El Postre: armonía en rojo
El Postre: armonía en rojo (original en francés: «La Desserte rouge»), también conocida como la habitación roja, fue pintada en 1908, en el apogeo del período fauvista de Matisse., Curiosamente, el empresario y coleccionista de arte ruso Sergei Shchukin (1854-1936) lo encargó como «armonía en azul». Sin embargo, el artista lo cambió a rojo porque no le gustaba la versión azul original. La pintura es, además de su distintivo estilo fauvista también se caracteriza por carecer del punto focal central que revela la influencia de la pintura impresionista. Al igual que muchas otras obras de arte de la colección de arte de Shchukin, la Sala Roja ahora se muestra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo.,
Notre-Dame, une fin d’après-midi («un vistazo de Notre-Dame en la tarde»)
pintada en 1902, la Notre-Dame, une fin d’après-midi (español: «un vistazo de Notre-Dame en la tarde») es una pintura del período «pre-Fauvismo» de Matisse. En realidad fue creado durante lo que se conoce como el período oscuro de Matisse que estaba marcado por la preferencia de los colores oscuros. Entre 1901 y 1903, el artista estaba pasando por un período difícil debido a un escándalo financiero que involucraba a la familia de su esposa y sus problemas personales mostrados en su trabajo., La pintura que representa una vista de la Catedral de Notre Dame en París es hoy una parte de la colección de la galería de arte Albright-Knox en Buffalo, Nueva York.
Luxe, Calme et Volupté («lujo, calma y placer»)
otra obra maestra del período temprano de Matisse, la pintura Luxe, Calm et Volupté (Español: «lujo, calma y placer») es notable por emplear la llamada técnica divisionista que fue muy popular entre los pintores neoimpresionistas., Sin embargo, también incluye elementos claramente fauvistas, por lo que a menudo se cita como el ejemplo temprano del fauvismo. Se cree que el estilo de la pintura está influenciado por el pintor francés Paul Signac (1863-1935) que estaba de vacaciones con Matisse en St.Tropez en la Riviera francesa en 1904 cuando creó la pintura. Este último se encuentra hoy en el Museo de Orsay en París.,
Mujer Con Sombrero
sin duda una de las pinturas más famosas de Matisse, mujer con sombrero (original en francés: «La femme au chapeau») es también uno de los mejores ejemplos de Fauvismo. Creada en 1905, la pintura fue exhibida en el mismo año en el Salon d’automne junto con obras de Vlaminck, Derain y otros artistas a quienes el crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943) peyorativamente llamó fauves (inglés: «wild beasts»). Irónicamente, el término más tarde llegó a ser utilizado para describir su estilo de pintura – Fauvismo., La mujer con un sombrero que representa a la esposa del artista, Amelie, se encuentra hoy en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.
le bonheur de vivre («la alegría de la vida»)
aunque causó mucha controversia y protesta cuando se exhibió por primera vez en 1906, Le bonheur de vivre o «la alegría de la vida» en la traducción al Inglés es vista no solo como una de las mayores obras maestras del fauvismo, sino también como una de las obras definitorias del modernismo., Representando a un grupo de personas desnudas-tanto hombres como mujeres – en un paisaje, la pintura se caracteriza por el uso de colores vivos y el espacio aplanado, los cuales crearon ondas de choque masivas. Pero también inspiraron a muchos artistas contemporáneos de Matisse, incluido Pablo Picasso, que se cree que está bajo una gran influencia de» la alegría de la vida » al crear una de sus mejores obras: Les Demoiselles d’Avignon. La obra maestra de Matisse se encuentra hoy en la colección de arte de la Fundación Barnes en Filadelfia.,
green Stripe
The Green Stripe (French original: «La Raie Verte»), también llamado el retrato de Madame Matisse es un retrato de la esposa del artista Amelie. La pintura es notable por carecer del uso de la luz y la sombra para añadir profundidad y crear la ilusión de una tercera dimensión. Sin embargo, el mismo efecto es creado por un uso brillante de colores. La pintura que fue creada en 1905 fue nombrado después de la franja verde en el Centro de la cara de Amelie que sirve como la línea de sombra., Hoy en día se puede admirar en la Galería Nacional de Dinamarca en la capital danesa de Copenhague.
