le Dessert: harmonie en Rouge
Le Dessert: harmonie en Rouge (original français: « la Desserte rouge”), également connu sous le nom de la chambre rouge a été peint en 1908, à l’apogée de, Fait intéressant, L’homme d’affaires et collectionneur d’art russe Sergei Shchukin (1854-1936) l’a commandé sous le nom de « Harmony in Blue”. Cependant, l’artiste l’a changé en rouge parce qu’il n’aimait pas la version bleue originale. La peinture est en plus de son style distinctement Fauviste également caractérisé par l’absence du point focal central qui révèle l’influence de la peinture impressionniste. Comme beaucoup d’autres œuvres de la collection D’art de Chtchoukine, la salle Rouge est maintenant exposée au Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.,
Notre-Dame, une fin d’après-midi (« Un Aperçu de Notre-Dame de la Fin d’après-Midi »)
Peints en 1902, de la cathédrale Notre-Dame, une fin d’après-midi (en anglais: « Un Aperçu de Notre-Dame de la Fin d’après-Midi”) est une peinture de Matisse « pré-Fauvisme” période. Il a en fait été créé pendant ce qui est connu comme la période sombre de Matisse qui a été marquée par la préférence des couleurs sombres. Entre 1901 et 1903, l’artiste traverse une période difficile en raison d’un scandale financier impliquant la famille de sa femme et ses problèmes personnels ont montré sur son travail., Le tableau qui représente une vue de la Cathédrale Notre-Dame de Paris fait aujourd’hui partie de la collection de la galerie D’Art Albright-Knox à Buffalo, New York.
Luxe, Calme et Volupté (« Luxury, Calm and Pleasure »)
autre chef-d’œuvre de la première période de Matisse, Le tableau Luxe, calme et Volupté (anglais: « Luxury, Calm and volupté”) est remarquable pour employer la technique dite divisionniste qui était très populaire chez les peintres néo-impressionnistes., Cependant, il comprend également des éléments distinctement fauvistes, ce qui explique pourquoi il est souvent cité comme le premier exemple du fauvisme. Le style de la peinture est considéré comme influencé par le peintre français Paul Signac (1863-1935) qui était en vacances avec Matisse à Saint-Tropez sur la Côte d’Azur en 1904 quand il a créé le tableau. Ce dernier est aujourd’hui conservé au Musée d’Orsay à Paris.,
Femme au chapeau
sans aucun doute L’un des tableaux les plus célèbres de Matisse, la femme au chapeau est aussi l’un des plus beaux exemples du fauvisme. Créé en 1905, le tableau a été exposé la même année au Salon d’automne avec des œuvres de Vlaminck, Derain et d’autres artistes que le critique D’art Louis Vauxcelles (1870-1943) appelait péjorativement fauves (anglais: « wild beasts”). Ironiquement, le terme est venu plus tard pour décrire leur style de peinture-Fauvisme., La femme au chapeau qui représente la femme de L’artiste Amélie est aujourd’hui conservée au Musée D’Art Moderne de San Francisco.
le bonheur de vivre
bien que suscitant beaucoup de controverse et de tollé lors de sa première exposition en 1906, le bonheur de vivre ou »The Joy of Life »en traduction anglaise est considéré non seulement comme l’un des plus grands chefs-d’œuvre du fauvisme, mais, Représentant un groupe de personnes nues – hommes et femmes – dans un paysage, la peinture se caractérise par l’utilisation de couleurs vives et d’espace aplati, qui ont tous deux créé des ondes de choc massives. Mais ils ont également inspiré de nombreux artistes contemporains de Matisse, y compris Pablo Picasso qui est considéré comme sous une influence majeure de « la joie de vivre” lors de la création de l’une de ses plus grandes œuvres – les Demoiselles d’Avignon. Le chef-d’œuvre de Matisse est aujourd’hui dans la collection d’art de la Fondation Barnes à Philadelphie.,
bande verte
La bande verte, également appelée Portrait de Madame Matisse, est un portrait de L’épouse de L’artiste, Amélie. La peinture est remarquable pour son manque de l’utilisation de la lumière et de l’ombre pour ajouter de la profondeur et de créer l’illusion d’une troisième dimension. Cependant, le même effet est créé par une utilisation brillante des couleurs. Le tableau qui a été créé en 1905 a été nommé d’après la bande verte au milieu du visage D’Amélie qui sert de ligne d’ombre., Il peut aujourd’hui être admiré à la Galerie nationale du Danemark dans la capitale danoise de Copenhague.
