Il Dessert: Armonia in Rosso
Il Dessert: Armonia in Rosso (originale francese: “La Desserte rouge”), conosciuta anche come La Sala Rossa è stato dipinto nel 1908, all’altezza di Matisse periodo Fauve., È interessante notare che l’uomo d’affari russo e collezionista d’arte Sergei Shchukin (1854-1936) lo commissionò come “Armonia in blu”. Tuttavia, l’artista lo ha cambiato in rosso perché non gli piaceva la versione blu originale. Il dipinto è oltre al suo stile tipicamente fauvista caratterizzato anche dalla mancanza del punto focale centrale che rivela l’influenza della pittura impressionista. Come molte altre opere d’arte della collezione d’arte di Shchukin, La Stanza Rossa è ora esposta nel Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo.,
Notre-Dame, une fin d’après-midi (“A Glimpse of Notre-Dame in the Late Afternoon”)
Dipinto nel 1902, il Notre-Dame, une fin d’après-midi (inglese: “A Glimpse of Notre-Dame in the Late Afternoon”) è un dipinto del “pre-fauvismo” di Matisse punto. In realtà è stato creato durante quello che è noto come il periodo buio di Matisse che è stato caratterizzato dalla preferenza di colori scuri. Tra il 1901 e il 1903, l’artista stava attraversando un periodo difficile a causa di uno scandalo finanziario che coinvolge la famiglia della moglie e i suoi problemi personali hanno mostrato sul suo lavoro., Il dipinto che raffigura una vista della Cattedrale di Notre Dame a Parigi è oggi una parte della collezione della Galleria d’arte Albright-Knox a Buffalo, New York.
Luxe, Calme et Volupté (“Lusso, calma e piacere”)
Un altro capolavoro del primo periodo di Matisse, il dipinto Luxe, Calme et Volupté (inglese: “Lusso, calma e piacere”) è notevole per l’impiego della cosiddetta tecnica divisionista che era molto popolare tra i pittori neo-impressionisti., Tuttavia, include anche elementi tipicamente fauvisti, motivo per cui è spesso citato come il primo esempio di fauvismo. Il painting’s stile è pensato per essere influenzato dal pittore francese Paul Signac (1863-1935) che è stato in vacanza con Matisse a St. Tropez sulla Costa Azzurra nel 1904, quando ha creato il dipinto. Quest’ultimo è oggi conservato al Musée d’Orsay di Parigi.,
Donna con cappello
Senza dubbio uno dei dipinti più famosi di Matisse, Donna con cappello (originale francese: “La femme au chapeau) è anche uno dei migliori esempi di fauvismo. Creato nel 1905, il dipinto è stato esposto nello stesso anno al Salon d’Automne insieme a opere di Vlaminck, Derain e altri artisti che il critico d’arte Louis Vauxcelles (1870-1943) pejoratively chiamato fauves (inglese: “wild beasts”). Ironia della sorte, il termine più tardi è venuto per essere usato per descrivere il loro stile di pittura-Fauvismo., Donna con un cappello che raffigura la moglie dell’artista Amelie è oggi ospitato nel San Francisco Museum of Modern Art.
Le bonheur de vivre (“La Gioia della Vita”)
anche Se causando un sacco di polemiche e di proteste quando esposto per la prima volta nel 1906, Le bonheur de vivre ” o “Gioia di vivere” in inglese traduzione è vista non solo come uno dei più grandi capolavori del Fauvismo, ma è anche considerato come uno dei la definizione di opere del Modernismo., Raffigurante un gruppo di persone nude-uomini e donne-in un paesaggio, il dipinto è caratterizzato dall’uso di colori vivaci e spazi appiattiti, entrambi i quali hanno creato enormi onde d’urto. Ma hanno anche ispirato molti artisti contemporanei di Matisse, tra cui Pablo Picasso che si pensa sia sotto una grande influenza di ” La gioia della vita” quando ha creato una delle sue più grandi opere – Les Demoiselles d’Avignon. Il capolavoro di Matisse è oggi nella collezione d’arte della Barnes Foundation di Filadelfia.,
Striscia verde
La Striscia verde (originale francese: “La Raie Verte”), chiamata anche Ritratto di Madame Matisse è un ritratto della moglie dell’artista Amelie. Il dipinto è notevole per la mancanza l’uso di luce e ombra per aggiungere profondità e creare l’illusione di una terza dimensione. Tuttavia, lo stesso effetto è creato da un uso brillante dei colori. Il dipinto che è stato creato nel 1905 prende il nome dalla striscia verde al centro del volto di Amelie che funge da linea d’ombra., Oggi può essere ammirato alla Galleria Nazionale di Danimarca nella capitale danese di Copenaghen.