La Ventana Abierta
Matisse tenía un gusto particular por el tema de la ventana abierta y produjo una serie de pinturas sobre el tema. El más famoso y admirado, titulado simplemente la ventana abierta (a veces también conocido como ventana abierta, Collioure) fue pintado en 1905 en una pequeña ciudad costera de Collioure., Representando la vista del puerto pesquero vista desde el departamento del artista, la pintura se exhibió por primera vez en el Salon d’automne en 1905. Desde 1998, se puede ver en la Galería Nacional de arte en Washington D. C. Este último lo adquirió en el mismo año por legado de la señora John Hay Whitney.
Les toits de Collioure («los tejados de Collioure»)
Les toits de Collioure (inglés:» los tejados de Collioure») es otra pintura excepcional de Matisse que fue creada en Collioure mientras permanecía allí con su compañero artista André Derain., Viajó a la pequeña ciudad en el sur de Francia en el verano de 1905 para encontrar inspiración para el trabajo. Y lo hizo; más aún, creó algunas de sus pinturas más célebres durante su estancia en Collioure. Esta pintura representa la ciudad costera y el paisaje circundante en un estilo típico de su período fauvista temprano, implicando un uso altamente liberal de colores vivos y «salvajes». Ahora se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia.,
El joven marinero II
El joven marinero II (Francés original: «Jeune Marin») es la segunda versión de una pintura que fue creada durante la estancia de Matisse en Collioure en 1905. Al igual que el original, esta versión representa a un pescador de 18 años Germain Augustin Barthélémy Montargès de Collioure, pero de una manera pronunciadamente fauvista. La pintura que fue creada en 1906 se puede admirar en el Museo Metropolitano de arte de Nueva York, que la adquirió como donación en 1998, mientras que el «primer» joven marinero permanece en la colección privada.,
Danza (segunda versión)
Una de las obras más importantes de Matisse y una de las piezas centrales del arte moderno, la danza (original en francés: «La Danse») es otra obra maestra que fue creada para el coleccionista de arte ruso Sergei Shchukin en 1910. La segunda versión de una pintura comúnmente conocida como danza (I), que fue creada un año antes como una obra preliminar, representa cinco desnudos bailando en un círculo también., Pero están pintados en un color rojo intenso para crear un mayor contraste con el cielo azul y el paisaje verde, al igual que las figuras en su música de pintura acompañante. Al igual que el más tarde, la danza está ahora en la colección del Museo del Hermitage en San Petersburgo.
desnudo azul (Souvenir de Biskra)
esta controvertida pintura al óleo se terminó en 1907. Como indica el título, El desnudo azul (Souvenir de Biskra) (en francés: «Nu bleu, Souvenir de Biskra») representa a una mujer desnuda con tonos de azul resaltando su figura., Sin embargo, no fue el uso del color azul lo que la convirtió en una de las pinturas más controvertidas de su tiempo, sino la representación poco convencional de la figura de la mujer por parte del artista. Causó tal indignación que incluso se quemó en efigie cuando se exhibió en el Armory Show de 1913 en Chicago. La pintura que se inspiró en una escultura destrozada está hoy en exhibición en el Museo de arte de Baltimore.,
las flores de ciruelo («Prunier en fleurs»)
Las flores de ciruelo (en francés:» Prunier en fleurs») es una de las últimas pinturas de Matisse ya que en 1950, el artista abandonó la pintura y se centró en recortes de papel. Representando a una mujer sin rostro sentada en la mesa con múltiples jarrones con flores y un frutero, la pintura forma una colección de 7 pinturas conocidas como los»interiores de Vence». Estos fueron creados en el estudio de Matisse en la ciudad de Vence en el sur de Francia entre 1947 y 1948., Hasta que fue adquirido por el MoMA en 2005, las flores de ciruelo no se habían visto desde 1970, cuando se exhibió en una exposición de arte en París. En el mismo año, fue vendido a un coleccionista privado y permaneció en gran medida desconocido para el público hasta que fue comprado por el Sr. y la Sra. Kravis que donó al MoMA.