Das Dessert: Harmonie in Rot
Das Dessert: Harmonie in Rot (französisches Original: „La Desserte rouge“), auch bekannt als Der Rote Raum, wurde 1908 auf dem Höhepunkt von Matisses fauvistischer Periode gemalt., Interessanterweise gab der russische Geschäftsmann und Kunstsammler Sergei Shchukin (1854-1936) es als „Harmony in Blue“in Auftrag. Der Künstler änderte es jedoch in Rot, weil er die ursprüngliche blaue Version nicht mochte. Das Gemälde ist neben seinem unverwechselbaren fauvistischen Stil auch dadurch gekennzeichnet, dass es den zentralen Schwerpunkt fehlt, der den Einfluss der impressionistischen Malerei offenbart. Wie viele andere Kunstwerke aus Shchukins Kunstsammlung ist der Rote Raum jetzt in der Eremitage in St. Petersburg ausgestellt.,
Notre-Dame, une fin d ‚ après-midi („A Glimpse of Notre-Dame in the Late Afternoon“)
Die 1902 gemalte Notre-Dame, une fin d ‚ après-midi (englisch: „A Glimpse of Notre-Dame in the Late Afternoon“) ist ein Gemälde aus Matisses Zeit vor dem Fauvismus. Es wurde tatsächlich während der sogenannten dunklen Periode der Matisse geschaffen, die durch die Vorliebe für dunkle Farben gekennzeichnet war. Zwischen 1901 und 1903 erlebte der Künstler eine schwierige Zeit aufgrund eines Finanzskandals mit der Familie seiner Frau und seiner persönlichen Probleme mit seiner Arbeit., Das Gemälde, das einen Blick auf die Kathedrale Notre Dame in Paris zeigt, ist heute Teil der Sammlung der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, New York.
Luxe, Calme et Volupté („Luxus, Ruhe und Vergnügen“)
Ein weiteres Meisterwerk aus Matisses Frühzeit, das Gemälde Luxe, Calm et Volupté (englisch:“ Luxus, Ruhe und Vergnügen“), zeichnet sich durch den Einsatz der sogenannten divisionistischen Technik aus, die bei neoimpressionistischen Malern sehr beliebt war., Es enthält jedoch auch deutlich fauvistische Elemente, weshalb es oft als frühes Beispiel des Fauvismus angeführt wird. Es wird angenommen, dass der Stil des Gemäldes von dem französischen Maler Paul Signac (1863-1935) beeinflusst wurde, der 1904 mit Matisse in St. Tropez an der französischen Riviera Urlaub machte, als er das Gemälde schuf. Letzteres ist heute im Musée d ‚ Orsay in Paris untergebracht.,
Frau mit Hut
Zweifellos eines der berühmtesten Gemälde Matisses, Frau mit Hut (französisches Original: „La femme au chapeau“), ist auch eines der schönsten Beispiele für Fauvismus. Das 1905 entstandene Gemälde wurde im selben Jahr im Salon d ‚ Automne zusammen mit Werken von Vlaminck, Derain und anderen Künstlern gezeigt, die der Kunstkritiker Louis Vauxcelles (1870-1943) abwertend Fauves (englisch: „wild beasts“) nannte. Ironischerweise wurde der Begriff später verwendet, um ihren Malstil zu beschreiben – Fauvismus., Frau mit Hut, die die Frau des Künstlers Amelie darstellt, ist heute im San Francisco Museum of Modern Art untergebracht.
Le bonheur de vivre („Die Lebensfreude“)
Obwohl Le bonheur de vivre oder“ Die Lebensfreude “ in der englischen Übersetzung 1906 zum ersten Mal ausgestellt wurde, wird es nicht nur als eines der größten Meisterwerke des Fauvismus angesehen, sondern gilt auch als eines der bestimmenden Werke der Moderne., Das Gemälde zeigt eine Gruppe nackter Menschen – sowohl Männer als auch Frauen – in einer Landschaft und zeichnet sich durch die Verwendung lebhafter Farben und abgeflachten Raums aus, die beide massive Stoßwellen verursachten. Sie inspirierten aber auch viele zeitgenössische Künstler von Matisse, darunter Pablo Picasso, von dem angenommen wird, dass er bei der Schaffung eines seiner größten Werke – Les Demoiselles d ‚ Avignon-einen großen Einfluss von „The Joy of Life“ hat. Matisses Meisterwerk befindet sich heute in der Kunstsammlung der Barnes Foundation in Philadelphia.,
Grüner Streifen
Der grüne Streifen (französisches Original:“ La Raie Verte“), auch Porträt von Madame Matisse genannt, ist ein Porträt der Frau des Künstlers Amelie. Das Gemälde zeichnet sich durch die fehlende Verwendung von Licht und Schatten aus, um Tiefe zu verleihen und die Illusion einer dritten Dimension zu erzeugen. Der gleiche Effekt wird jedoch durch eine brillante Verwendung von Farben erzeugt. Das Gemälde, das 1905 entstand, wurde nach dem grünen Streifen in der Mitte von Amelies Gesicht benannt, der als Schattenlinie dient., Es kann heute in der Nationalgalerie von Dänemark in der dänischen Hauptstadt Kopenhagen bewundert werden.