La finestra aperta
Matisse aveva una particolare simpatia per il tema della finestra aperta e ha prodotto una serie di dipinti sul tema. Il più famoso e ammirato, intitolato semplicemente The Open Window (a volte indicato anche come Open Window, Collioure) fu dipinto nel 1905 in una piccola città costiera di Collioure., Raffigurante la vista del porto di pesca come visto dal dipartimento dell’artista, il dipinto è stato esposto per la prima volta al Salon d’Automne nel 1905. Dal 1998, può essere visto alla National Gallery of Art di Washington D. C. Quest’ultima lo acquistò nello stesso anno per lascito dalla signora John Hay Whitney.
Les toits de Collioure (“I tetti di Collioure”)
Les toits de Collioure (in inglese: “I tetti di Collioure”) è un altro eccezionale dipinto di Matisse che è stato creato a Collioure mentre vi soggiornava con il suo collega André Derain., Si recò nella piccola città nel sud della Francia nell’estate del 1905 per trovare ispirazione per il lavoro. E lo ha fatto; ancora di più, ha creato alcuni dei suoi dipinti più celebri durante il soggiorno a Collioure. Questo dipinto raffigura la città costiera e il paesaggio circostante in uno stile tipico per il suo primo periodo fauvista, che coinvolge un uso altamente liberale di colori vivaci e” selvaggi”. È ora ospitato nel Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo, in Russia.,
Il giovane marinaio II
Il Giovane marinaio II (originale francese: “Jeune Marin”) è la seconda versione di un dipinto che è stato creato durante il soggiorno di Matisse a Collioure nel 1905. Proprio come l’originale, questa versione raffigura un pescatore di 18 anni Germain Augustin Barthélémy Montargès di Collioure ma in modo dichiaratamente fauvista. Il dipinto che è stato creato nel 1906 può essere ammirato nel Metropolitan Museum of Art di New York City che ha acquisito come donazione nel 1998, mentre il “primo” Giovane marinaio rimane in collezione privata.,
Danza (Seconda versione)
Una delle opere più importanti di Matisse e uno dei pezzi centrali dell’arte moderna, la Danza (originale francese: “La Danse”) è un altro capolavoro che è stato creato per il collezionista d’arte russo Sergei Shchukin nel 1910. La seconda versione di un dipinto comunemente indicato come Danza (I), che è stato creato un anno prima come un lavoro preliminare, raffigura cinque nudi che ballano in un cerchio pure., Ma sono dipinti in un colore rosso intenso per creare un maggiore contrasto con il cielo blu e il paesaggio verde – lo stesso delle figure nella sua musica di pittura compagna. Proprio come il più tardi, la Danza è ora nella collezione del Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo.
Nudo blu (Souvenir de Biskra)
Questo controverso dipinto ad olio fu terminato nel 1907. Come indicato dal titolo, il Nudo blu (Souvenir de Biskra) (francese: “Nu bleu, Souvenir de Biskra”) raffigura una donna nuda con sfumature di blu che evidenziano la sua figura., Tuttavia, non è stato l’uso del colore blu a renderlo uno dei dipinti più controversi del suo tempo, ma piuttosto la rappresentazione non convenzionale dell’artista della figura femminile. Causò un tale oltraggio che fu persino bruciato in effigie quando fu esposto all’Armory Show del 1913 a Chicago. Il dipinto che è stato ispirato da una scultura in frantumi è oggi in mostra al Baltimore Museum of Art.,
I fiori di pruno (“Prunier en fleurs”)
I fiori di Pruno (francese: “Prunier en fleurs”) è uno degli ultimi dipinti di Matisse poiché nel 1950, l’artista abbandonò la pittura e si concentrò sui ritagli di carta. Raffigurante una donna senza volto seduta al tavolo con più vasi con fiori e una ciotola di frutta, il dipinto forma una collezione di 7 dipinti noti come “interni Vence”. Questi sono stati creati nello studio di Matisse nella città di Vence nel sud della Francia tra il 1947 e il 1948., Fino all’acquisizione da parte del MoMA nel 2005, il Pruno non si vedeva dal 1970 quando fu esposto in una mostra d’arte a Parigi. Nello stesso anno, fu venduto a un collezionista privato e rimase in gran parte sconosciuto al pubblico fino a quando non fu acquistato da Mr. e Mrs. Kravis che donarono al MoMA.