La Fenêtre Ouverte
Matisse avait un goût particulier pour le thème de fenêtre ouverte et il a produit un certain nombre de peintures sur le thème. Le plus célèbre et admiré, intitulé simplement la fenêtre ouverte (parfois aussi appelé fenêtre ouverte, Collioure) a été peint en 1905 dans une petite ville côtière de Collioure., Représentant la vue du port de pêche vue du département de l’artiste, le tableau a été exposé pour la première fois au Salon d’automne en 1905. Depuis 1998, il est visible à la National Gallery of Art de Washington D. C. Cette dernière l’a acquis la même année par legs de Mme John Hay Whitney.
les toits de Collioure (« the Roofs of Collioure »)
Les toits de Collioure (Anglais: « the Roofs of Collioure”) est un autre tableau exceptionnel de Matisse qui a été créé à Collioure alors qu’il y séjournait avec son compatriote André Derain., Il se rend dans la petite ville du Sud de la France à l’été 1905 pour trouver l’inspiration pour le travail. Et il l’a fait; plus encore, il a créé certaines de ses peintures les plus célèbres lors de son séjour à Collioure. Cette peinture représente la ville côtière et le paysage environnant dans un style typique de sa première période Fauviste, impliquant une utilisation très libérale de couleurs vives et « sauvages”. Il est maintenant conservé au Musée de L’Ermitage à Saint-Pétersbourg, en Russie.,
le jeune marin II
Le Jeune Marin II (original français: « jeune Marin”) est la deuxième version d’un tableau qui a été créé lors du séjour de Matisse à Collioure en 1905. Tout comme l’original, cette version représente un pêcheur de 18 ans, Germain Augustin Barthélémy Montargès, originaire de Collioure, mais de manière résolument Fauviste. Le tableau qui a été créé en 1906 peut être admiré au Metropolitan Museum of Art de New York qui l’a acquis en donation en 1998, tandis que le « premier” jeune marin reste dans une collection privée.,
Danse (deuxième Version)
l’une des œuvres les plus importantes de Matisse et l’une des pièces centrales de l’art moderne, La Danse (original français: « La Danse”) est un autre chef-d’œuvre créé pour le collectionneur D’art russe Sergei Chtchoukine en 1910. La deuxième version d’un tableau communément appelé Dance (I), qui a été créé un an plus tôt comme une œuvre préliminaire, représente également cinq nus dansant en cercle., Mais ils sont peints dans une couleur Intensément rouge pour créer un plus grand contraste avec le ciel bleu et le paysage vert – le même que les chiffres dans sa musique de peinture compagnon. Tout comme la dernière, la danse est maintenant dans la collection du Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.
Blue Nude (Souvenir de Biskra)
Cette peinture à l’huile controversée a été achevée en 1907. Comme l’indique le titre, Le Nu Bleu (souvenir de Biskra) représente une femme nue avec des nuances de bleu soulignant sa silhouette., Cependant, ce n’est pas l’utilisation de la couleur bleue qui en a fait l’une des peintures les plus controversées de son temps, mais plutôt la représentation non conventionnelle de la figure de la femme par l’artiste. Il a causé un tel outrage qu’il a même été brûlé en effigie lors de l’exposition 1913 Armory Show à Chicago. La peinture qui a été inspirée par une sculpture brisée est aujourd’hui exposée au Baltimore Museum of Art.,
les fleurs de prunier (« Prunier en fleurs »)
Les fleurs de prunier (« prunier en fleurs”) est l’un des derniers tableaux de Matisse car en 1950, L’artiste abandonne la peinture et se concentre sur les découpes de papier. Représentant une femme sans visage assise à la table avec plusieurs vases avec des fleurs et un bol de fruits, le tableau forme une collection de 7 peintures connues sous le nom de « Vence interiors”. Elles ont été créées dans L’atelier de Matisse dans la ville de Vence dans le sud de la France entre 1947 et 1948., Jusqu’à son acquisition par le MoMA en 2005, La Fleur De Prunier n’a pas été vue depuis 1970 lorsqu’elle a été exposée lors d’une exposition d’art à Paris. La même année, il a été vendu à un collectionneur privé et est resté largement inconnu du public jusqu’à ce qu’il soit acheté par M. et Mme Kravis qui en ont fait don au MoMA.