción pictórica se ve al principio, por ejemplo, en la obra de Jennifer Bartlett de finales de la década de 1970, y resurge una y otra vez en el trabajo de fotógrafos más retratados de la década de 1980, como Cindy Sherman, Annie Leibovitz, Cass Bird, Nan Goldin, Kiki Smith, Andres Serrano y Robert Mapplethorpe.