Das offene Fenster
Matisse hatte eine besondere Vorliebe für das Thema offenes Fenster und er produzierte eine Reihe von Gemälden zum Thema. Das berühmteste und am meisten bewunderte, einfach das offene Fenster betitelte (manchmal auch als offenes Fenster, Collioure bezeichnet) wurde 1905 in einer kleinen Küstenstadt Collioure gemalt., Das Gemälde zeigt den Blick auf den Fischereihafen aus der Abteilung des Künstlers und wurde erstmals 1905 im Salon d ‚ Automne ausgestellt. Seit 1998 ist es in der National Gallery of Art in Washington D. C. zu sehen, letztere erwarb es im selben Jahr durch Nachlass von Mrs. John Hay Whitney.
Les toits de Collioure („Die Dächer von Collioure“)
Les toits de Collioure (englisch:“ Die Dächer von Collioure“) ist ein weiteres herausragendes Gemälde von Matisse, das in Collioure geschaffen wurde, während er dort mit seinem Künstlerkollegen André Derain blieb., Er reiste im Sommer 1905 in die kleine Stadt in Südfrankreich, um Inspiration für die Arbeit zu finden. Und er tat es; Noch mehr, Er schuf einige seiner berühmtesten Gemälde während seines Aufenthalts in Collioure. Dieses Gemälde zeigt die Küstenstadt und die umliegende Landschaft in einem Stil, der typisch für seine frühe fauvistische Zeit ist und einen höchst liberalen Einsatz von lebendigen und „wilden“ Farben beinhaltet. Es ist heute in der Eremitage in St. Petersburg, Russland untergebracht.,
The Young Sailor II
The Young Sailor II (französisches Original: „Jeune Marin“) ist die zweite Version eines Gemäldes, das während Matisses Aufenthalts in Collioure 1905 entstanden ist. Genau wie das Original zeigt diese Version einen 18-jährigen Fischer Germain Augustin Barthélémy Montargès aus Collioure, aber auf ausgesprochen fauvistische Weise. Das Gemälde, das 1906 entstand, kann im Metropolitan Museum of Art in New York City bewundert werden, das es 1998 als Spende erwarb, während der „erste“ junge Seemann in der Privatsammlung verbleibt.,
Tanz (zweite Version)
Eines der wichtigsten Werke Matisses und eines der zentralen Stücke der modernen Kunst, der Tanz (französisches Original: „La Danse“), ist ein weiteres Meisterwerk, das 1910 für den russischen Kunstsammler Sergei Shchukin geschaffen wurde. Die zweite Version eines Gemäldes, das gemeinhin als Tanz (I) bezeichnet wird und ein Jahr zuvor als Vorarbeit geschaffen wurde, zeigt auch fünf Akte, die im Kreis tanzen., Aber sie sind in einer intensiv roten Farbe gemalt, um einen größeren Kontrast zum blauen Himmel und der grünen Landschaft zu schaffen – genau wie die Figuren in ihrer Begleitmusik. Genau wie der spätere ist der Tanz jetzt in der Sammlung der Eremitage in St. Petersburg.
Blauer Akt (Souvenir de Biskra)
Dieses umstrittene Ölgemälde wurde 1907 fertiggestellt. Wie aus dem Titel hervorgeht, zeigt der blaue Akt (Souvenir de Biskra) (französisch: „Nu bleu, Souvenir de Biskra“) eine nackte Frau mit Blautönen, die ihre Figur hervorhebt., Es war jedoch nicht die Verwendung von blauer Farbe, die es zu einem der umstrittensten Gemälde seiner Zeit machte, sondern die unkonventionelle Darstellung der Frauenfigur der Künstlerin. Es verursachte eine solche Empörung, dass es sogar im Bildnis verbrannt wurde, als es auf der 1913 Armory Show in Chicago ausgestellt wurde. Das Gemälde, das von einer zerbrochenen Skulptur inspiriert wurde, ist heute im Baltimore Museum of Art zu sehen.,
Die Pflaumenblüten („Prunier en fleurs“)
Die Pflaumenblüten (französisch: „Prunier en fleurs“) ist eines der letzten Gemälde von Matisse Wie 1950 gab der Künstler die Malerei auf und konzentrierte sich auf Papierausschnitte. Das Gemälde zeigt eine gesichtslose Frau am Tisch mit mehreren Vasen mit Blumen und einer Obstschale und bildet eine Sammlung von 7 Gemälden, die als „Vence Interiors“bekannt sind. Diese entstanden in Matisses Atelier in der Stadt Vence in Südfrankreich zwischen 1947 und 1948., Bis zur Übernahme durch das MoMA im Jahr 2005 wurde die Pflaumenblüte seit 1970 nicht mehr gesehen, als sie auf einer Kunstausstellung in Paris ausgestellt wurde. Im selben Jahr wurde es an einen privaten Sammler verkauft und blieb der Öffentlichkeit weitgehend unbekannt, bis es von Herrn und Frau Kravis gekauft wurde, die dem MoMA spendeten.